Critiques de film MyArtBroker : Keith Haring - Street Art Boy (2020)

Les propres interviews de Haring ont été recueillies par l'écrivain et critique d'art John Gruen en 1989 pour sa biographie, que le film mêle à des images d'archives saisissantes et à une bande-son percutante. Il retrace le parcours de Haring dans les galeries et les clubs de la scène artistique du centre-ville de New York, son approche rebelle et ingénieuse, ainsi que son inspiration tirée des graffitis de la ville, transformant les métros, les bâches et les murs de New York en ses toiles.

Keith Haring: Street Art Boy offre un aperçu extraordinaire de la vie d'un artiste qui a vécu et créé avec une énergie débordante, ayant un impact majeur sur les paysages sociaux, culturels et politiques des années 1980 jusqu'à son décès prématuré en 1990.

Le film s'ouvre sur la jeunesse de Haring, soulignant le fait qu'il était célèbre dans le monde entier avant l'âge de 25 ans. Une voix off poignante de Haring évoquant son approche démocratique de l'art accompagne des images de sa carrière.

Haring commence par parler de ses jeunes années, notamment le fait qu'il portait ses lunettes emblématiques et qu'il était complexé durant son enfance, se sentant souvent isolé des autres enfants. Au lieu du sport, il était davantage intéressé par la création de clubs. Ses parents racontent comment Haring dessinait constamment à l'école, surtout lorsqu'il n'était pas censé le faire, et montrent une lettre datant de sa troisième année environ : « Quand je serai grand, j'aimerais être un artiste en France. La raison est que j'aime dessiner. Je gagnerais mon argent grâce aux tableaux que je vendrais. J'espère y arriver. Keith Haring. »

Un ami d'enfance mentionne qu'ils livraient des journaux ensemble, lisant les nouvelles au fur et à mesure. Il souligne que Haring a toujours été un militant depuis qu'il le connaissait, et que lorsque Nixon était candidat à la présidence, ils griffonnaient sur les bâtiments avec des pains de savon – ce qui préfigurait l'utilisation par Haring de la craie dans le métro. Haring évoque sa consommation d'Angel Dust à l'âge adulte, avec son ami qui « réussissait », avant d'obtenir un emploi dans un centre artistique à Pittsburgh – bien qu'il n'y fût pas étudiant, il y utilisait les installations.

Haring parle d'un moment décisif, lorsqu'il a découvert une rétrospective de Pierre Alechinsky au Carnegie de Pittsburgh : « Les œuvres étaient si proches de ce que je faisais ; ce fut la première fois que j'ai eu le sentiment de faire quelque chose qui avait de la valeur. »

En 1981, Haring expose au PS 122 ; on lui avait donné l'espace pour un mois, mais l'événement est devenu incroyablement populaire. C'est à cette époque qu'Haring montre ses œuvres au galeriste Tony Shafrazi, qu'il admirait pour ses œuvres de contestation contre Guernica de Picasso, même si Haring était lui-même un grand fan de cette œuvre.

Il commence à faire des graffitis dans la rue, développant davantage les motifs du « chien » et du « bébé ». Le documentaire indique qu'Haring ne voulait pas utiliser la peinture en aérosol par crainte de faire de l'ombre aux œuvres des artistes de couleur ou de s'en approprier le mérite, souhaitant ainsi participer au mouvement à sa manière. L'état dégradé de la ville et le manque d'espaces publicitaires payants signifiaient qu'il y avait de nombreux panneaux noirs dans le métro, grâce auxquels Haring allait se faire connaître ; il devait donc être prolifique pour être vu par le plus grand nombre de spectateurs possible.

