Icônes d’influence : le lien entre célébrité, Pop Art et héritage artistique

Charlotte Stewart, directrice générale de MyArtBroker, a modéré et introduit le débat en expliquant la genèse de cette collaboration, née de passions communes et des thèmes récurrents observés chez les artistes ainsi que de leurs intersections avec la mode et la photographie. Elle a souligné que l'événement visait à tisser des liens entre les thèmes contemporains de l'influence et des réseaux sociaux et les fils conducteurs historiques et culturels de l'estampe, de la photographie et de la mode.

Réunissant des experts tels que Jess Bromovsky, responsable du département Pop Art américain chez MyArtBroker, l'auteure et conférencière Terry Newman, et Carrie Kania, directrice de publication chez Iconic Images, la table ronde a abordé les concepts nuancés d'« icône » et de « célébrité ». Charlotte Stewart a noté que ces termes sont souvent galvaudés et mal compris, tout en interrogeant les intervenants sur leur évolution et leur perception culturelle.

Carrie a ouvert la discussion en soulignant les origines du mot « célébrité », en le reliant à l'acte de célébrer. Elle a opéré une distinction entre « célébrité » et « renommée », expliquant que la célébrité découle du fait d'être célébré pour des accomplissements dans des domaines tels que l'art, la musique ou le jeu d'acteur, tandis que la renommée est une notion plus large, pas toujours liée à une réussite concrète. Elle a insisté sur le fait que la célébrité n'est pas un phénomène moderne et que sa définition est nuancée, suggérant même que l'inventeur du feu pourrait être considéré comme une figure célèbre précoce dans ce domaine scientifique. Ce qui a évolué, a-t-elle noté, est notre manière de percevoir et d'interagir avec les célébrités à l'ère numérique actuelle, où l'accès permanent amplifie leur présence et leur attrait.

Terry a fait référence à sa récente publication sur Marilyn Monroe pour illustrer l'évolution de la célébrité au fil du temps. À l'époque de Marilyn, la célébrité reposait sur la « rareté et l'exclusivité », façonnée par la portée limitée de la radio et de la télévision, ce qui hissait les stars au rang d'icônes. À l'inverse, le paysage multimédia actuel définit souvent la célébrité par la visibilité plutôt que par l'accomplissement. Elle a fait remarquer : "Désormais, à notre ère multimédia, la visibilité peut faire de n'importe qui une célébrité. C'est un monde totalement différent." Les célébrités modernes peuvent émerger rapidement grâce à des phénomènes viraux mais disparaissent souvent tout aussi vite, contrastant nettement avec les icônes durables du passé.

En tant qu'experte de Andy Warhol, l'une des figures artistiques les plus emblématiques du siècle dernier, Jess s'appuie sur les analyses de Carrie et Terry pour souligner qu'une célébrité est une personne qui saisit l'imaginaire collectif pour devenir une référence culturelle. Elle note une évolution majeure, expliquant que si le statut de célébrité au XXe siècle était beaucoup plus exclusif, les plateformes actuelles comme Instagram et les réseaux sociaux ont élargi cette définition, favorisant l'émergence de figures s'auto-promouvant et « redéfinissant ainsi ce que signifie être une icône ».

Charlotte a avancé l'idée que les identités iconiques des célébrités, Marilyn en étant l'exemple type, sont souvent façonnées par des médiums visuels tels que la photographie. Elle a souligné que, lorsque l'on évoque Marilyn, certaines images spécifiques — souvent associées à des robes emblématiques ou à la mode — viennent immédiatement à l'esprit, mettant en lumière le rôle des photographes dans la définition de son héritage. Elle a ensuite invité les membres du panel à explorer la manière dont leurs médiums respectifs ont contribué à la création de moments de célébrité, tout en insistant sur la façon dont différentes formes d'art sculptent les icônes culturelles au fil du temps.

