Compte rendu de l'exposition Basquiat x Warhol

Le galeriste Bruno Bischofberger a présenté Basquiat à Andy Warhol en 1982 lors d'une visite à la Factory. Un an après leur rencontre, Bischofberger a proposé un projet de collaboration entre Basquiat, Warhol et l'artiste italien Francesco Clemente, dont les œuvres furent finalement exposées dans le cadre de « Collaborations: Basquiat, Clemente, Warhol » à la galerie de Bischofberger à Zurich. En l'espace d'une année, ce duo improbable a réalisé plus de 160 œuvres. À la demande d'Andy Warhol en 1985, Bischofberger s'est tourné vers Tony Shafrazi pour organiser une exposition consacrée au duo créatif, une collaboration qui a abouti au lancement de « Warhol / Basquiat: Paintings » à la Tony Shafrazi Gallery. L'exposition fut mal accueillie par le public, perçue en grande partie comme une entreprise purement transactionnelle, dénuée de tout mérite artistique. L'implication de Basquiat découlait de son désir de célébrité et de son goût pour la lumière, tandis que les critiques qualifiaient Warhol de « has-been » cherchant à retrouver ses heures de gloire en s'appuyant sur un talent nouveau et prometteur.

Après un accueil initial mitigé, l'exposition a été revisitée des décennies plus tard à la Fondation Louis Vuitton, dans la lignée de la rétrospective de 2018, « Jean-Michel Basquiat ». Une équipe de commissaires d'exception, composée de Paige Powell, Olivier Michelon et Dieter Buchhart, a su orchestrer une troisième voie artistique : une œuvre qui n'est ni tout à fait du Warhol, ni tout à fait du Basquiat, et qui ne relève pas totalement du Pop Art ou du street art. Pour la Fondation, porter ce projet semblait être une progression organique et le prolongement logique de son engagement auprès de chacun des deux artistes. Déjà détentrice d'œuvres de Warhol présentes dans ses collections, visibles lors des expositions « Pop & Music », « Crossing Views » et « Andy Warhol-Looking For Andy », auxquelles s'ajoute l'exposition consacrée à Basquiat, cette rétrospective de 2023 se présente comme le journal visuel d'une collaboration entre deux maîtres de leur médium et le témoignage de la relation attachante unissant deux amis.

J’ai commis l’erreur de supposer qu’en visitant l’exposition en semaine, la foule serait nettement moins dense, m’offrant ainsi plus de temps et d’espace pour contempler les œuvres. Après avoir franchi les portes tambour, je me suis retrouvé face à un espace décloisonné investi par des photographes, des petits groupes, des familles et une quantité étonnamment élevée de membres de la génération Z. J’y ai vu plus de personnes réaliser des contenus vidéo et prendre des photos qu’à la tour Eiffel – et pour cause.

Plusieurs étages comprenaient un certain nombre de galeries, chacune conservant sa propre narration tout en mettant en lumière les motifs récurrents des compositions de Basquiat et de Warhol. Anatomie, logos, culture de consommation, politique identitaire, boxe, répétition – la liste est longue. J’ai été agréablement surpris de constater l’intégration d’œuvres collaboratives réalisées par leurs contemporains, tels que Keith Haring, Futura 2000, Tseng Kwong Chi, Kenny Scharf et Fab Five Freddie, au sein de l’exposition.

Sur les 160 œuvres réalisées par Warhol et Basquiat, seule la moitié était présentée à la Fondation. La seule chose plus impressionnante que cette collection était la dimension des galeries et leur capacité à accueillir chaque pièce exposée avec une parfaite maîtrise. Certaines œuvres mesuraient près de 8 mètres de long, côtoyant des toiles aux dimensions similaires. Visuellement, toutefois, l’accrochage était impeccable ; aucune œuvre ne faisait concurrence aux autres, et chaque pièce bénéficiait d’un espace de respiration largement suffisant.

