Icônes d'influence : connecter célébrité, Pop Art et héritage

Charlotte Stewart, directrice chez MyArtBroker, a animé et introduit la table ronde en expliquant comment cette collaboration est née de passions communes et des thèmes récurrents observés dans les artistes et leurs croisements avec la mode et la photographie. Elle a précisé que l'événement vise à relier les thèmes modernes de l'influence et des médias sociaux avec les fils d'Ariane de l'histoire de l'art et de la culture dans les estampes, la photographie et la mode.

Composé d'experts tels que Jess Bromovsky, responsable du Pop américain chez MyArtBroker, de l'auteure et conférencière Terry Newman, et de Carrie Kania, directrice de publication chez Iconic Images, le panel a abordé les concepts nuancés d'« icône » et de « célébrité ». Charlotte a souligné que ces termes sont souvent galvaudés et mal compris, et elle a demandé aux intervenants leurs éclairages sur leur évolution et leurs perceptions culturelles.

Carrie a commencé la discussion en soulignant l'origine du mot « celebrity » (célébrité), en le reliant à l'acte de célébrer. Elle a établi une distinction entre la « celebrity » et la « fame » (notoriété), expliquant que la célébrité découle du fait d'être célébré pour des réussites dans des domaines tels que l'art, la musique ou le cinéma, tandis que la notoriété est plus générale et pas toujours liée à un accomplissement. Elle a insisté sur le fait que la célébrité n'est pas un phénomène moderne et que sa définition est nuancée, suggérant que même l'inventeur du feu pourrait être considéré comme une célébrité précoce dans cette arène scientifique. Ce qui a évolué, a-t-elle noté, est la façon dont nous percevons et interagissons avec les célébrités dans l'actuel « âge numérique 24/7 », où un accès constant amplifie leur présence et leur attrait.

Terry s'est appuyée sur sa récente publication sur Marilyn Monroe pour illustrer l'évolution de la célébrité au fil du temps. À l'époque de Marilyn Monroe, la célébrité reposait sur la « rareté et l'exclusivité », façonnée par la portée limitée de la radio et de la télévision, qui élevait les stars au statut d'icônes. En revanche, le paysage multimédia actuel définit souvent la célébrité par la visibilité plutôt que par l'accomplissement. Elle a fait remarquer : « Aujourd'hui, à l'ère du multimédia, la visibilité peut faire de n'importe qui une célébrité. C'est un monde complètement différent. » Les célébrités modernes peuvent connaître une ascension fulgurante grâce à des moments viraux, mais s'effacer tout aussi vite, ce qui contraste fortement avec les icônes durables du passé.

En tant qu'experte d'Andy Warhol, l'une des figures artistiques les plus emblématiques du passé, Jess s'appuie sur les analyses de Carrie et Terry, soulignant qu'une célébrité est quelqu'un qui captive l'imagination du public et devient un repère culturel. Elle note un changement essentiel au fil du temps, expliquant que si le statut de célébrité au XXe siècle était beaucoup plus exclusif, les plateformes actuelles comme Instagram et les réseaux sociaux ont élargi la définition, permettant l'essor de personnalités qui assurent leur propre promotion et « redéfinissent ce que signifie être iconique ».

Charlotte a introduit l'idée que les identités de célébrités emblématiques, Marilyn étant un exemple, sont souvent façonnées par des médiums visuels tels que la photographie. Elle a souligné que lorsque les gens pensent à Marilyn, des images spécifiques – souvent liées à des robes ou à la mode iconiques – viennent immédiatement à l'esprit, mettant en lumière le rôle des photographes dans la définition de son héritage. Elle a ensuite invité le panel à explorer comment leurs médiums respectifs ont contribué à la création de moments de célébrité, insistant sur la manière dont les différentes formes d'art façonnent les icônes culturelles au fil du temps.