Ses amis insistent également sur son sens des affaires : « Keith avait un besoin inné d'établir un dialogue avec les gens, et il savait ce qu'il faisait, bon sang. Il envoyait un photographe partout où il faisait un dessin pour immortaliser chaque œuvre. » Cela a fonctionné. L'année suivante, les œuvres de Haring étaient affichées sur certains des immenses panneaux publicitaires de Times Square. Vers cette période, il vit avec Scharf et Samantha McEwen, et il raconte que des collectionneurs viennent pour la première fois acheter des œuvres dans son appartement. Haring se remémore l'histoire d'un homme de Londres qui acheta dix dessins et déclare : « C'est la première fois que j'ai plus de mille dollars en main. Et pour la première fois de ma vie, je réalise que je peux vivre en étant artiste. » Rapidement, les galeristes et les collectionneurs se battent pour les œuvres de Haring, ce dont il se plaint dans l'interview, les qualifiant de « glauques » : « Déjà, ils essaient de m'arnaquer de tout ce qu'ils peuvent. »

À ce stade, Haring gagne très bien sa vie ; en quelques jours après l'une de ses expositions, il avait vendu pour un quart de million de dollars d'œuvres. Cette période marque également le Grand Marché haussier de Wall Street (the Wall Street Great Bull Market), un tournant dans l'histoire de la ville et une période de prospérité immense. Haring commence à se voir proposer des expositions dans le monde entier, où tant ses œuvres que son style de peinture sont populaires, et beaucoup commencent à considérer son processus créatif comme une performance en soi. Scharf note à quel point « Keith était une personne incroyable à regarder peindre ».

Haring est désormais traité comme une rockstar partout où il va, considéré comme l'archétype d'une nouvelle jeunesse américaine. Il raconte sa première visite au club Paradise Garage, disant : « Il n'a plus jamais été le même depuis. » Ses amis parlent beaucoup de sa consommation de drogues et de l'influence de ses psychédéliques sur son art.

Dans le documentaire, les différents mondes que Keith Haring fréquentait sans effort sautent aux yeux : ses parents évoquent le fait d'avoir assisté à l'une de ses expositions et de s'être sentis déplacés en tant que « personnes les plus âgées présentes », restant ainsi peu de temps. Son ami Fab Five Freddy raconte également comment les amis de Haring, issus de toutes les couleurs de peau et de tous horizons, venaient faire la fête, « de sorte que lorsque les Blancs qui n'allaient qu'aux événements classiques du monde de l'art arrivaient, ils étaient époustouflés ».

Lors d'une interview, Haring évoque l'universalité de son travail et la controverse qu'il suscite. Il mentionne un incident à la National Gallery of Victoria en Australie, où il avait créé une fresque murale en verre destinée à être exposée pendant trois mois. Certains ont considéré son œuvre comme une appropriation de la culture aborigène, jusqu'à ce qu'une brique soit lancée à travers l'une des plaques de verre deux semaines après sa création.

Le documentaire aborde brièvement l'aspect racial de la vie et de l'œuvre de Haring, soulignant qu'il était constamment entouré de personnes de couleur et les accusations selon lesquelles il en aurait profité, ce que ses amis noirs démentent. Le film aurait probablement pu être développé davantage, en explorant ces dynamiques en profondeur, mais il choisit de rester assez superficiel.

Alors que sa notoriété grandit, le documentaire montre comment Haring commence à organiser des fêtes, qui sont grandioses et célèbres. Il rencontre Andy Warhol et commence à fréquenter davantage de célébrités, dont Madonna, Brooke Shields, Yoko Ono et Farrah Fawcett. Ses amis racontent à quel point il aimait la gloire et la notoriété, savourant la reconnaissance.

La conception de Warhol de « l'art comme commerce » plaisait à Haring et a fortement influencé sa décision d'ouvrir le Pop Shop. Haring savait qu'il serait critiqué pour cela, et Shafrazi explique que l'endroit n'a jamais été rentable – son objectif était purement idéologique. Haring fut cependant accusé de s'être vendu, et ses amis notent à quel point il lisait tous les articles à ce sujet, ce qui le contrariait.

L'épidémie de SIDA démarre, et Haring mentionne que son premier ami à mourir fut Klaus Nomi, qu'il connaissait depuis son époque au Club 57. Cela le touche profondément, et il commence à dire « oui » à tout et à vivre plus sans crainte – avant même son propre diagnostic. Il accepte de plus en plus de commandes publiques, travaillant notamment auprès des enfants. Le film se concentre sur la fresque murale de Haring datant de 1986, réalisée avec des lycéens qu'il avait invités à peindre à l'intérieur de ses lignes. Après trois jours, plus de 1000 adolescents étaient venus. Le documentaire interviewe l'un d'eux : « Quand on vient de la pauvreté, on pense parfois que c'est tout ce qu'il y a. Chaque personne que vous voyez représentée sur cette fresque avait une voix, mais le fait que quelqu'un pense que votre propos était important à seize ans, cela a tout changé. Nous avons appris à voir la vie différemment, et cela vous a donné l'occasion de vous dire : “Hé, il y a plus dans la vie que mon quotidien”. » C'est formidable d'être témoin de quelqu'un qui a été directement touché par l'activisme de Haring.