Dans la Galerie 1, j'ai été accueilli par le chef-d'œuvre de 1984, « African Masks ». J'avais déjà vu les œuvres de Basquiat et de Warhol dans des publications, des catalogues et les médias généralistes, mais jamais en personne. Je savais quel type de coup de pinceau j'allais observer et quelles références au consumérisme je trouverais, mais je ne m'attendais pas tout à fait à ce que j'allais ressentir en me tenant devant cette œuvre.

Il s'en dégageait une familiarité que j'avais déjà perçue dans d'autres itérations de la série « African Masks » de Basquiat. Mais la découvrir à une telle échelle, réalisée par un artiste porteur de cette mémoire culturelle et libéré du regard colonialiste du canon artistique, m'a profondément ému.

Encore une fois, lorsque je voyais ces figures imprimées ou en ligne, leur caractère animé me semblait presque trop commercial pour que je puisse les apprécier. Mais en les observant de visu, je découvre un rendu totalement différent et inédit, qui traduit avec justesse l'essence même de ces masques et leur importance dans l'histoire de l'art.

En me retournant, face à l'œuvre Chair, j'ai immédiatement songé aux influences jazz de Basquiat. Pour moi, cette pièce s'apparentait à une partition visuelle, une composition faite d'appels et de réponses. Avant d'examiner la peinture plus en détail, j'ai jugé préférable de poursuivre la visite de cette exposition en musique. J'ai donc sorti mon téléphone, sélectionné ma liste de lecture « Jazz favori » et activé le mode aléatoire. Le morceau Haitian Fight Song de Charles Mingus fut le premier à retentir.

Sur un fond vert, à la fois sourd et vibrant, se détache la série initiale de six chaises produite par Warhol. À force d'observation, il devient évident qu'il s'agit là de la première strate de l'œuvre, sur laquelle Basquiat est intervenu pour combler les vides. Le contraste visuel est saisissant, tant la disposition rigoureuse des six chaises s'oppose aux symboles improvisés et aux représentations anatomiques de Basquiat. Comme beaucoup d'œuvres exposées, cette pièce particulière se prête difficilement à une interprétation unique, offrant toutefois aux spectateurs la liberté de tirer leurs propres conclusions. Pour ma part, elle a répondu à ma question initiale sur l'aspect qu'une collaboration entre Basquiat et Warhol pouvait revêtir, et a servi de prélude aux compositions qui allaient suivre.

Même dans la photographie des œuvres d’un autre artiste, nous percevons les motifs récurrents de Warhol et de Basquiat. À ce stade, Giant Steps de Coltrane m’accompagnait dans mon examen du travail de Michael Hasbland, le photographe même à l’origine de l’image de l’affiche de l’exposition originale de 1985. Il a réalisé des portraits en noir et blanc de Basquiat et Warhol en tenue de boxe Everlast, clin d’œil à l’obsession de Warhol pour la publicité, omniprésente dans pratiquement toutes les photographies exposées sur les murs. Cela souligne également la révérence de Basquiat pour les boxeurs et la haute estime qu’il leur portait. À l’instar de ses musiciens de jazz favoris, « Bird » et Gillespie, des combattants émérites tels que Jack Johnson, Jersey Joe Walcott, Muhammad Ali et Sugar Ray Robinson étaient des héros de la libération des populations noires.

Après avoir franchi les murs abritant les images les plus emblématiques des deux que vous puissiez voir, vous voilà immédiatement plongé dans la scène artistique du Downtown new-yorkais. Cette salle paraît instantanément bien plus sombre que les autres espaces de l'exposition, non seulement en raison d'une teinte de peinture plus foncée, mais aussi de l'intensité et du nombre de points lumineux. Un mur gris foncé est orné des « 45 Plates » disposées derrière « Untitled (Blue Vase) ». Ces assiettes, créées par divers artistes, présentent des interprétations de ces derniers ou des maîtres qui les ont influencés. Les visiteurs pourront y découvrir des assiettes blanches encadrées, rehaussées d'interprétations minimalistes d'Alfred Hitchcock, de Picasso, de Cy Twombly, de LA II et de Cézanne.

Non loin de ce mur, l'influence de Robert Rauschenberg, précurseur du Pop Art, se manifeste dans des œuvres telles que Untitled (Fun Gallery Fridge). Cette toile unique, recouverte de graffiti par Basquiat, Keith Haring et d'autres artistes, s'inscrit dans cette même lignée visant à métamorphoser des objets du quotidien en créations inédites.

