Le top 10 des œuvres que les collectionneurs brésiliens souhaitent acquérir

Menée au début de l'année 2025 et se concentrant exclusivement sur les réponses recueillies au Brésil, l'enquête a révélé que les participants brésiliens, plus que tout autre groupe national, allient une appréciation mondiale des chefs-d'œuvre européens à une volonté marquée d'honorer et de revendiquer leur propre patrimoine artistique.

En tête de liste figure « Abaporu » de Tarsila do Amaral, emblème moderniste dont le retour au pays depuis Buenos Aires est ardemment souhaité par de nombreux répondants. Plusieurs participants ont justifié leurs choix par des rencontres marquantes avec l'art durant leur enfance, par la fierté nationale, ou par des réflexions sur les lieux d'exposition des œuvres d'importance culturelle. « Abaporu », en particulier, s'est imposé comme un choix à la fois artistique et politique, son absence du Brésil cristallisant des problématiques plus larges liées à la restitution culturelle. Une analyse approfondie des données met également en évidence une tendance genrée similaire aux conclusions observées à l'échelle mondiale : les femmes sont à l'origine de la majorité des votes pour six des dix œuvres, tandis que les milléniaux constituent la génération la plus représentée pour sept d'entre elles.

Arrivée en tête des votes au Brésil, « Abaporu », peinte par Tarsila do Amaral en 1928, fut offerte à son mari Oswald de Andrade pour son anniversaire. « Abaporu » est devenu le catalyseur du mouvement brésilien « Antropofagia » (anthropophage) : un appel à « dévorer » l'art européen pour créer une œuvre authentiquement brésilienne. Sa silhouette imposante et distordue, dont la petite tête repose sur un corps étiré et un pied massif, se détache sous un soleil brûlant, à côté d'un cactus épineux. Si l'historienne de l'art Michele Greet a souligné ses résonances avec « Le Penseur » de Rodin, Tarsila subvertit l'accent mis par ce modèle sur la contemplation intellectuelle, ancrant sa figure dans la terre plutôt que de la placer sur un piédestal.

Son travail des ombres rappelle les techniques apprises auprès de Fernand Léger durant sa « période mécanique », mais ici, les volumes arrondis n'appartiennent pas à un monde industriel, mais au paysage organique brésilien. En s'appuyant sur les langages du modernisme européen comme le cubisme, le fauvisme et l' expressionnisme, Tarsila en réinterprète le sens pour évoquer la nature et l'identité brésiliennes, incarnant l'idéal de l'« Antropofagia » : transformer la culture importée en une expression locale. Aujourd'hui, l'œuvre originale est conservée au MALBA de Buenos Aires, faisant de son absence au Brésil un sujet de controverse culturelle.

Pour de nombreux répondants brésiliens, « Abaporu » est indissociable de l'identité nationale. « C'est le Brésil que je porte en moi », écrit l'un d'eux, se remémorant l'émotion jusqu'aux larmes ressentie lors de sa première rencontre avec la peinture. D'autres ont loué ses « couleurs vibrantes » et sa capacité à « défier les récits coloniaux » en mettant en lumière le symbolisme indigène et en rejetant les hiérarchies artistiques importées. Plusieurs ont affirmé qu'ils ne souhaiteraient en être propriétaires que pour la ramener au Brésil, un participant déclarant : « Je ferais don de cette œuvre à un musée public afin qu'elle puisse inspirer et provoquer, comme cela a toujours été sa vocation. » Beaucoup ont évoqué leurs premiers souvenirs en cours d'art et de littérature, où « Abaporu » était enseigné comme un pilier du modernisme, un participant confiant : « c'était la première fois que je regardais une œuvre d'art et que je sentais qu'elle me parlait directement. » Les répondants ont également réfléchi à sa charge politique : « elle fait partie d'un mouvement disruptif... très significatif pour notre histoire », beaucoup objectant à sa localisation actuelle au MALBA de Buenos Aires. Pour « Abaporu », la propriété est autant un acte de rapatriement que d'appréciation.

