Les 10 œuvres d'art que les collectionneurs espagnols rêvent de posséder

Menée début 2025, cette enquête a couvert un large éventail de profils, explorant comment l’âge, le genre et l’expérience de vie façonnent les aspirations artistiques. En Espagne, ce qui ressort, c’est le pouvoir durable des maîtres nationaux : Velázquez, Sorolla et Picasso représentent à eux seuls la moitié du Top 10 espagnol. Leur domination témoigne d’un patrimoine national bien vivant, avec des œuvres qui retracent l’histoire royale, culturelle et politique de l’Espagne.

Les tendances observées dans les réponses font écho aux résultats mondiaux tout en conservant une voix espagnole bien marquée. Les œuvres associées à l’intimité et à la tendresse (« Le Baiser » de Klimt, « Madre » de Sorolla) ont recueilli une plus grande part des votes féminins et un soutien plus marqué des jeunes générations, qui ont mis l’accent sur la résonance émotionnelle. À l’inverse, les œuvres plus monumentales (« David » de Michelangelo, « Guernica » de Picasso) ont eu tendance à attirer les votants insistant sur l’échelle, la technique et la force éthique. Globalement, les Millennials et la Gen Z ont souvent choisi des œuvres pour ce qu’elles évoquent dans la vie quotidienne, tandis que la Gen X a plus fréquemment exprimé ses préférences en termes de statut canonique et d’héritage culturel.

Les répondants espagnols ont systématiquement choisi des œuvres en fonction du lieu. Les toiles de Sorolla sont louées pour avoir fait de la lumière espagnole un sujet en soi ; ses plages, patios et intérieurs deviennent des réceptacles de la mémoire collective. Velázquez fonctionne de manière similaire ; Las Meninas est un miroir de l’auto-représentation de l’Espagne en matière d’art, de pouvoir et de regard. Avec Guernica, de nombreux répondants associent l’histoire du tableau à des questions plus larges sur la manière dont les nations préservent les souvenirs difficiles. En Espagne, la notion de « possession » est souvent reformulée en « intendance », plusieurs votants s’opposant explicitement à l’idée de propriété privée pour certaines œuvres, insistant sur le fait qu’elles doivent rester dans les musées publics.

En tête de liste pour l'Espagne se trouve Las Meninas (1656) de Diego Velázquez, l'une des toiles les plus célébrées du Siècle d'or espagnol et une œuvre qui intrigue et fascine les spectateurs depuis des siècles. Installée dans l'Alcázar royal de Madrid, la vaste chambre montre l'Infante Marguerite-Thérèse, âgée de cinq ans, entourée de ses dames de compagnie et d'un grand mâtin. D'un côté, Velázquez se peint lui-même devant son chevalet, le pinceau levé à mi-course, tandis qu'au fond, un miroir reflète le roi Philippe IV et la reine Mariana. Leur présence spectrale suggère qu'ils sont à la fois dans et au-delà de la scène, se tenant là où se trouvent les spectateurs, faisant de nous des participants à l'acte de regarder.

Ce moment, apparemment spontané, est en réalité une construction savamment orchestrée de perspective, de géométrie et de lumière. L'embrasure ouverte à l'arrière attire l'œil profondément dans l'espace, tandis que le miroir ramène notre attention vers l'extérieur, créant un jeu intrigant entre présence et absence. Même les personnages secondaires contribuent à l'énigme : le chambellan figé à mi-pas dans l'embrasure, hésitant entre entrer ou sortir, les nains dont l'inclusion reflète la fascination de la cour pour eux, et la subtile croix rouge de Saint-Jacques sur la poitrine de Velázquez, ajoutée des années plus tard sur ordre du roi. Las Meninas est souvent qualifiée de « peinture sur la peinture », une méditation sur l'illusion qui a inspiré des artistes de Manet à Picasso.

Les personnes interrogées en Espagne ont massivement placé Las Meninas en tête de leur liste, reconnaissant son statut de pierre angulaire de l'identité culturelle espagnole et de tableau qui unit la monarchie, l'intellect artistique et le patrimoine commun. Pour les répondants de la génération X en particulier, Velázquez reste l'artiste qui a « changé l'art ». Beaucoup ont évoqué son génie technique ; « l'air, l'atmosphère, l'espace », tandis que d'autres ont décrit l'expérience troublante de se tenir devant l'œuvre comme étant « ce qui se rapproche le plus du voyage dans le temps ». Plusieurs ont souligné qu'il s'agit d'« un morceau de l'histoire espagnole ». Ce sentiment d'appartenance collective est si fort que beaucoup ont déclaré qu'ils ne la garderaient jamais en privé, même s'ils le pouvaient, l'un d'eux affirmant : « la quantité de détails liés entre l'histoire de l'Espagne et le tableau est énorme. » Ainsi, le choix de l'Espagne pour ce chef-d'œuvre national est une expression d'identité, de mémoire et de la conviction que l'art doit transcender la possession privée.