Carrie a souligné comment la beauté de Marilyn et la documentation photographique abondante l'ont élevée du statut de célébrité à celui d'icône. Des couvertures de magazines de l'époque de la guerre aux portraits hollywoodiens, Marilyn a été immortalisée par de nombreux photographes renommés, créant des images universellement reconnaissables. Carrie a noté que l'héritage durable de Marilyn réside principalement dans son iconographie photographique. Contrairement à ses contemporaines comme Jennifer Jones ou Rosalind Russell, l'image de Marilyn a transcendé son œuvre, comme l'a observé Carrie : « Je ne sais pas si beaucoup de gens connaissent les films de Marilyn autant qu'ils connaissent son image », ce qui souligne le rôle profond joué par la photographie dans la définition de son impact culturel durable.

Développant la manière dont les choix vestimentaires et l'aura glamour de Marilyn ont amplifié sa célébrité à travers la photographie, Terry a souligné son admiration pour Jean Harlow, qui l'a inspirée alors qu'elle était orpheline et grandissait durant l'ère de la Dépression. Marilyn a fini par reproduire l'iconographie de Harlow tout en élaborant simultanément son propre style distinct, malgré les contraintes du système des studios. Ce personnage qu'elle s'est créé conserve une influence aujourd'hui, tout comme celui de Harlow l'a eue sur Marilyn. Terry a insisté sur le rôle poignant des icônes culturelles comme points de repère et a noté la fascination de Warhol pour la célébrité aux multiples facettes de Marilyn, mettant en lumière l'équilibre entre sa personnalité publique et son identité privée.

Charlotte a élargi la discussion en examinant les diverses représentations photographiques de Marilyn, soulignant comment ces images ont gagné en popularité au fil du temps, consolidant ainsi son statut d’icône dans l’histoire. Elle a rattaché les différentes représentations de Marilyn à la photographie intime de Gene Kornman, que Warhol a célèbrement utilisée pour ses sérigraphies de Marilyn. En faisant le pont entre les médiums artistiques — la photographie et le Pop Art — Warhol a redéfini le concept de « célébrité », transformant une seule image répétée dans différentes combinaisons de couleurs en un puissant phénomène culturel.

Jess a souligné comment le Pop Art, dans les années 1960, a marqué un tournant décisif en plaçant la célébrité au cœur de son propos, contrastant l'orientation introspective de l'Expressionnisme abstrait, alors dominant, avec une approche audacieuse et tournée vers l'extérieur. Elle a fait remarquer que des artistes comme Warhol étaient « obsédés » par la réinvention de l'imagerie des célébrités, agrandissant, simplifiant et utilisant des couleurs vives pour transformer des figures en icônes immédiatement reconnaissables. « Vous pouviez reconnaître une photographie d'elle, mais vous auriez aussi immédiatement reconnu l'estampe de Warhol », a-t-elle expliqué. Cette approche novatrice a non seulement redéfini l'art contemporain, mais a également laissé un héritage culturel durable, démontrant le pouvoir de combiner la simplicité avec des visuels saisissants pour immortaliser les figures célèbres.

Charlotte et Jess ont parlé d'autres artistes du mouvement Pop Art qui partageaient l'intérêt de Warhol pour la célébrité et l'iconographie. Jess a établi des parallèles avec Roy Lichtenstein et Keith Haring, soulignant leur insistance sur l'imagerie répétitive et l'influence des médias de masse. À l'instar de Warhol, Lichtenstein transformait les visuels médiatiques quotidiens en les agrandissant et en les simplifiant, créant des œuvres audacieuses et mémorables qui résonnaient profondément avec la culture populaire. Bien que l'œuvre de Haring ait mis l'accent sur un art accessible plutôt que sur la culture des célébrités, il a contribué à l'éthos Pop Art plus large en développant un langage visuel qui parlait à un large public, transformant les espaces et les symboles du quotidien en images vibrantes et universellement parlantes. Ce groupe d'artistes était interconnecté, s'« inspirant les uns les autres, mais explorant des approches légèrement différentes » dans leurs interprétations créatives.

