Les 10 œuvres d'art que les collectionneurs brésiliens rêvent de posséder

Menée début 2025 et portant uniquement sur les réponses provenant du Brésil, cette enquête a révélé que les participants brésiliens, plus que tout autre groupe national, conjuguent un intérêt mondial pour les chefs-d'œuvre européens avec une forte volonté d'honorer et de récupérer leur propre patrimoine artistique.

En tête de liste se trouve Abaporu de Tarsila do Amaral, un emblème moderniste que de nombreux sondés souhaitent ardemment voir revenir au pays depuis Buenos Aires. Plusieurs participants ont lié leurs choix à des rencontres marquantes avec l'art durant l'enfance, à la fierté nationale ou encore à la politique entourant l'exposition des œuvres à forte valeur culturelle. Abaporu, en particulier, est apparu comme un choix à la fois artistique et politique, son absence du Brésil symbolisant des questions plus larges de rapatriement culturel. Un examen plus approfondi des données révèle également un schéma genré similaire aux résultats mondiaux : les femmes ont été à l'origine de la majorité des votes pour six des dix œuvres, tandis que les millennials représentaient la génération la plus représentée dans sept des dix cas.

En tête des votes brésiliens se trouve Abaporu, peint par Tarsila do Amaral en 1928 en cadeau d'anniversaire pour son mari Oswald de Andrade. Abaporu fut le catalyseur du mouvement brésilien de l'Antropofagia (cannibale) : un appel à « dévorer » l'art européen pour créer quelque chose de totalement brésilien. Sa figure imposante et déformée, avec sa petite tête équilibrée au sommet d'un corps allongé et son pied énorme, se tient sous un soleil jaune ardent et à côté d'un cactus épineux. Bien que l'historienne de l'art Michele Greet ait noté son écho au Penseur de Rodin, Tarsila subvertit l'accent mis par ce modèle sur la contemplation intellectuelle, ancrant sa figure dans la terre au lieu de la placer sur un piédestal.

Son modelé rappelle les techniques apprises auprès de Fernand Léger durant sa période « mécanique », mais ici les volumes arrondis n'appartiennent pas à un monde industriel, mais au paysage organique du Brésil. S'inspirant des langages modernistes européens du cubisme, du fauvisme et de l'expressionnisme, Tarsila réaffecte leurs significations pour parler de la nature et de l'identité brésiliennes, incarnant l'idéal de l'Antropofagia de transformer la culture importée en quelque chose de local. Aujourd'hui, l'original est conservé au MALBA à Buenos Aires, faisant de son absence au Brésil un sujet de controverse culturelle.

Pour de nombreux Brésiliens interrogés, Abaporu est indissociable de l'identité nationale. « C'est le Brésil que je porte en moi », a écrit l'un d'eux, rappelant que la première vision du tableau l'avait ému jusqu'aux larmes. D'autres ont salué ses « couleurs vibrantes » et sa capacité à « remettre en question les récits coloniaux » en mettant en lumière le symbolisme indigène et en rejetant les hiérarchies artistiques importées. Plusieurs ont déclaré qu'ils en seraient propriétaires uniquement pour le restituer au Brésil, un participant affirmant : « Je le donnerais à un musée public afin qu'il puisse inspirer et provoquer comme il l'a toujours fait ». Beaucoup se souvenaient de leurs premières rencontres dans les cours d'art et de littérature à l'école, où Abaporu était enseigné comme un fondement du modernisme ; un participant a partagé : « c'était la première fois que je regardais une œuvre d'art et que j'avais l'impression d'y être ». Les personnes interrogées ont également réfléchi à sa charge politique ; « cela fait partie d'un mouvement de rupture… très significatif pour notre histoire », beaucoup s'opposant à son emplacement actuel au MALBA à Buenos Aires. Pour Abaporu, la propriété est autant un acte de rapatriement qu'un acte d'appréciation.