Occupant la troisième place du classement des œuvres favorites au Brésil, on trouve « Le Baiser » (1907–1908) de Gustav Klimt, une image parée de feuilles d’or qui saisit un couple en équilibre entre une prairie et un abîme. La robe de l’homme est ornée de rectangles noirs et blancs affirmés, tandis que celle de la femme se pare de cercles et de fleurs délicates ; un jeu symbolique entre force et protection. Les visages se rejoignent dans un instant de tendresse suspendu, la courbe du cou de la femme et ses yeux clos rayonnant d’une sérénité qui pallie l’ambiguïté du cadre.

Les répondants brésiliens ont abordé « Le Baiser » avec une intensité émotionnelle notable. Beaucoup ont évoqué « la chaleur que l’on peut ressentir à travers l’écran » et le sentiment d’un « amour tendre ». D’autres se sont souvenus avoir découvert l’œuvre durant leur enfance à travers des livres, de la musique ou des projets scolaires, l’image s’ancrant dans leur mémoire comme l’archétype de la dévotion romantique. Pourtant, pour certains, la force de l’œuvre réside dans son ambiguïté : l’un d’eux s’est interrogé sur la signification des yeux clos de la femme, y voyant soit le ravissement, soit le piège, et reflétant ses propres questionnements sur la dynamique amoureuse.

Au Brésil, 87,5 % des votes proviennent de femmes, une majorité qui fait écho à la tendance mondiale, et la génération X constitue le groupe le plus représenté avec 37,5 %, suivie de près par les Millennials et la génération Z. Cela suggère une identification féminine transgénérationnelle à la vision de Klimt, qu'elle soit adoptée comme une image de désir mutuel ou interrogée comme un symbole de vulnérabilité genrée. Pour ces spectateurs, « Le Baiser » est capable de refléter à la fois l’extase et le malaise que l’intimité peut receler.

À la quatrième place se trouve Botticelli avec « La Naissance de Vénus » (v. 1485), œuvre qui met en scène la déesse émergeant de la mer sur une coquille Saint-Jacques, poussée vers le rivage par Zéphyr et accueillie par une suivante lui offrant un manteau fleuri. Les courbes douces, les teintes pâles et le tracé rythmé de la composition évoquent une beauté idéalisée, à la fois sensuelle et contenue, dont l'élégance de la Renaissance dégage une intemporalité mythique.

Pour les spectateurs brésiliens, ce tableau constitue souvent leur première rencontre avec l'art de la Renaissance. Beaucoup se souviennent l'avoir découvert dans leurs manuels scolaires, captivés par sa palette pastel et sa composition ; l'un d'eux se rappelle avoir été « saisi par les couleurs, les cheveux bouclés, la scène dans son ensemble », tandis qu'un autre l'a associé à la rencontre d'une femme dont la beauté semblait faire écho à celle de Vénus. Certains répondants ont également salué son influence sur des générations d'artistes, la qualifiant d'œuvre que l'on pourrait « regarder toute la journée » sans jamais s'en lasser. Au Brésil, « La Naissance de Vénus » a attiré une majorité de 80 % de femmes, ce qui suggère que l'aplomb de la figure et son équilibre entre sensualité et modestie continuent de trouver un écho profond auprès du public féminin.

Occupant la place centrale, « Empire of Light » de René Magritte — une image déclinée en plusieurs versions — doit son impact au paradoxe d'un ciel où cohabitent le jour et la nuit. Dans cette œuvre, une rue paisible brille sous la lumière d'un réverbère, une maison solitaire est éclairée de l'intérieur, son reflet ondoyant à la surface de l'eau. Un arbre sombre se dresse sur un ciel bleu pâle strié de nuages, la sérénité du ciel refusant de s'accorder à l'obscurité du bas. Sans être ouvertement fantastique, Magritte déstabilise l'une des structures les plus fondamentales de notre réalité en associant le jour et la nuit dans une seule image. La lumière du soleil, d'ordinaire source de clarté, devient ici troublante, tandis que l'obscurité semble plus profonde et impénétrable. Rendu dans son style surréaliste caractéristique, le caractère ordinaire de la scène est précisément ce qui la rend mystérieuse ; un effet que Magritte lui-même décrivait comme la représentation de « la réalité la plus ordinaire » jusqu'à ce qu'elle perde sa familiarité.