En troisième position arrive Le Baiser de Gustav Klimt (1907-08), peint à un moment charnière de sa carrière. Quelques années auparavant, ses fresques murales pour l'Université de Vienne avaient été jugées obscènes, nuisant à sa réputation et le poussant à rompre avec la Sécession viennoise, le mouvement qu'il avait contribué à fonder. Pourtant, de cette crise personnelle et professionnelle est née son œuvre la plus célèbre. Dévoilée pour la première fois lors de l'exposition Kunstschau en 1908, la peinture fut immédiatement reconnue comme un trésor national et le gouvernement autrichien l'acheta dès le premier jour de son exposition.

L'œuvre représente un couple enlacé, enveloppé dans un manteau d'or qui fusionne leurs corps en une seule forme. L'homme semble dominant, se penchant sur la forme courbée de la femme, pourtant son pied exposé révèle qu'elle est à genoux, et si elle se levait, elle le dominerait. Cet effet déstabilise les hiérarchies traditionnelles des genres, transformant la scène en une vision de révérence mutuelle plutôt qu'en possession. Ses yeux fermés et sa tête inclinée suggèrent un mélange d'extase, d'abandon et de sérénité, tandis que ses mains bercent son visage avec tendresse. Le couple se tient sur un parterre de fleurs qui existe au bord d'un abîme, comme si l'amour était en équilibre entre la transcendance et la disparition.

Pour les personnes interrogées en Espagne, chaque admirateur s'est identifié comme une femme, une répondante se souvenant que le voir à Vienne était « époustouflant et scintillant ». Une autre s'est émerveillée de son échelle et de sa splendeur : « grand, rêveur... un chef-d'œuvre absolu », tandis que d'autres se sont concentrées sur sa charge émotionnelle : « cela me donne l'impression que l'amour est possible ». Pour ceux qui l'ont choisi, Le Baiser est l'incarnation de l'intimité et est constamment cité comme un favori espagnol et mondial.

En quatrième position, on trouve Cosiendo la Vela de Joaquín Sorolla (Couture de la voile), peinte en 1896. La scène saisit la Méditerranée en pleine effervescence, rendue éclatante par la maîtrise exquise de la lumière propre à Sorolla. Cinq femmes et deux hommes se rassemblent sous un patio ombragé, cousant ensemble une vaste voile. Le cadre est à la fois domestique et magnifique ; la lumière filtrée moucheille le tissu blanc, les vêtements et la peau, et se déverse vers une porte ouverte d'où la mer lointaine luit sous le soleil valencien. Partout, la couleur palpite de vitalité : la verdure, les plantes en fleurs et la mer transforment un acte de labeur ordinaire en un rayonnement de communauté et de lieu. Connu comme le « Master of Light », Sorolla a d'abord peint des scènes de réalisme social dépeignant les difficultés, mais dès le milieu des années 1890, il s'est tourné vers les rythmes de la vie quotidienne méditerranéenne, éclaircissant sa palette et poursuivant la lumière fugace du soleil.

La grandeur tranquille de l'œuvre réside dans ses blancs : la toile de voile, les vêtements et la lumière réfléchie sont subtilement distingués, tout en étant également lumineux. Les votants espagnols ont manifestement ressenti cette chaleur. La moitié des votants étaient des Milléniaux, et les femmes représentaient les deux tiers – beaucoup insistant sur l'atmosphère émotionnelle autant que sur le génie technique. « La chaleur et la lumière qui s'en dégagent » était un sentiment récurrent, tandis qu'un autre spectateur l'a décrite comme « pleine de joie et d'espoir ». Un répondant a évoqué sa qualité immersive : « C'est comme si j'étais là, avec eux ».

À l'instar de Velázquez, Sorolla est un artiste espagnol, et ses peintures ont longtemps été associées à un sens espagnol du lieu et de l'identité. Alors que Velázquez dépeignait l'Espagne dans sa splendeur de cour, Sorolla offrait une vision de la vie nationale enracinée dans le soleil, l'air marin et le travail quotidien. Ses toiles sont remplies de paysages et de traditions reconnaissables qui appartiennent à l'Espagne même. Choisir Sorolla, c'est célébrer un peintre qui a élevé l'ordinaire, et qui a fait de la lumière méditerranéenne de l'Espagne un emblème de fierté nationale.