Se classant en troisième position des œuvres d’art préférées des Brésiliens, on trouve Le Baiser (1907–08) de Gustav Klimt, une image drapée de feuille d’or qui capture un couple en équilibre entre l’orée d’une prairie et un précipice. La robe de l’homme est ornée de rectangles noirs et blancs affirmés, celle de la femme de cercles et de fleurs délicats ; un jeu symbolique entre la force et la bienveillance. Les visages se rejoignent dans un moment de tendresse suspendu, la courbe du cou de la femme et ses yeux clos rayonnant d’une sérénité qui vient apaiser l’ambiguïté du décor.

Les répondants brésiliens ont abordé Le Baiser avec une intensité émotionnelle remarquable. Beaucoup ont évoqué la « chaleur que l’on ressent à travers l’écran » et le sentiment d’un « amour tendre ». D’autres se sont remémoré avoir découvert le tableau dans leur enfance par le biais de livres, de musique ou de projets scolaires, l’image s’ancrant dans leur mémoire comme l’archétype de la dévotion romantique. Pourtant, pour certains, la puissance de l’œuvre résidait dans son ambiguïté : l’un d’eux se demandait si les yeux clos de la femme signifiaient l’extase ou l’enfermement, y voyant le reflet de ses propres interrogations sur la dynamique de l’amour.

Au Brésil, 87,5 % des votes provenaient de femmes, une majorité qui fait écho à la majorité féminine mondiale, et la génération X formait le groupe le plus nombreux avec 37,5 %, suivie de près par les Milléniaux et la Gen Z. Cela suggère une identification féminine intergénérationnelle avec la vision de Klimt, qu’elle soit adoptée comme une image de désir mutuel ou interrogée comme un symbole de vulnérabilité genrée. Pour ces spectateurs, Le Baiser est capable de refléter à la fois l’extase et le malaise que peut engendrer l’intimité.

En quatrième position arrive La Naissance de Vénus (vers 1485) de Botticelli. Cette œuvre met en scène la déesse émergeant de la mer sur une coquille Saint-Jacques, poussée par Zéphir et accueillie par une demoiselle portant un manteau fleuri. Les courbes douces, les teintes pâles et les lignes rythmées de la composition évoquent une beauté idéalisée, à la fois sensuelle et retenue, dont l'élégance de la Renaissance confère une dimension mythique et intemporelle.

Pour le public brésilien, ce tableau représente souvent leur première rencontre avec l'art de la Renaissance. Beaucoup se souviennent l'avoir découvert dans leurs manuels scolaires, fascinés par sa palette pastel et sa composition ; l'un d'eux se rappelait avoir été « happé par les couleurs, les cheveux bouclés, l'ensemble de la scène », tandis qu'un autre l'associait à la rencontre d'une femme dont la beauté semblait faire écho à Vénus elle-même. Certains répondants ont également salué son influence sur des générations d'artistes, qualifiant l'œuvre d'« objet que l'on pourrait regarder toute la journée » sans s'en lasser. Au Brésil, La Naissance de Vénus a recueilli une majorité féminine de 80 %, suggérant que l'aplomb du personnage et son équilibre entre sensualité et pudeur continuent de résonner fortement auprès des femmes.

La cinquième place est occupée par L’Empire de la lumière de René Magritte, une œuvre déclinée en plusieurs versions dont l'impact réside dans le paradoxe du jour et de la nuit partageant le même ciel. Dans cette œuvre, une rue tranquille luit sous l'éclairage d'un lampadaire, une maison solitaire illuminée de l'intérieur, son reflet miroitant sur une étendue d'eau. Un arbre sombre se dresse sur un ciel bleu pâle strié de nuages, la sérénité d'en haut refusant de correspondre à l'obscurité du dessous. Ce n'est pas ouvertement fantastique, mais en juxtaposant la nuit et le jour dans une seule image, Magritte déstabilise l'une des structures les plus fondamentales de notre réalité. La lumière du soleil, habituellement source de clarté, devient troublante, tandis que l'obscurité paraît plus profonde et impénétrable. Exécutée dans son style surréaliste habituel, le caractère banal de la scène est précisément ce qui la rend mystérieuse – un effet que Magritte lui-même décrivait comme la représentation de « la réalité la plus ordinaire » jusqu'à ce qu'elle perde sa familiarité.