Charlotte et Carrie ont discuté de la manière dont des médiums comme la photographie, les estampes et d'autres formes d'art, aujourd'hui célébrés comme des beaux-arts, ont initialement été critiqués et rejetés. Carrie a cité l'utilisation précoce de la sérigraphie par Andy Warhol comme exemple, notant des parallèles avec la photographie, qui a commencé comme un outil de documentation avant d'évoluer vers une forme d'art reconnue. Cette transformation a été impulsée par des pionniers du XXe siècle comme Man Ray, qui a élevé la photographie dans les années 1920 et 1930. Aujourd'hui, ce changement est manifeste dans les ventes aux enchères de premier plan présentant des œuvres d'artistes tels que Richard Avedon et Diane Arbus, ce qui confirme que la photographie est désormais considérée avec autant de sérieux que les beaux-arts traditionnels.

Charlotte a élargi la conversation pour explorer comment le culte de la célébrité, qui a commencé avec des images maîtrisées de stars comme Marilyn, a évolué à l'ère des réseaux sociaux, où la célébrité et la mode sont intrinsèquement liées au branding. Terry a souligné le contraste économique entre l'époque de Marilyn et aujourd'hui, notant qu'au début de sa carrière, Marilyn, comme les célébrités, disposait d'un budget stylistique limité, se contentant de ce que Terry décrivait comme « une garde-robe très frugale ». À mesure que sa célébrité grandissait, malgré le contrôle et les contraintes du studio, Marilyn jouait son propre rôle de styliste, conservant une influence considérable sur son image. Terry a opposé cela au monde hyper-commercialisé actuel, où les célébrités ne sont pas seulement des outils marketing, mais aussi des visionnaires qui façonnent activement leur marque personnelle – comme on le voit avec des personnalités telles que Rihanna, qui a lancé sa propre maison de couture avec LVMH.

Les intervenants ont poursuivi leur discussion sur l'évolution de l'accessibilité et de l'influence dans la mode, en opposant les années 1950 à aujourd'hui. Carrie a souligné que, à l'époque de Marilyn, les gens imitaient souvent les styles vus à l'écran au lieu de posséder les vraies pièces de créateurs, car ces articles étaient inaccessibles à la personne moyenne. Terry a développé ce point, notant qu'à cette époque, les films et la télévision étaient des lanceurs de tendances majeurs, alors qu'aujourd'hui, les tendances de la mode sont décuplées par les plateformes et les commandites. Le paysage actuel voit des célébrités approuver des marques ou être payées pour porter des créations spécifiques, ce qui contraste fortement avec l'ère de Marilyn, où son style personnel et son authenticité définissaient son image.

Constatant la manière dont les marques et les tendances de la mode prospèrent à l'ère du numérique, Charlotte a orienté la discussion vers le lien entre les réseaux sociaux et les figures emblématiques, notamment Warhol. Jess a suggéré que Warhol aurait adopté les réseaux sociaux, déclarant : « Je pense qu'il aurait adoré ça. Je pense que cela l'aurait fasciné. » Elle a contextualisé cela en expliquant que les réseaux sociaux incarnent ce que Warhol cherchait à représenter, s'alignant sur l'esprit collaboratif de sa Factory. La Factory de Warhol, a-t-elle noté, était un lieu de rencontre pour artistes, chanteurs et mondains, tous réunis dans un seul but : être vus. Jess a établi un parallèle entre la dynamique de la Factory et la plateforme mondiale d'Instagram, soulignant comment les deux servent d'espaces pour la visibilité créative et la connexion.

Charlotte a également souligné la capacité de Warhol à « retourner l’objectif contre lui-même », faisant de l’artiste une célébrité à part entière, ce qui marque une rupture avec les rôles traditionnels où les artistes restaient en coulisses. Jess a utilisé cela pour contextualiser une comparaison entre la création d’icônes par Warhol et les représentations historiques de la royauté ou des figures religieuses, expliquant qu’il avait modernisé cette pratique en élevant les célébrités (et lui-même) à un niveau d’importance culturelle similaire. Ensemble, elles ont insisté sur la pertinence visionnaire de Warhol pour le monde actuel, régi par le numérique et la célébrité.

