WHAAM ! Pop et guerre dans l'univers de Roy Lichtenstein

Ce texte accompagne l'image d'un avion de chasse américain qui vient de lancer un missile sur un ennemi approchant. En suivant la trajectoire du missile, notre regard est attiré par l'explosion résultante, représentée dans toute sa splendeur pop à la Lichtenstein sur un fond de points Ben-Day bleus.

Si elle avait été rendue d'une autre manière, peut-être par une photographie ou une peinture figurative, cette scène serait horrible. Elle évoquerait des flashbacks de guerre et les reportages sur les conflits. Mais signée Lichtenstein, nous sommes captivés par l'œuvre et son détachement de la réalité, par l'évocation esthétique de l'enfance et par l'absurdité d'une bande dessinée surdimensionnée accrochée dans la galerie d'art.

Whaam! est inspiré d'une planche de 1962 tirée de la populaire série de comics DC All-American Men of War, une source d'inspiration tout à fait appropriée. Cependant, le choix d'inspiration de Lichtenstein nous amène à nous demander si Whaam! est une critique de notre désensibilisation à la violence, de la façon dont Hollywood romantique la guerre, ou s'il s'agit plutôt d'une célébration de l'action rythmée et de l'esthétique « Pop Art ».

Le contexte suggère que Whaam! témoigne effectivement des convictions anti-guerre plus poignantes de Lichtenstein. Créée alors que l'Amérique était au bord d'un engagement majeur dans la guerre du Vietnam et submergée par la menace de la Guerre froide, le sentiment anti-conflit était très fort dans tout le pays. L'appropriation de comics utilisée ici peut alors être interprétée comme une parodie de la gloire militaire colportée par la propagande américaine. À bien des égards, le comic book qui façonne l'esprit des jeunes garçons a le même effet que les récits de gloire militaire propagés qui encouragent le soutien au conflit. La représentation désensibilisée d'une explosion imite notre détachement émotionnel face à la violence que nous voyons si souvent aux informations.

Ce qui est essentiel cependant, c'est que Lichtenstein maintienne ce même détachement en tant qu'artiste dans des œuvres comme Whaam!, nous laissant le soin de décider de ses intentions. La dualité non résolue entre le sujet violent et le style commercial impassible rend l'œuvre finalement ambiguë. Il suffit de regarder Explosion (1965) ou Takka Takka (1962) qui embrassent l'esprit de la production de l'après-Seconde Guerre mondiale dans leurs visuels, tout en transmettant les peurs bien réelles d'annihilation nucléaire et de conscription militaire qui définissaient la vie des citoyens américains à l'époque.

L'œuvre de Lichtenstein refuse de nous mâcher le travail ; au lieu de cela, elle crée des scènes chargées d'émotion d'une manière si détachée que nous n'avons d'autre choix que d'absorber nous-mêmes le sens de son travail à pleines mains.

Considéré comme l'un des pères du Pop Art, les peintures de Lichtenstein explorent sans surprise des thèmes clés du consumérisme et de la culture commerciale, s'appropriant des images issues de la publicité (et bien sûr des bandes dessinées) pour jouer avec les notions de hiérarchie dans l'art. Ce sont cependant ses méthodes de travail qui distinguent Lichtenstein du processus de sérigraphie de production de masse d'Andy Warhol, ou des graffitis rapides et spécifiques au lieu d'un artiste comme Keith Haring.

Bien que le produit final soit une appropriation désintéressée de l'imagerie populaire, suggérant des méthodes de production de masse par ses visuels nets, Lichtenstein réalisait en réalité des peintures comme Whaam! méticuleusement à la main.

La Tate conserve d'ailleurs une de ses esquisses préparatoires au crayon pour cette œuvre, témoignant du processus de l'artiste. Pour créer ses points emblématiques, Lichtenstein poussait minutieusement de la peinture à l'huile à travers les trous d'un pochoir en aluminium fait maison à l'aide d'une brosse à récurer. Nous avons donc une œuvre qui, tout en s'assimilant visuellement à la forme commerciale du genre, conserve une signature artistique personnelle et les traces de la main même de Lichtenstein.

Si la dualité du sujet et de l'esthétique n'était pas déjà matière à réflexion, le conflit entre le détachement visuel et le processus artistique laborieux derrière les peintures de bandes dessinées ajoute un niveau de complexité supplémentaire à la pratique de Lichtenstein. Plutôt que de simplement copier des images issues du monde commercial, il crée quelque chose de nouveau grâce à ce processus de travail unique :