Les admirateurs brésiliens ont été sensibles à cette tension entre le reconnaissable et l'inexplicable. Certains ont décrit leur « épiphanie » en découvrant l'œuvre ; « quand vous ressentez vraiment quelque chose juste en regardant la toile », tandis que d'autres l'ont saluée comme une « image simple pleine de mystère ». 66,67 % des votes provenaient des Milléniaux, ce qui suggère une attirance générationnelle pour les ruptures du Surréalisme : une réalité modifiée juste assez pour nous faire douter de ce que nous savons.

Peinte aux alentours de 1665 et occupant la sixième place, La Jeune Fille à la perle de Johannes Vermeer est son œuvre la plus célèbre. Cependant, ce tableau n'est pas un portrait mais une tronie : une étude d'un personnage imaginaire à l'expression exagérée, souvent utilisée pour des études de physionomie. Ici, une jeune femme apparaît vêtue d'un turban de style oriental drapé de plis bleus, portant une perle d'une taille improbable à l'oreille. Vermeer rend son visage avec douceur, le laissant émerger du fond sombre comme s'il était illuminé de l'intérieur. Des rehauts de lumière apparaissent sur ses lèvres et dans la perle, amplifiant la sensation d'un moment fugace et intime.

Pour les répondants brésiliens, son magnétisme est mentionné à plusieurs reprises. « La première fois que je l'ai vue, j'ai été stupéfait », a écrit un répondant, tandis qu'un autre imaginait l'accrocher dans sa chambre « pour me réveiller chaque jour sous son regard ». La Génération X est en tête des admirateurs avec 66,67 %, suggérant une appréciation mûre pour la retenue de Vermeer, bien que les Milléniaux réagissent aussi fortement à son mystère discret. Ses lèvres entrouvertes et sa tête tournée créent une présence qui a inspiré d'innombrables réinterprétations, du cinéma au street art, y compris Girl with a Pierced Eardrum de Banksy — un témoignage de l'attrait durable de cette image et de sa place dans la culture populaire mondiale.

En septième position, on trouve Le Voyageur contemplant une mer de nuages (1818) de Caspar David Friedrich ; une vision romantique par excellence de l'homme face à l'immensité de la nature. Au centre, une silhouette vêtue d'un manteau sombre se tient au sommet d'une falaise, observant un paysage englouti dans la brume. Son dos tourné nous cache son identité, nous invitant plutôt à partager son point de vue. Des chaînes de montagnes lointaines s'élèvent et se fondent dans les nuages ; leurs plans convergents attirent le regard vers le milieu du tableau – et à la hauteur du cœur de l'homme.

Au cours des deux derniers siècles, cette image a transcendé ses origines romantiques pour devenir une icône culturelle, apparaissant sur des couvertures de livres, illustrant des compositions musicales, et même parodiée dans des séries télévisées comme Severance. Le romantisme est apparu en réaction à la foi de l'Lumières dans la raison et l'ordre, privilégiant l'émotion, l'imagination et le sublime ; des qualités que Friedrich a distillées dans cette figure solitaire confrontée à l'échelle insondable de la nature. 100 % des répondants brésiliens qui l'ont choisie étaient des hommes, et tous étaient des Milléniaux, ce qui rend son profil démographique d'une unanimité inhabituelle. « Je veux sauter dans le brouillard et le découvrir », a écrit l'un, tandis qu'un autre y voyait un appel à « oser l'inconnu ». Pour ces spectateurs, le Voyageur incarne la découverte de soi et la confrontation avec les horizons incertains de la vie.