À 27 ans, Haring exposait régulièrement dans le monde entier et tenait sa première exposition personnelle dans un musée au Musée d'Art Contemporain de Bordeaux, qui a ensuite voyagé jusqu'au Stedelijk. Néanmoins, il se sentait incompris aux États-Unis, où de nombreux commissaires d'exposition dénigraient son style, le comparant à de « l'illustration ». Durant cet été-là, Haring a remarqué des difficultés respiratoires avant de découvrir une lésion sur sa jambe, diagnostiquée comme un Sarcome de Kaposi – un symptôme classique du SIDA. Haring savait qu'il était en train de mourir, et peu de temps après, il a appris que son ex-petit ami Juan Dubose était décédé de la maladie. Le documentaire aborde ensuite l'activisme de Haring contre le SIDA, montrant comment il a utilisé son art pour susciter l'attention et la sensibilisation. Il est montré en train de dire à quel point c'est une maladie coûteuse, et comment il donnait son propre argent à la cause.

Les œuvres créées par Haring durant ses dernières années étaient plus sombres, et Scharf souligne comment, dans beaucoup d'entre elles, le bonheur et la beauté étaient détruits, y compris des scènes infernales. Haring a parlé ouvertement de sa maladie dans un article pour le magazine Rolling Stone, avant même d'avoir informé ses propres parents. Il aimait la musique classique vers la fin de sa vie, voyageait beaucoup, et continuait à consommer des drogues et à faire la fête.

La sœur de Haring raconte ses dernières semaines : en janvier 1990, Haring a assisté à l'investiture du maire Dinkins à New York, où il a attrapé un mauvais refroidissement thoracique. Scharf raconte comment sa « batterie s'est simplement éteinte », et montre le dernier dessin de Haring – un demi-bébé, avec seulement deux jambes, tremblant. Il poursuit : « il luttait tellement, il voulait vraiment montrer qu'il en était encore capable, et c'était vraiment difficile pour tout le monde. »

Le film passe ensuite aux parents de Haring portant des chaussures ornées de ses dessins. Son père mentionne que les siennes sont « un peu trop voyantes, donc je ne les porte pas beaucoup, je ne suis pas du genre tape-à-l'œil, bruyant ». Sa mère porte un collier avec le motif du bébé, expliquant que Haring disait toujours que « le bébé était un symbole de vie ».

La séquence finale du documentaire commence par informer le spectateur que Haring a créé plus de 10 000 œuvres individuelles au cours de sa vie, et aborde l'impact de sa Fondation, qui a fait don de 20 millions de dollars à des causes chères à l'artiste depuis 1990. Il souligne également l'attrait commercial de Haring, comme en témoignent ses centaines de collaborations. Enfin, il est mentionné que « depuis sa mort, Keith a fait l'objet de plus de 70 expositions personnelles en musée, et ses œuvres figurent dans plus de 60 collections muséales à travers le monde ».

Ce documentaire est un hommage touchant à une icône moderne. Les spectateurs peuvent avoir un aperçu de la personnalité de Haring, de son histoire et de son courage face à l'adversité. Il est aussi incroyablement centré sur lui : Warhol est à peine mentionné et Jean-Michel Basquiat est totalement omis. Si cela ne permet pas de contextualiser correctement la scène artistique de New York à l'époque de Haring, cela signifie également que le film peut consacrer plus de temps à se souvenir de Haring pour ce qu'il était. Keith Haring: Street Art Boy offre un aperçu exceptionnel de la vie d'un artiste qui vivait et créait avec une énergie débordante, impactant significativement les paysages sociaux, culturels et politiques des années 1980 jusqu'à son décès prématuré en 1990.