Critique de l'exposition Basquiat x Warhol

Le galeriste Bruno Bischofberger a présenté Andy Warhol à Jean-Michel Basquiat en 1982 lors d'une visite à la Factory. Un an après leur rencontre, Bischofberger a proposé un projet de collaboration entre Basquiat, Warhol et l'artiste italien Francesco Clemente, dont les œuvres ont finalement été présentées lors de l'exposition Collaborations: Basquiat, Clemente, Warhol à la galerie de Bischofberger à Zurich. En l'espace d'un an, le duo improbable a créé plus de 160 œuvres. À la demande d'Andy Warhol en 1985, Bischofberger est allé voir Tony Shafrazi pour organiser une exposition pour ce duo créatif. Cette collaboration a abouti à la première de Warhol / Basquiat: Paintings à la Tony Shafrazi Gallery. L'exposition a été mal accueillie par le public, car elle était largement perçue comme purement transactionnelle, dénuée de tout mérite intrinsèque. La participation de Basquiat découlait de son appétit pour la célébrité et son goût pour les feux de la rampe, tandis que les critiques positionnaient Warhol comme un « has-been » tentant de revivre ses heures de gloire sur le dos d'un nouveau talent prometteur.

Après un accueil initial mitigé, l'exposition a été revisitée des décennies plus tard au sein de la Fondation Louis Vuitton, suite à la rétrospective de 2018, Jean-Michel Basquiat. Une équipe de rêve composée des conservateurs Paige Powell, Olivier Michelon et Dieter Buchhart a réussi à orchestrer un troisième genre artistique. Un genre qui n'est ni entièrement Warhol, ni entièrement Basquiat, ni totalement Pop ou art urbain. Pour la Fondation, monter ce projet semblait être une évolution naturelle et un prolongement de son implication avec chaque artiste. Possédant déjà des œuvres de Warhol dans sa collection, vues dans Pop & Music, Crossing Views et Andy Wahol-Looking For Andy, cela s'est combiné avec l'exposition dédiée à Basquiat. Cette exposition de 2023 est le journal visuel d'une collaboration entre deux maîtres d'un médium et de la relation touchante qui unissait deux amis.

J'ai fait l'erreur de penser qu'en visitant l'exposition un jour de semaine, il y aurait beaucoup moins de monde, ce qui me laisserait plus de temps et d'espace pour apprécier les œuvres. Après avoir franchi les portes tournantes en verre, je me suis retrouvé face à un espace ouvert rempli de photographes, de petits groupes, de familles et d'une quantité étonnamment élevée de membres de la Gen Z. J'ai vu plus de gens filmer et prendre des photos ici qu'à la Tour Eiffel – et ce n'est pas sans raison.

Plusieurs étages présentaient une série de galeries qui développaient chacune leurs propres récits tout en affichant les motifs communs que l'on retrouve dans les compositions de Basquiat et de Warhol : anatomie brute, logos, culture de consommation, politique identitaire, boxe, répétition – la liste est longue. J'ai été agréablement surpris de découvrir l'intégration d'œuvres collaboratives réalisées avec des contemporains comme Keith Haring, Futura 2000, Tseng Kwong Chi, Kenny Sharf et Fab Five Freddie dans l'exposition.

Sur les 160 œuvres réalisées par Warhol et Basquiat, seule la moitié était présentée à la Fondation. La seule chose plus impressionnante que cette collection était la taille des galeries et leur capacité à accueillir parfaitement chaque pièce exposée. Certaines œuvres mesuraient environ 8 mètres de long, tout comme des toiles de dimensions similaires. Visuellement, cependant, le placement était impeccable, et aucune œuvre ne faisait concurrence à une autre ; il y avait plus qu'assez de Breathing Room entre chaque pièce.

Dans la Galerie 1, j'ai été accueilli par le chef-d'œuvre de 1984, African Masks, de Jean-Michel Basquiat. J'avais déjà vu des œuvres de Basquiat et d'Andy Warhol dans des publications, des catalogues et les médias en général, mais jamais en personne. Je connaissais le type de coups de pinceau que j'allais voir et les références au consumérisme, mais je n'avais pas vraiment anticipé ce que je ressentirais en me tenant devant cette œuvre.