Les admirateurs brésiliens ont été sensibles à cette tension entre le reconnaissable et l'inexplicable. Certains ont évoqué une « épiphanie » lors de leur première rencontre avec l'œuvre, décrivant ce sentiment où « l'on ressent véritablement quelque chose rien qu'en regardant la toile », tandis que d'autres l'ont saluée comme une « image simple empreinte de mystère ». 66,67 % des votes proviennent de la génération Y, ce qui suggère un attrait générationnel pour les ruptures propres au surréalisme : une réalité suffisamment altérée pour nous faire douter de nos certitudes.

Peinte vers 1665 et occupant la sixième place, « La Jeune Fille à la perle » de Johannes Vermeer demeure son œuvre la plus célèbre. Toutefois, ce tableau n'est pas un portrait mais une tronie : une étude d'un personnage imaginaire arborant une expression exagérée, souvent utilisée comme exercice de physionomie. Ici, une jeune femme apparaît coiffée d'un turban de style oriental aux plis drapés de bleu, portant une perle d'une taille invraisemblable à l'oreille. Vermeer traite son visage avec une grande douceur, le laissant émerger du fond sombre comme s'il était illuminé de l'intérieur. Des reflets sur ses lèvres et sur la perle viennent accentuer l'impression d'un moment intime et éphémère.

Pour les répondants brésiliens, son magnétisme est mentionné à maintes reprises. « La première fois que je l'ai vue, j'ai été stupéfié », écrit l'un d'eux, tandis qu'un autre imagine l'accrocher dans sa chambre « pour se réveiller chaque jour sous son regard ». La génération X représente la majorité de ses admirateurs avec 66,67 %, ce qui suggère une appréciation mûre de la retenue de Vermeer, bien que les Millennials soient également très sensibles à son mystère silencieux. Ses lèvres entrouvertes et son visage tourné créent une présence qui a inspiré d'innombrables réinterprétations, du cinéma au street art, notamment avec l'œuvre « Girl with a Pierced Eardrum » de Banksy – un témoignage de l'attrait durable de cette image et de sa place au sein de la culture populaire mondiale.

En septième position figure « Le Voyageur contemplant une mer de nuages » (1818) de Caspar David Friedrich ; une vision romantique par excellence de l'homme confronté à l'immensité de la nature. Au centre, une silhouette vêtue d'une redingote sombre se tient au sommet d'un précipice, observant un paysage englouti par la brume. Son dos tourné vers nous dissimule son identité et nous invite, au contraire, à partager son point de vue. Au loin, les crêtes montagneuses s'élèvent pour se fondre dans les nuages, leurs plans convergents guidant le regard vers le point central du tableau, à hauteur du cœur de l'homme.

Au cours des deux derniers siècles, cette image a transcendé ses origines romantiques pour devenir une icône culturelle, illustrant des couvertures de livres, accompagnant des compositions musicales, et faisant même l'objet de parodies dans des séries télévisées comme Severance. Le romantisme a émergé en réaction contre la foi en la raison et l'ordre prônée par les Lumières, privilégiant l'émotion, l'imagination et le sublime ; des qualités que Friedrich a distillées dans cette figure solitaire face à l'échelle insondable de la nature. 100 % des répondants brésiliens ayant choisi cette œuvre étaient des hommes et appartenaient à la génération Y, conférant à ce profil démographique une unanimité singulière. « Je veux sauter dans la brume et la découvrir », a écrit l'un d'eux, tandis qu'un autre y voyait un appel à « braver l'inconnu ». Pour ces spectateurs, le Voyageur incarne la découverte de soi et la confrontation aux horizons incertains de l'existence.