Carrie a souligné combien la beauté de Marilyn et l'importante documentation photographique dont elle a fait l'objet l'ont élevée du rang de célébrité à celui d'icône. Des couvertures de magazines de guerre aux portraits hollywoodiens, Marilyn a été capturée par de nombreux photographes de renom, créant ainsi des visuels universellement reconnaissables. Carrie a noté que l'héritage durable de Marilyn réside principalement dans son iconographie photographique. Contrairement à ses contemporaines telles que Jennifer Jones ou Rosalind Russell, l'image de Marilyn a transcendé sa filmographie, comme l'a observé Carrie : « Je ne suis pas certaine que beaucoup de gens connaissent les films de Marilyn aussi bien qu'ils connaissent son image », soulignant ainsi le rôle déterminant qu'a joué la photographie dans la définition de son impact culturel pérenne.

En explorant la manière dont les choix vestimentaires de Marilyn et son aura de glamour ont sublimé sa célébrité par le biais de la photographie, Terry a souligné son admiration pour Jean Harlow, qui l'a inspirée alors qu'elle était une orpheline grandissant durant la Grande Dépression. Marilyn a fini par refléter l'iconographie de Harlow tout en façonnant simultanément sa propre image, et ce malgré les contraintes du système des studios. Cette figure autodéterminée demeure influente aujourd'hui, tout comme celle de Harlow l'était pour Marilyn elle-même. Terry a insisté sur le rôle poignant des icônes culturelles en tant que points de repère et a relevé la fascination de Warhol pour la célébrité aux multiples facettes de Marilyn, mettant en exergue l'équilibre entre sa personnalité publique et son identité privée.

Charlotte a élargi la discussion en examinant les divers portraits photographiques de Marilyn, soulignant comment ces images ont gagné en popularité au fil du temps, consolidant ainsi son statut d’icône historique. Elle a établi un lien entre les différentes représentations de Marilyn et la photographie intimiste de Gene Kornman, célèbrement utilisée par Warhol pour ses sérigraphies de Marilyn. En faisant le pont entre deux médiums artistiques — la photographie et le Pop Art — Warhol a redéfini le concept de « célébrité », transformant une image unique, répétée dans diverses variations chromatiques, en un puissant phénomène culturel.

Jess a souligné à quel point le Pop Art des années 1960 a marqué un tournant décisif en plaçant la célébrité au cœur de sa démarche, contrastant ainsi avec l'introspection propre à l'expressionnisme abstrait, alors prédominant, par une approche audacieuse et tournée vers l'extérieur. Elle a fait remarquer que des artistes tels que Warhol étaient « obsédés » par la réinvention de l'imagerie des célébrités, utilisant l'agrandissement, la simplification et des couleurs vives pour transformer ces figures en icônes immédiatement reconnaissables. « Vous pouvez reconnaître une photographie d'elle, mais vous reconnaîtriez tout aussi instantanément l'estampe de Warhol », a-t-elle expliqué. Cette approche novatrice a non seulement redéfini l'art contemporain, mais a également laissé un héritage culturel durable, démontrant la puissance de l'alliance entre simplicité et force visuelle pour immortaliser les figures célèbres.

Charlotte et Jess ont évoqué d'autres artistes du mouvement Pop Art qui, à l'instar de Warhol, se sont concentrés sur la célébrité et l'iconographie. Jess a établi des parallèles avec Roy Lichtenstein et Keith Haring, soulignant l'importance qu'ils accordaient aux images répétitives et à l'influence des médias de masse. Comme Warhol, Lichtenstein a transformé des visuels médiatiques du quotidien en les agrandissant et en les simplifiant, créant ainsi des œuvres audacieuses et mémorables qui ont profondément résonné avec la culture populaire. Si le travail de Haring privilégiait une approche artistique accessible plutôt que la culture de la célébrité, il a néanmoins contribué à l'éthique plus large du Pop Art en développant un langage visuel à large portée, transformant les espaces et les symboles du quotidien en une imagerie vibrante et universellement signifiante. Ce groupe d'artistes était interconnecté, « s'influençant mutuellement tout en empruntant des voies légèrement différentes » dans leurs interprétations créatives.