Il y avait une familiarité dans cette pièce que j'avais déjà observée dans d'autres versions de la série African Masks de Basquiat. Mais la voir à une telle échelle, produite par quelqu'un qui possède cette mémoire culturelle, et détachée du regard colonial du canon, m'a profondément ému.

Encore une fois, lorsque je voyais ces figures sous forme d'estampes ou en ligne, elles possédaient une qualité si animée qu'elles en devenaient presque trop commerciales à mon goût. Mais en étant ici en personne, je découvre un rendu entièrement différent et nouveau qui exprime fidèlement l'essence de ces masques et leur importance dans l'histoire de l'art.

Quand je me suis retourné, j'ai immédiatement pensé aux influences Jazz de Jean-Michel Basquiat en voyant The Chairs. Pour moi, c'était une partition visuelle d'une composition faite d'appels et de réponses. Avant d'examiner l'œuvre plus en détail, j'ai pensé qu'il serait préférable de continuer à visiter le reste de cette exposition avec une playlist appropriée. J'ai sorti mon téléphone, trouvé mon mix « Jazz préféré » et j'ai appuyé sur lecture aléatoire. C'est Haitian Fight Song de Charles Mingus qui a commencé à jouer.

Sur un fond vert discret mais vif, se trouvent les six chaises produites initialement par Warhol. Si vous les fixez assez longtemps, il devient clair qu'il s'agissait de la première couche de la peinture, et que Basquiat est intervenu ensuite pour combler les vides. Il y avait un contraste visuel évident dans l'œuvre, compte tenu de la conception et du placement cohérents des six chaises en tandem avec les symboles improvisés et les représentations anatomiques de Basquiat. Cette œuvre en particulier, comme beaucoup d'autres exposées, rend difficile l'extraction d'une signification unique ; cependant, elle offre aux spectateurs l'occasion de tirer leurs propres conclusions. Pour moi, elle a répondu à ma question initiale sur l'apparence exacte d'une œuvre de Basquiat et Warhol, et a servi de prérequis aux compositions qui ont suivi.

Même dans la photographie des œuvres d'un autre artiste, on retrouve des traces des motifs de Warhol et de Basquiat. À ce stade, Giant Steps de Coltrane me guidait à travers le travail de Michael Hasbland, le photographe qui avait créé l'image pour l'affiche originale de l'exposition en 1985. Il a réalisé des portraits en noir et blanc mettant en scène Basquiat et Warhol équipés de tenues de boxe Everlast — un clin d'œil à l'obsession de Warhol pour la publicité, visible dans pratiquement toutes les photographies accrochées aux murs. Cela souligne également le respect de Basquiat pour les boxeurs et l'estime qu'il leur portait. Tout comme ses musiciens de Jazz préférés, « Bird » et Gillespie, des combattants très estimés comme Jack Johnson, Jersey Joe Walcott, Muhammad Ali et Sugar Ray Robinson étaient des héros de la libération des Noirs.

Après avoir franchi les murs qui renferment les images les plus emblématiques que vous verrez jamais de ces deux artistes, vous êtes immédiatement plongé dans la scène artistique du Downtown new-yorkais. Immédiatement, cette pièce semble beaucoup plus sombre que les autres espaces de l'exposition, non seulement à cause de la couleur de peinture plus foncée, mais aussi en raison du niveau et de la quantité d'éclairage. Un mur gris foncé est orné de 45 Plates placé derrière Untitled (Blue Vase). Ces assiettes ont été créées par différents artistes et présentaient des représentations soit des artistes eux-mêmes, soit des maîtres qui les ont influencés. Les visiteurs peuvent s'attendre à voir des assiettes blanches encadrées, représentant des interprétations au style minimaliste d'Alfred Hitchcock, Picasso, Cy Twombly, LA II et Cézanne.