Charlotte a ensuite abordé le pouvoir persistant de l'imagerie. Elle a lancé la discussion en demandant pourquoi certaines photographies deviennent emblématiques, citant des figures comme Marilyn et Kate Moss en exemple. Elle a suggéré que l'impact durable de certaines images est souvent lié au récit entourant le sujet, surtout après son décès. Elle a souligné comment des clichés spécifiques saisissent la « vérité » d'une célébrité d'une manière qui résonne profondément auprès du public, les rendant ainsi intemporels et culturellement marquants.

Carrie a expliqué qu'une photographie emblématique est une combinaison du sujet, du moment, du lieu et de la capacité du photographe à créer une image déterminante. Elle a cité des œuvres de Terry O’Neill, telles que Fade Down Away by the Pool et Richard Bardell with the Cigar, comme exemples où la photographie ne représente pas seulement le sujet, mais aussi la vision du photographe. Carrie a souligné que le statut d'icône se développe souvent avec le temps, comme c'est le cas pour le portrait en noir et blanc brut de Brigitte Bardot, qui contraste avec son image glamour habituelle. Elle a également évoqué la manière dont des photos comme celles de Kate Moss par Greg Brennan deviennent progressivement reconnues comme emblématiques, illustrant l'évolution de la résonance culturelle.

Cela l'a menée à aborder le rôle de l'authenticité dans la création d'images durables, même si celles-ci s'écartent des clichés habituellement associés à leurs sujets. Charlotte a mis en lumière les séries d'estampes de Warhol, comme Electric Chair, Ladies and Gentlemen, ou Endangered Species, notant à quel point elles semblent aujourd'hui avant-gardistes et suscitent un intérêt croissant sur le marché de l'art. Elle a établi un parallèle avec des figures comme Bardot, dont les images plus naturelles ont également acquis une importance considérable avec le temps.

Charlotte a ensuite posé une question délicate sur les artistes qui ont « donné naissance à une célébrité » grâce à une seule image emblématique, demandant des exemples de personnalités dont la notoriété a été propulsée par l'œuvre de l'artiste, même si elles n'étaient pas très connues auparavant.

Jess a cité Warhol comme un excellent exemple, soulignant une évolution notable dans le choix de ses sujets. S'il s'est d'abord concentré sur des figures très connues comme Mick Jagger et d'autres stars du rock ou d'Hollywood de premier plan, il s'est ensuite tourné vers des sujets plus pointus, comme des icônes sportives telles que Wayne Gretzky. Jess a décrit cette période comme « beaucoup plus pointue, beaucoup plus américaine », mettant en scène des athlètes dont certains avaient peut-être entendu parler, mais qui n'étaient pas des noms familiers à l'échelle mondiale.

Ce qui rend ce changement important, a noté Jess, c'est que peu importait qui était le sujet : le style distinctif de Warhol conférait à ces portraits un statut iconique. Jess et Charlotte étaient d'accord, affirmant : « Il les a mis sur la carte », car l'esthétique reconnaissable de Warhol garantissait que tout le monde identifiait son œuvre. Carrie a également fait une observation intéressante, soulignant que le sport, bien que délicat, manque souvent de la portée culturelle que l'on retrouve dans d'autres images de célébrités, citant des figures comme Michael Jordan comme des exceptions.

Alors que la discussion touchait à sa fin, le panel a exploré comment les styles et la présentation visuelle servent de références culturelles. Terry a fait remarquer que l'examen hyper-vigilant des célébrités aujourd'hui a transformé la manière dont elles se présentent. Elle a souligné l'influence des fandoms, comme ceux entourant Taylor Swift ou Harry Styles, dans le façonnement des personas et des tendances des célébrités, créant un cycle continu de visibilité et d'attentes. Évoquant le contraste avec les époques passées, Terry a regretté la perte de spontanéité dans l'imagerie des célébrités, comparant les images hyper-contrôlées d'aujourd'hui aux moments bruts, capturés en coulisses, de figures comme Marilyn et Bardot, ou aux portraits sérigraphiés de Warhol.