Peu de tableaux jouissent d'autant de prestige que Guernica de Picasso, peint en 1937 en réaction au bombardement de la ville basque par la Luftwaffe pendant la guerre civile espagnole. Considérée comme la déclaration politique la plus célèbre de l'artiste, la toile mesure 3,5 mètres de haut et près de huit mètres de large, et est réalisée en noir, blanc et gris. Des corps se tordent et s'effondrent, un cheval hurle d'agonie, et une mère sanglote sur son enfant mort, tandis qu'un taureau domine imperturbablement sur un côté, son sens faisant l'objet de débats depuis des décennies. Pour certains, le taureau est un symbole de la brutalité du fascisme, et dénué de tout lyrisme, Guernica se lit comme un témoignage d'atrocité et de deuil.

Lors de sa première exposition au Salon international de Paris en 1937, Guernica n'attira que peu d'attention. Pourtant, sa tournée mondiale ultérieure offrit une visibilité sans précédent à la guerre civile espagnole, et le tableau s'imposa comme un symbole universel de protestation. Picasso insista pour qu'il reste hors d'Espagne tant que la démocratie n'était pas restaurée, et ce n'est qu'en 1981, six ans après la mort de Franco, qu'il revint, installé au Museo Reina Sofía à Madrid.

Classée cinquième œuvre la plus populaire d'Espagne, l'histoire de Guernica enrichit sa signification en tant qu'icône nationale espagnole. Dans notre sondage, 80 % de ses admirateurs étaient des femmes, les Millennials représentant la plus grande part des votants. Certains ont souligné sa signification personnelle, une admiratrice déclarant : « Étant Basque, cela a une signification particulière pour moi. » D'autres ont insisté sur sa pertinence actuelle ; « Son message semble plus pertinent que jamais dans le monde d'aujourd'hui. » Les personnes interrogées ont salué sa composition « chaotique mais calculée » et la manière dont elle capture à la fois « l'angoisse et la résilience ». À l'instar de Velázquez et Sorolla, Picasso ancre la liste espagnole dans des voix locales, mais là où Sorolla offre le soleil et la communauté, l'œuvre de Picasso représente un emblème de la résistance, de la douleur et de l'endurance espagnoles.

Taillé dans un bloc unique de marbre de Carrare, tristement célèbre pour avoir été « abandonné », Michel-Ange réalisa son David, qui devint l'emblème civique de Florence. En janvier 1504, un comité composé des principaux artistes de la ville décida que la statue achevée devait être placée à l'entrée du Palazzo Vecchio comme un symbole de la force et de l'indépendance florentines. Alors que Donatello, Ghiberti et Verrocchio avaient souvent représenté le héros biblique après sa victoire, Michel-Ange a choisi de dépeindre l'instant précédant le combat de David contre Goliath. David se tient seul, le poing serré dans la main droite, la fronde reposant légèrement sur son épaule gauche. La tension se ressent dans l'anatomie, où les tendons se tendent, les muscles se contractent et les veines sont visibles juste sous la surface.

Parmi les personnes interrogées en Espagne, toutes les votantes étaient des femmes, la génération X représentant 80 % des admiratrices. « C'est époustouflant », a écrit l'une d'elles, tandis qu'une autre déclarait : « J'adore ses yeux, la façon dont David regarde Goliath, et j'aime la manière dont Michel-Ange traite l'anatomie humaine dans toutes ses œuvres. » Beaucoup ont souligné l'échelle et la présence de l'œuvre : « J'ai été submergée quand je l'ai vue… la différence entre The Real One et les répliques est indéniable. »

En septième position se trouve l'œuvre baignée de soleil de Sorolla, Niños en la Playa, réalisée durant une période particulièrement prolifique à Valence à l'été 1909. Dans son tableau, l'absence de ligne d'horizon fait remonter le sable et l'eau au premier plan, de sorte que la lumière, la peau et la mer deviennent les seuls sujets. Trois garçons nus sont allongés là où la marée se retire : le plus proche, blond et sec, s'appuie sur une diagonale qui nous attire dans la peinture ; notre regard suit son mouvement vers le deuxième, avant de se poser sur le troisième. Les tons de leur peau varient du mauve pâle au bronze mouillé, tandis que sous eux, Sorolla saisit à la fois le reflet et l'ombre sous le soleil de midi. Même la petite fossette creusée par le ressac au niveau d'un talon est observée, preuve de la capacité de Sorolla à rendre les détails les plus infimes.