Charlotte et Carrie ont débattu de la manière dont certains médiums tels que la photographie, les estampes et d'autres formes d'expression, aujourd'hui célébrés comme faisant partie des beaux-arts, furent initialement critiqués et délaissés. Carrie a souligné l'utilisation précoce de la sérigraphie par Warhol comme exemple, notant des parallèles avec la photographie, qui débuta comme un simple outil de documentation avant d'évoluer vers une forme d'art reconnue. Cette transformation fut impulsée par des pionniers du XXe siècle comme Man Ray, qui a su élever la photographie au rang d'art dans les années 1920 et 1930. Aujourd'hui, cette évolution est manifeste lors de ventes aux enchères prestigieuses présentant des œuvres d'artistes tels que Richard Avedon et Diane Arbus, confirmant que la photographie est désormais traitée avec autant de sérieux que les beaux-arts traditionnels.

Charlotte a élargi la discussion pour explorer comment le culte de la célébrité, né avec les images contrôlées de stars comme Marilyn, a évolué à l’ère des réseaux sociaux, où la célébrité et la mode sont intrinsèquement liées au branding. Terry a souligné le contraste économique entre l’époque de Marilyn et celle d’aujourd’hui, notant qu’au début de sa carrière, Marilyn et les autres célébrités disposaient de budgets stylistiques limités, se contentant de ce que Terry décrit comme « une garde-robe très frugale ». À mesure que sa notoriété grandissait, et malgré le contrôle et les contraintes imposés par les studios, Marilyn a agi comme sa propre styliste, conservant une influence majeure sur son image. Terry a mis cette situation en opposition avec le monde hyper-commercialisé actuel, où les célébrités ne sont pas seulement des outils marketing mais aussi des visionnaires façonnant activement leur image de marque, comme en témoigne le cas de Rihanna lançant sa propre maison de mode avec LVMH.

Les intervenants ont ensuite abordé l'évolution de l'accessibilité et de l'influence dans la mode, en opposant les années 1950 à notre époque. Carrie a souligné qu'à l'époque de Marilyn, le public imitait souvent les styles aperçus à l'écran plutôt que de posséder les pièces de créateurs, celles-ci étant inaccessibles au commun des mortels. Terry a approfondi cette analyse en observant que, si le cinéma et la télévision faisaient alors office de prescripteurs de tendances majeurs, ces dernières sont aujourd'hui propulsées par les plateformes numériques et les partenariats. Le paysage actuel voit les célébrités promouvoir des marques ou être rémunérées pour porter des créations spécifiques, ce qui contraste vivement avec l'ère de Marilyn, où l'image était définie par le style personnel et l'authenticité.

Soulignant la manière dont les marques et les tendances de la mode prospèrent à l'ère du numérique, Charlotte a orienté la discussion sur le lien entre les réseaux sociaux et les figures emblématiques, en particulier Warhol. Jess a suggéré que Warhol aurait embrassé les réseaux sociaux, déclarant : « Je pense qu'il aurait adoré cela. Je pense qu'il en aurait été fasciné. » Elle a mis cette idée en perspective en expliquant que les réseaux sociaux incarnent ce que Warhol cherchait à représenter, en harmonie avec l'esprit collaboratif de sa Factory. La Factory de Warhol, a-t-elle noté, était un carrefour pour les artistes, les chanteurs et les personnalités mondaines, tous réunis dans un seul but : être vus. Jess a établi un parallèle entre la dynamique de la Factory et la plateforme mondiale Instagram, soulignant comment toutes deux servent d'espaces de visibilité créative et de connexion.

Charlotte a souligné la capacité de Warhol à « retourner l'appareil contre lui-même », faisant de l'artiste une célébrité à part entière, rompant ainsi avec les rôles traditionnels où l'artiste demeurait derrière la toile. Jess s'est appuyée sur ce point pour contextualiser une comparaison entre la création d'icônes par Warhol et les représentations historiques de la royauté ou de figures religieuses, expliquant qu'il a modernisé cette pratique en élevant les célébrités (et lui-même) à un niveau d'importance culturelle similaire. Ensemble, ils ont mis en exergue la pertinence visionnaire de Warhol face au monde numérique et au culte de la célébrité d'aujourd'hui.