Toutefois, Terry a reconnu des moments de spontanéité vestimentaire, citant Styles comme un exemple marquant pour avoir brisé les codes avec ses choix audacieux : « En fait, il peut porter ce qu'il veut – des boas en plumes, tout ce qui lui plaît. » Cela, a-t-elle observé, souligne l'attrait intemporel de l'authenticité et de l'individualité dans la culture des célébrités.

La discussion a soulevé la question de savoir s'il existe un équivalent moderne de Marilyn en tant qu'« icône de notre époque ». Terry a suggéré que des célébrités contemporaines comme Lana Del Rey, Rihanna et Kim Kardashian ont chacune incarné des aspects de Marilyn à leur manière, mais a conclu : « Peut-être qu'il ne peut pas y en avoir une autre. » Charlotte et Jess ont noté l'accord de Banksy, évoquant son œuvre qui relie Marilyn aux icônes culturelles d'aujourd'hui dans son interprétation de Kate Moss.

La conversation a ensuite porté sur l'idée que les célébrités soient « annulées » ou confrontées à des réactions négatives à la suite de photographies, et si les sujets controversés dans les portraits, comme ceux de Warhol, ont influencé leur image publique. Carrie a rappelé le soutien de Marilyn à Ella Fitzgerlad dans les années 1950, ce qui avait provoqué des lettres de haine en raison des préjugés raciaux, un problème qui reste très pertinent aujourd'hui. Elle a également fait référence à des personnalités telles que Sammy Davis Jr., Frank Sinatra, Dennis Hopper, Marlon Brando et Paul Newman, qui n'ont peut-être pas été nécessairement « annulés », mais qui ont fait face à un certain niveau de réactions négatives en raison de leur soutien et de leur implication dans le mouvement des droits civiques.

Pour mieux contextualiser ce « concept d'annulation », la scène de Sept Ans de réflexion de Marilyn a été évoquée, souvent considérée comme un moment de tension dans son mariage avec Joe DiMaggio. Cette image emblématique, célébrée comme un symbole de sa sexualité et de sa féminité, a été projetée de manière célèbre sur d'immenses bâtiments à Times Square, attirant l'attention sur les doubles standards et les pressions sociétales auxquelles les femmes sont confrontées sous le regard du public. L'autonomie de Marilyn sur son image était souvent éclipsée par les attentes sociétales de son entourage, soulignant à quel point les corps des femmes sont fréquemment politisés et contrôlés, même dans le contexte de leur propre travail et de leur art.

Jess a remis Warhol en perspective avec des images controversées, expliquant que l'approche de Warhol pour dépeindre des personnalités controversées, dont Mao Zedong est un exemple, critiquait tout en rehaussant leur célébrité. Warhol simplifiait ses sujets et utilisait ses couleurs vives caractéristiques sans prendre de position claire, laissant les interprétations ouvertes au public. Cette neutralité permettait à ses œuvres de provoquer des réactions, traitant les figures controversées avec le même traitement artistique que les icônes culturelles telles que Marilyn Monroe ou Mick Jagger, encourageant ainsi l'engagement et la conversation.

Charlotte a conclu le panel en déclarant : « Qu’il s’agisse des sérigraphies de Warhol, d’une photo franche ou d’une publication Instagram virale, l’art et la célébrité sont inextricablement liés. Comprendre ce lien nous permet d’apprécier non seulement les images, mais aussi les histoires qu’elles racontent et les héritages qu’elles créent. »

La discussion dans son ensemble a mis en lumière la fascination persistante pour la célébrité dans l’art, de Marilyn Monroe aux icônes contemporaines, offrant une perspective réfléchie sur la manière dont l’art continue de façonner et de refléter les récits culturels.