Non loin de ce mur se trouve la preuve de l'influence du précurseur du Pop Art, Robert Rauschenberg, dans des œuvres telles que Untitled (Fun Gallery Fridge). Cette toile unique, recouverte de graffiti réalisés par Basquiat, Keith Haring et d'autres artistes, a suivi cette voie en transformant des Found Objects en quelque chose de nouveau.

La salle est imprégnée de la camaraderie que l'on observe chez les artistes émergents de la ville. Il se dégage une expérience et une énergie communes dans cet espace, absentes du reste de l'exposition. C'est la première fois que nous voyons une référence à une communauté plus large avec des œuvres de Futura 2000, Eric Haze et Lady Pink. Le scooter, les blousons en cuir et les œuvres d'art ont tous contribué à révéler la culture qui a remodelé l'art durant cette période.

Le catholicisme fervent de Warhol pourrait surprendre la plupart des spectateurs. Pourtant, cette exposition contient plus d'une référence religieuse. Une nouvelle toile représentant des images du Christ, inspirées de La Cène de Léonard de Vinci, et apposées sur dix sacs de boxe immaculés et blancs, est peut-être la plus évidente. Cependant, si vous regardez attentivement l'œuvre Dogs dans la première galerie, vous remarquerez le détail du texte « scapula » dans la partie inférieure droite du tableau, à côté de ce qui ressemble à un vitrail.

Réalisant cela, j'ai mis ma musique en pause un instant. Il se passait beaucoup de choses dans cet espace. Dans leur interprétation, le Christ est représenté seul, sans ses disciples, et au lieu de sa couronne d'épines, il porte la couronne signature de Basquiat. Une répétition singulière du mot « judge » (juge) imprimé sur chaque sac soulève une question intrigante : qui endosse le rôle de juge ici — l'observateur qui regarde le sac ou la figure qui y est représentée ? Cela fait-il allusion au jugement du Christ, de Warhol, ou de Basquiat ?

Depuis 1974, Warhol a commencé sa collection de souvenirs qui allait finalement s'enrichir de 600 objets qu'il appelait des capsules temporelles. Il s'agissait de ses archives personnelles qui contenaient de tout, des photographies personnelles aux invitations de Basquiat avant que ce dernier ne devienne célèbre. Le ménage de souvenirs de Warhol est exposé dans la Galerie 7.

Parmi toutes les salles de la galerie présentes dans l'exposition, celle-ci était la plus intime et la plus soignée. Il faut dire que l'ambiance nostalgique était peut-être fortement influencée par l'écoute de la version de It Never Entered My Mind par Miles Davis. Cependant, je dois en grande partie cette sensation d'intimité à la taille et à l'agencement de la pièce par rapport aux galeries plus vastes. Cet espace était nettement plus petit, avec une forme qui semblait épouser le périmètre de la salle. Les autres éléments étaient les types d'œuvres exposées.

Cette salle faisait passer les visiteurs d'une galerie présentant des images grandioses à une ambiance plus intime, façon musée, avec des artefacts enfermés dans des vitrines. À l'intérieur se trouvaient des parchemins, des fournitures d'art et des photographies en noir et blanc de Warhol, Basquiat et de leur communauté artistique des années 1980. J'ai particulièrement apprécié de voir un exemplaire physique du magazine Interview de Warhol avec Nick Rhodes en couverture.

Pas besoin d'être un expert en art ou en mouvements artistiques pour apprécier cette exposition. Cette rétrospective bien pensée est présentée à un rythme qui permet aux visiteurs d'échanger avec les œuvres et de réfléchir au dialogue visuel entre deux des plus grandes icônes du monde de l'art. Elle a balayé tout ce que je pensais savoir sur les œuvres de Warhol et de Basquiat et m'a offert une nouvelle perspective. Cette expérience est une invitation ouverte à explorer la relation dynamique entre Basquiat et Warhol. L'exposition célèbre non seulement leur individualité respective, mais souligne également l'impact profond qu'ils ont eu sur les œuvres de l'autre.

Basquiat × Warhol. Peindre à quatre mains est à voir à la Fondation Louis Vuitton jusqu'au 28 août 2023.