La salle est imprégnée de cette camaraderie propre aux artistes émergents de la ville. Il se dégage de cette pièce une expérience et une énergie partagées que l'on ne retrouve nulle part ailleurs dans l'exposition. C’est la première fois qu'une référence à une communauté plus large est faite, à travers les œuvres de Futura 2000, d'Eric Haze et de Lady Pink. Le scooter, les blousons en cuir et les œuvres ont tous contribué à révéler la culture qui a transformé l'art à cette époque.

La foi catholique fervente d'Andy Warhol peut surprendre la plupart des visiteurs. Pourtant, dans cette exposition, les références religieuses se multiplient. Une nouvelle toile représentant Jésus-Christ, inspirée de « La Cène » de Léonard de Vinci et déclinée sur dix sacs de frappe d'un blanc immaculé, en est sans doute l'exemple le plus frappant. Toutefois, en observant attentivement « Dogs » dans la première salle, on remarque le détail du mot « scapula » inscrit en bas à droite de l'œuvre, à proximité de ce qui semble être un vitrail.

Réalisant cela, j'ai interrompu ma musique un instant. Il se passait beaucoup de choses dans cet espace. Dans leur interprétation, le Christ est représenté seul, sans ses disciples, et au lieu de sa couronne d'épines, il arbore la couronne emblématique de Basquiat. Une répétition singulière du mot « judge » apposé sur chaque sac soulève une question intrigante : qui assume ici le rôle de juge ? L'observateur qui contemple le sac ou la figure qui y est représentée ? Cela fait-il allusion au jugement du Christ, de Warhol ou de Basquiat ?

Depuis 1974, Warhol a constitué une collection de souvenirs qui finira par atteindre 600 unités de ce qu’il nommait ses « capsules temporelles ». Ces archives personnelles renfermaient tout, des photographies privées aux invitations personnelles de Basquiat avant son accession à la célébrité. Cette ménagerie de souvenirs de Warhol est actuellement exposée dans la Galerie 7.

De toutes les salles de la galerie qui composaient cette exposition, celle-ci était la plus intime et la plus soignée. En toute honnêteté, il est possible que la note nostalgique de l'endroit ait été grandement influencée par l'écoute de l'interprétation de It Never Entered My Mind par Miles Davis. Toutefois, j'attribue en grande partie cette atmosphère intimiste aux dimensions et à l'agencement de la pièce, comparés à ceux des galeries plus vastes. Cet espace était nettement plus restreint, avec une configuration qui semblait se courber le long de son périmètre. Les autres éléments déterminants étaient la nature des œuvres présentées.

Cette salle transportait les visiteurs d'une galerie aux images grandioses vers une atmosphère plus intimiste, rappelant celle d'un musée, où des artefacts étaient présentés sous vitrines. Celles-ci renfermaient des parchemins, du matériel de beaux-arts, ainsi que des photographies en noir et blanc représentant Warhol, Basquiat et leur cercle artistique des années 1980. J'ai tout particulièrement apprécié de découvrir un exemplaire original du magazine « Interview » de Warhol, arborant Nick Rhodes en couverture.

Nul besoin d'être un expert en art ou en courants artistiques pour apprécier cette exposition. Cette rétrospective, pensée avec finesse, se déploie à un rythme qui permet aux visiteurs de s'imprégner des œuvres et de méditer sur le dialogue visuel établi entre deux des plus grandes icônes du monde de l'art. Elle a balayé toutes mes certitudes sur le travail de Warhol et de Basquiat, m'offrant une perspective inédite. Cette expérience constitue une invitation ouverte à explorer la relation dynamique qui unissait les deux artistes. L'exposition ne se contente pas de célébrer la singularité de chacun, elle souligne également l'impact profond qu'ils ont exercé sur l'œuvre de l'autre.

« Basquiat × Warhol. Painting Four Hands » est présentée à la Fondation Louis Vuitton jusqu'au 28 août 2023.