Autre artiste national, la popularité de Niños en la Playa témoigne de la fierté nationale que suscite Sorolla, dont les scènes de plage vivent dans la mémoire collective du pays. Tous les votants espagnols pour cette œuvre étaient des femmes, qui ont loué sa sérénité et sa joie ; « si éphémère et heureux… les couleurs sont si belles ». Choisir Sorolla, c'est célébrer un autre artiste espagnol qui a dépeint la vie quotidienne espagnole dans une vision à la fois intime et partagée de la lumière et de l'enfance.

Sculptée aux alentours de 135 av. J.-C., la Victoire de Samothrace a été imaginée comme un monument naval, juchée sur la proue d'un navire en marbre au sein du sanctuaire de Samothrace. Même sans tête ni bras, la déesse semble en plein vol, son torse penché en avant, et ses grandes ailes balayant l'espace comme si elle s'apprêtait à s'élancer. Sa tunique fine épouse ses formes en plis, comme si une bourrasque invisible l'animait. Admire aujourd'hui sur le escalier Daru du Louvre, elle domine l'espace, prouvant que sa fragmentation n'a en rien diminué sa présence.

Se classant au huitième rang pour les votants espagnols, le magnétisme de la statue réside dans son paradoxe entre puissance et perte. Les sondés l'ont qualifiée de « magnifique et colossale », « absolument magique » et « majestueuse ». Chaque votant espagnol pour cette œuvre était une femme, avec la génération X en tête (66,67 %) et la génération Z juste derrière (33,33 %). Une admiratrice a confié : « depuis que nous l'avons étudiée à l'école, je suis obsédée », tandis que d'autres ont loué son équilibre et le mouvement qu'elle suggère. Les spectateurs ont également été sensibles à l'endurance de la déesse, y voyant une métaphore de la résilience.

Occuyant l'avant-dernière place dans le classement des œuvres d'art espagnoles, l'œuvre de Sorolla, Madre, transforme un moment intime en une méditation sur la lumière et la tendresse. Peinte entre 1895 et 1900 pour célébrer la naissance de sa fille cadette, Elena, cette toile représente l'épouse de Sorolla, Clotilde, et le nouveau-né reposant face à face, leurs têtes émergeant d'une mer infinie de linge. Presque tout est blanc, mais aucune nuance de blanc n'est identique, la lumière du jour filtrée glissant sur les draps et les oreillers. Le regard du mari et du père est intégré à l'émotion de l'œuvre pour créer une vision intime d'un moment suspendu entre l'épuisement et le bonheur.

Madre illustre pourquoi les Espagnols se tournent sans cesse vers Sorolla ; en dépeignant la vie quotidienne et en sublimant la tendresse domestique, il prouve que la lumière espagnole n'est pas seulement l'éblouissement ardent de la plage, mais aussi la douce lueur d'un salon à Madrid. Choisir une autre œuvre de Sorolla est une reconnaissance du fait que l'intimité est aussi essentielle à l'identité espagnole que la cour et le conflit.

Tous les votants espagnols pour Madre étaient issus de la Gen Z, et les deux tiers étaient des femmes. Un admirateur a fait remarquer que « presque tout est blanc, mais avec tant de nuances différentes », tandis qu'un autre se souvenait l'avoir vue dans un musée et avoir été frappé par la manière dont elle « montre les émotions » si directement. Pour d'autres, l'œuvre a fait resurgir des souvenirs personnels de « siestes d'été avec ma mère près de la plage », soulignant le talent de Sorolla pour traduire les souvenirs partagés.

Enfin, à la dixième place, on trouve Nighthawks d'Edward Hopper, peinte en 1942, quelques semaines seulement après Pearl Harbor. Ce tableau est souvent interprété comme le récit de l'aliénation en temps de guerre en raison de sa représentation de figures enfermées derrière une vitre, suspendues dans un silence troublant. Les verts acides et les ors chauds rehaussent l'atmosphère cinématographique, tandis que l'absence d'explication narrative maintient l'histoire ouverte ; laissant le spectateur se demander qui sont ces gens et ce qui va se passer ensuite.

Les deux tiers des admirateurs espagnols de Nighthawks sont des hommes, un sondé ayant déclaré : « Cela me fait réfléchir. Cela crée une histoire sur ce qui aurait pu se passer avant… ou après », tandis qu'un autre a confié : « ce tableau me fait ressentir beaucoup d'émotions rien qu'en le voyant ». Dans un Top 10 dominé par la lumière méditerranéenne et les scènes espagnoles de communauté, la nocturne de Hopper constitue un contrepoint remarquable. Sa géométrie froide, son éclairage moderne et sa barrière de verre expriment un langage universel de solitude, offrant une forme de communauté à travers le drame partagé d'être seul.