Charlotte a orienté la conversation sur le pouvoir durable de l'imagerie, ouvrant le débat en s'interrogeant sur les raisons pour lesquelles certaines photographies deviennent iconiques, prenant pour exemples des figures telles que Marilyn et Kate Moss. Elle a suggéré que l'impact pérenne de certaines images est souvent lié à la narration entourant le sujet, particulièrement à titre posthume. Elle a souligné la manière dont certaines images saisissent la « vérité » d'une célébrité, trouvant un écho profond auprès du public et leur conférant un caractère intemporel et une importance culturelle majeure.

Carrie a expliqué qu'une photographie iconique résulte d'une combinaison entre un sujet, un moment, un lieu et la capacité du photographe à créer une image marquante. Elle a cité les œuvres de Terry O'Neill, telles que Fade Down Away by the Pool et Richard Bardell with the Cigar, comme exemples où la photographie ne représente pas seulement le sujet, mais aussi la vision de l'artiste. Carrie a noté que le statut d'icône se forge souvent avec le temps, à l'instar du portrait brut en noir et blanc de Brigitte Bardot, qui contraste avec son image habituelle plus glamour. Elle a également souligné la manière dont des photos telles que celles de Kate Moss par Greg Brennan sont de plus en plus reconnues comme iconiques, illustrant ainsi l'évolution de la résonance culturelle.

Cette réflexion a mené à la question du rôle de l'authenticité dans la création d'images durables, même lorsqu'elles s'écartent des représentations lissées généralement associées à leurs sujets. Charlotte a mis en lumière les collections d'estampes de Warhol, telles que « Electric Chair », « Ladies and Gentlemen » ou « Endangered Species », notant à quel point elles apparaissent aujourd'hui avant-gardistes et suscitent un intérêt croissant sur le marché de l'art. Elle a établi un parallèle avec des figures comme Brigitte Bardot, dont les images les plus naturelles ont, de la même manière, gagné en importance au fil du temps.

Charlotte a ensuite soulevé une question stimulante concernant les artistes ayant « donné naissance à une célébrité » à travers une image iconique unique, en demandant des exemples de figures dont la notoriété a été propulsée par le travail de l'artiste, même si elles n'étaient pas largement connues auparavant.

Jess a souligné que Warhol en était l'exemple par excellence, notant une évolution notable dans son choix de sujets. Alors qu'il s'intéressait initialement à des figures célèbres comme Mick Jagger et d'autres stars majeures du rock ou d'Hollywood, il s'est tourné par la suite vers des sujets plus confidentiels, tels que des icônes du sport comme Wayne Gretzky. Jess a décrit cette phase comme étant « beaucoup plus pointue, beaucoup plus américaine », mettant en scène des athlètes dont certains avaient pu entendre parler, sans pour autant qu'ils soient des noms mondialement connus.

Ce qui rend ce changement significatif, a souligné Jess, c’est que l’identité du sujet importait peu : le style distinctif de Warhol rendait les portraits iconiques. Jess et Charlotte étaient toutes deux d’accord, affirmant : « Il les a révélés au grand public », l’esthétique reconnaissable de Warhol garantissant que chacun identifie immédiatement son œuvre. Carrie a également fait une observation pertinente, notant que le sport, bien que complexe, manque souvent de la gravité culturelle propre aux autres types d’imagerie de célébrités, tout en soulignant que des personnalités comme Michael Jordan font figure d’exception.

Au terme de cette discussion, les intervenants ont examiné la manière dont les styles et la présentation visuelle font office de marqueurs culturels. Terry a souligné que l'examen hyper-vigilant dont font l'objet les célébrités aujourd'hui a transformé leur manière de se mettre en scène. Elle a insisté sur l'influence des communautés de fans, comme celles entourant Taylor Swift ou Harry Styles, dans la construction des personnalités publiques et des tendances, créant un cycle continu de visibilité et d'attentes. Évoquant le contraste avec les époques passées, Terry a déploré la perte de spontanéité dans l'imagerie des célébrités, comparant les images rigoureusement contrôlées d'aujourd'hui aux moments bruts et spontanés saisis chez des figures telles que Marilyn et Bardot, ou encore dans les sérigraphies d'Andy Warhol.