À la huitième place figure « La Victoire de Samothrace », sculptée aux alentours du IIe siècle avant notre ère. Initialement placée au sein d'un sanctuaire sur l'île de Samothrace, la sculpture fut vraisemblablement conçue pour commémorer une victoire navale, figurant la déesse Niké s'élançant vers l'avant face à un vent invisible, ses vêtements flottant avec intensité. Le marbre est sculpté de telle sorte que les plis de sa draperie semblent onduler sur son corps, créant une extraordinaire illusion de mouvement. Bien que sa tête et ses bras aient disparu, la silhouette irradie toujours le drame du triomphe, sa démarche assurée et ses ailes déployées capturant l'essence même de la victoire.

Les répondants brésiliens ont évoqué la statue de Niké avec une révérence qui reflète l'admiration qu'elle inspire aujourd'hui sur l'escalier monumental du Louvre. Un admirateur la décrit comme « puissante et délicate », dotée d'une « aura » qui semble transcender le temps. Un autre participant a évoqué le choc de la découvrir en personne, décrivant cette expérience comme une vie scindée en un « avant et après ». Dans l'enquête, les votes sont majoritairement masculins (66,67 %), ce qui reflète la célébration de la force et de la victoire incarnée par la sculpture, laquelle a longtemps fait écho aux idéaux traditionnellement masculins d'héroïsme et de conquête. Pour le public brésilien, « La Victoire de Samothrace » demeure un emblème impérissable de résilience, prouvant que même à l'état fragmentaire, cette œuvre peut susciter l'admiration et l'émerveillement.

L'œuvre de Bernini, « Apollon et Daphné », qui se classe au neuvième rang des œuvres préférées au Brésil, illustre le moment dramatique où Apollon est sur le point de rattraper Daphné, tandis que cette dernière se métamorphose en laurier pour lui échapper. Alors qu'Apollon s'apprête à la saisir, la peau de Daphné se change en écorce, ses doigts s'étirent en feuilles et ses orteils deviennent des racines s'enfonçant dans le sol de marbre. La sculpture défie la matière dont elle est faite : la torsion du corps de Daphné guide le regard du spectateur vers le haut, tandis que l'élan d'Apollon est stoppé net par la stupéfaction et le désir. Réalisée alors que Bernini avait tout juste vingt ans, l'œuvre illustre parfaitement le goût du Baroque pour le drame, le mouvement et l'émotion.

Les répondants brésiliens ont exprimé leur admiration face à cette pièce, même par le biais de reproductions. Un spectateur se souvient avoir été « fasciné » par l'alliance de la brutalité et de la délicatesse, ainsi que par « les détails des minuscules feuilles ». Un autre l'a qualifiée de « l'une des pièces les plus saisissantes » qu'il ait jamais vues, s'étonnant qu'un bloc de marbre puisse être empreint d'un tel dynamisme. La parité des réponses selon le genre suggère une portée universelle, résonnant aussi bien auprès de ceux qui sont sensibles à sa tragédie romantique qu'à ceux qu'attire sa virtuosité technique.

Enfin, à la dixième place, figure « Amandier en fleurs » de van Gogh, peint en 1890 pour célébrer la naissance de son neveu. Son ciel bleu pâle et ses délicates fleurs blanches sont plus légers, plus apaisés et empreints d’une espérance absente de nombre de ses autres œuvres. L’amandier, l’un des premiers arbres à fleurir au printemps, est devenu un symbole de renouveau, de pureté et d’optimisme, révélant une parenthèse lumineuse dans le contexte de la santé mentale de l’artiste. Les branches aplaties sur le ciel clair du tableau témoignent de son amour pour les estampes japonaises ukiyo-e, dont il a infusé les contours et la retenue décorative dans cette œuvre.

Au Brésil, elle résonne comme un portrait de la tendresse. Ses admirateurs trouvent la paix dans ses coloris, ou apprécient la pensée de sa création en tant que cadeau. Les réponses, émanant à 100 % d’un public féminin, suggèrent une connexion avec sa douceur et sa symbolique émotionnelle, rappelant que même au cœur des tourments personnels, la beauté peut être offerte comme une bénédiction.