En huitième position se trouve La Victoire de Samothrace, sculptée vers le IIe siècle avant J.-C. Initialement placée dans un sanctuaire sur l'île de Samothrace, la sculpture a probablement été conçue pour commémorer un succès naval. Elle a été pensée de telle sorte que la déesse Nikè s'avance contre un vent invisible, ses vêtements flottant sous la tension. Le marbre est taillé de manière à ce que les plis de sa draperie semblent onduler contre son corps, créant une illusion de mouvement extraordinaire. Bien que sa tête et ses bras aient été perdus, la figure dégage toujours le drame du triomphe, sa foulée assurée et ses ailes déployées capturant l'apogée de la victoire.

Les répondants brésiliens ont évoqué la statue de Nikè avec une révérence qui reflète l'émerveillement qu'elle inspire aujourd'hui dans la grande cage d'escalier du Louvre. Un admirateur la décrit comme « puissante et délicate », dotée d'une « aura » qui semblait transcender le temps lui-même. Un autre a rappelé le choc de la voir en personne, décrivant l'expérience comme un moment qui a divisé sa vie en un « avant et un après ». Dans l'enquête, les votes étaient majoritairement masculins (66,67 %), ce qui témoigne de la célébration de la force et de la victoire par la sculpture, thèmes qui ont longtemps séduit les idéaux traditionnellement masculins d'héroïsme et de conquête. Pour les spectateurs au Brésil, La Victoire de Samothrace demeure un emblème durable de résilience, preuve que même en fragments, cette œuvre d'art peut susciter admiration et respect.

Le Bernin, dont l'Apollon et Daphné se classe au neuvième rang des œuvres d'art préférées des Brésiliens, capture le moment dramatique où Apollon est sur le point d'attraper Daphné, qui se transforme alors en laurier pour lui échapper. Alors qu'Apollon tend la main vers elle, la peau de Daphné se couvre d'écorce, ses doigts s'allongent en feuilles et ses orteils deviennent des racines qui s'enfoncent dans le sol de marbre. La sculpture semble respirer, défiant son matériau : la torsion du corps de Daphné guide le regard vers le haut, tandis que l'élan d'Apollon s'arrête dans un mélange de choc et de désir. Réalisée lorsque Le Bernin avait une vingtaine d'années, cette œuvre illustre l'attrait du Baroque pour le drame, le mouvement et l'émotion.

Les personnes interrogées au Brésil ont exprimé leur admiration face à cette œuvre, même sous forme de reproduction. Un spectateur se souvient avoir été « hypnotisé » par l'alliance de brutalité et de délicatesse qu'elle dégage, ainsi que par « les détails des petites feuilles ». Un autre l'a qualifiée de « l'une des pièces les plus époustouflantes que j'aie jamais vues », étonné qu'un bloc de marbre puisse être si dynamique. La répartition égale des réponses entre hommes et femmes suggère que son attrait est universel, touchant avec la même force ceux qui sont sensibles à sa tragédie romantique et ceux qui admirent son génie technique.

Enfin, en dixième position, figurent les Amandiers en fleurs de Van Gogh, peints en 1890 pour célébrer la naissance de son neveu. Leur ciel bleu pâle et leurs délicates fleurs blanches sont plus lumineux, plus calmes et plus porteurs d'espoir que nombre de ses autres œuvres. L'amandier, l'un des premiers arbres à fleurir chaque printemps, est devenu un symbole de renouveau, de pureté et d'optimisme, révélant un moment d'espoir dans le contexte de la santé mentale de l'artiste. Les branches aplaties du tableau se découpant sur le ciel clair témoignent de son amour pour les estampes ukiyo-e japonaises, dont il a imprégné cette œuvre par leur contour et leur retenue décorative.

Au Brésil, cette œuvre résonne comme un portrait de tendresse. Les admirateurs y ont trouvé la paix dans ses couleurs, ou ont apprécié l'idée de sa création en tant que cadeau. Le fait que la réponse soit à 100 % féminine suggère une connexion avec sa douceur et son symbolisme émotionnel, et elle rappelle que même au milieu des luttes personnelles, la beauté peut être offerte comme une bénédiction.