Terry a toutefois reconnu certains moments de spontanéité vestimentaire, citant Styles comme un exemple marquant de transgression des normes par ses choix audacieux : « En réalité, il peut porter ce qu'il veut, des boas en plumes, tout ce qu'il souhaite. » Selon elle, cela souligne l'attrait intemporel de l'authenticité et de l'individualité dans la culture des célébrités.

La discussion a soulevé la question de l'existence d'un équivalent moderne à Marilyn en tant qu'« icône de notre époque ». Terry a suggéré que des célébrités contemporaines comme Lana Del Rey, Rihanna et Kim Kardashian ont chacune incarné des facettes de Marilyn à leur manière, mais a conclu : « Il est peut-être impossible d'en avoir une autre. » Charlotte et Jess ont noté l'accord de Banksy, en faisant référence à son œuvre qui relie Marilyn aux icônes culturelles actuelles dans sa réinterprétation de « Kate Moss ».

Le débat s'est ensuite orienté sur la notion de « cancel culture » ou sur les réactions négatives suscitées par certaines photographies, et sur la question de savoir si des sujets controversés dans les portraits, comme ceux réalisés par Warhol, ont influencé l'image publique des célébrités. Carrie a mis en lumière le soutien de Marilyn envers Ella Fitzgerald dans les années 1950, qui lui a valu des courriers haineux en raison des préjugés raciaux de l'époque, une problématique qui reste largement d'actualité aujourd'hui. Elle a également mentionné des personnalités comme Sammy Davis Jr., Frank Sinatra, Dennis Hopper, Marlon Brando et Paul Newman, qui, sans avoir été nécessairement « annulés », ont essuyé un certain retour de bâton pour leur soutien et leur implication dans le mouvement des droits civiques.

Pour approfondir ce concept de « cancel culture », la scène du film « Sept ans de réflexion » de Marilyn a été évoquée, souvent perçue comme un moment de tension dans son mariage avec Joe DiMaggio. Cette image iconique, célébrée comme un symbole de sa sexualité et de sa féminité, a été projetée sur des bâtiments imposants de Times Square, mettant en évidence les doubles standards et les pressions sociétales auxquels les femmes sont confrontées sous le regard du public. L'autonomie de Marilyn sur sa propre image était souvent éclipsée par les attentes sociales de son entourage, soulignant ainsi à quel point le corps des femmes est fréquemment politisé et contrôlé, même dans le contexte de leur propre travail et de leur pratique artistique.

Jess a su replacer le travail de Warhol dans son contexte par le biais d'images controversées, expliquant que l'approche de l'artiste consistant à dépeindre des figures polémiques, dont Mao Zedong est un exemple, permettait à la fois de critiquer et d'exalter leur célébrité. Warhol simplifiait ses sujets et utilisait ses couleurs vives caractéristiques sans jamais prendre de position tranchée, laissant ainsi toute liberté d'interprétation au public. Cette neutralité a permis à son œuvre de susciter des réactions, en traitant des personnages controversés avec la même approche artistique que des icônes culturelles telles que Marilyn Monroe ou Mick Jagger, favorisant ainsi l'engagement et le dialogue.

Charlotte a conclu la table ronde en déclarant : « Qu'il s'agisse des sérigraphies de Warhol, d'une photographie spontanée ou d'une publication virale sur Instagram, l'art et la célébrité sont indissociables. Comprendre ce lien nous permet d'apprécier non seulement les images, mais aussi les histoires qu'elles racontent et les héritages qu'elles engendrent. »

Dans son ensemble, la discussion a mis en lumière la fascination durable pour la célébrité dans l'art, de Marilyn Monroe aux icônes contemporaines, offrant une perspective réfléchie sur la manière dont l'art continue de façonner et de refléter les récits culturels.