Les 10 œuvres que les Britanniques souhaitent le plus acquérir

Menée au cours du premier semestre 2025 auprès de 7 500 passionnés d'art à travers le monde, l'enquête de MyArtBroker brosse un portrait riche et détaillé de qui nous sommes et de ce que nous aimons voir accroché à nos murs. L'œuvre la plus recherchée est « Nighthawks » d'Edward Hopper, suivie en deuxième position par « L'Exécution de Lady Jane Grey » de Paul Delaroche, « The Lady of Shalott » de John William Waterhouse en troisième place, et « Flaming June » de Frederic Leighton complétant le top dix. Au Royaume-Uni, les répondants se répartissaient de manière presque égale entre les femmes (48,75 %) et les hommes (47,81 %), tandis que 1,98 % des participants s'identifiaient comme non-binaires. Ce résultat contraste avec l'échantillon mondial, où les femmes constituaient la majorité (56,52 %) face aux hommes (39,69 %), avec 2,33 % de répondants non-binaires. Les participants, issus de quatre générations, de la génération Z aux baby-boomers, ont permis d'analyser la manière dont l'âge et l'identité façonnent nos aspirations artistiques.

Trois courants distincts du goût britannique ressortent de ces données. Premièrement, une fascination pour le spectacle de la période fin-victorienne et l'imagerie complexe des préraphaélites, incarnée par des héroïnes tragiques et des décors naturels luxuriants. Deuxièmement, un penchant pour les œuvres impressionnistes et post-impressionnistes alliant intensité chromatique et profondeur psychologique. Enfin, une tendance intéressante montre que les répondantes, majoritaires, privilégient des images de femmes créées par des hommes, suggérant que les thèmes transhistoriques du sacrifice, de la solitude et de la beauté transcendent l'identité de l'artiste lui-même.

Les œuvres les plus prisées au Royaume-Uni révèlent un clivage des goûts marqué par le genre, les femmes étant à l'origine des principaux choix, à une exception près. « Nighthawks » de Hopper occupe la première place au classement général et a été plébiscité par 63 % des hommes contre seulement 37 % des femmes, défiant ainsi la tendance générale des votes majoritairement féminins. À l'inverse, « L'Exécution de Lady Jane Grey » de Delaroche a recueilli 92 % de votes féminins, suggérant une affinité particulière pour les récits historiques centrés sur les femmes. Seul « Le Baiser » de Gustav Klimt a su faire l'unanimité auprès des deux genres, peut-être parce qu'il offre une image de désir mutuel où les deux figures apparaissent également absorbées par l'acte amoureux.

Le choix favori au Royaume-Uni est « Nighthawks » (1942) d’Edward Hopper, qui se classe également deuxième à l’échelle mondiale. Dans ce diner ouvert tard le soir, trois clients sont assis séparément au comptoir tandis qu’un serveur solitaire se tient derrière ; chacun partage l’espace tout en étant totalement détaché des autres. La dominance des tons verts et la propreté clinique de la rue contrastent avec la lueur attirante du diner, invitant les spectateurs à réfléchir sur des thèmes tels que la solitude, l’existentialisme et l’aliénation dans le monde moderne. Sa résonance visuelle est attestée par ses recréations à l’écran, notamment dans le film de Wim Wenders de 1997, The End of Violence, qui reconstitue le tableau avec une précision minutieuse.

Peinte quelques semaines après Pearl Harbor, l’œuvre résonne comme un portrait de l’isolement en temps de guerre ; l’absence de porte visible suggère non seulement une ville coupée du monde extérieur, mais aussi un public américain se repliant sur lui-même. Hopper a d’ailleurs admis : « Inconsciemment, sans doute, je peignais la solitude d’une grande ville. » Hopper a puisé son inspiration dans « Café Terrace at Night » de Vincent van Gogh, intégrant ce sentiment de calme nocturne dans une scène urbaine ambiguë qui pourrait se situer n’importe où, à n’importe quel moment.

Parmi les personnes au Royaume-Uni ayant choisi « Nighthawks » comme l’œuvre qu’elles souhaiteraient le plus posséder, 63,2 % se sont identifiées comme des hommes et 26,3 % comme des femmes. Par génération, la génération Z représente le groupe le plus important avec 42,1 %, suivie par les milléniaux (31,6 %) et les baby-boomers (26,3 %). Il n’est peut-être pas surprenant, bien qu’un peu poignant, que les électeurs les plus jeunes de l’enquête se soient tournés vers une peinture si imprégnée de solitude urbaine, ayant grandi au milieu de la présence nouvelle et décomplexée des réseaux sociaux, de l’isolement causé par la pandémie de COVID-19 et d’un paysage numérique de plus en plus profond qui favorise l’aliénation.

Il est également notable que deux fois plus d’hommes que de femmes aient choisi « Nighthawks » comme l’œuvre qu’ils souhaiteraient le plus posséder. Cette majorité pourrait refléter une affinité plus profonde entre le langage visuel retenu de Hopper et le stoïcisme promu par la masculinité traditionnelle. Le tableau ne déclare jamais explicitement que ses personnages sont seuls ; cela est suggéré par un détachement calme et une absence d’émotion manifeste. Peut-être est-ce le poids des normes culturelles traditionnelles, décourageant les hommes d’exprimer leur vulnérabilité, qui fait que cette œuvre résonne plus profondément auprès des spectateurs masculins. Ainsi, la peinture devient non seulement une étude sur l’isolement moderne, mais aussi un miroir du silence particulier que la masculinité occidentale peut imposer.

Lorsqu’on leur a demandé pourquoi ils avaient choisi « Nighthawks », les participants ont maintes fois loué l’œuvre pour son réalisme et son atmosphère évocatrice. L’un d’eux a déclaré : « C’est comme une photographie et l’éclairage est magnifique. » Beaucoup ont également souligné son exploration de la solitude : « Elle dépeint l’individualisme des gens, chacun a ses propres luttes ; dans cette pièce particulière, il pourrait s’agir de la solitude et du sentiment de déconnexion. » Pourtant, la plus grande force de « Nighthawks » réside dans sa profondeur narrative : « Je pourrais me mettre à la place de n’importe quel personnage dans les peintures de Hopper… il y a de multiples histoires contenues dans une seule œuvre. » Ces réponses révèlent que c’est la narration ouverte de l’œuvre qui invite à une connexion personnelle et en fait l’œuvre la plus désirée au Royaume-Uni.

La troisième œuvre la plus populaire au Royaume-Uni est « The Lady of Shalott » (1888) de John William Waterhouse, qui a initié un regain d'intérêt tardif pour les idéaux préraphaélites à l'époque victorienne. Waterhouse s'est inspiré de la toile « Ophelia » de Sir John Everett Millais (huitième œuvre favorite du Royaume-Uni), réimaginant cette figure vulnérable à la chevelure rousse, vêtue d'une robe blanche et dérivant sur l'eau, tout en rendant hommage au poème d'Alfred Tennyson de 1832, « The Lady of Shallot ». Dans le poème arthurien de Tennyson, une jeune fille maudite, recluse dans une tour, ne peut observer le monde qu'à travers les reflets de son miroir et doit tisser ces images réfléchies dans sa tapisserie. Lorsqu'elle aperçoit la silhouette chevaleresque de Sir Lancelot, son désir l'emporte sur sa prudence et elle se tourne pour le regarder directement, rompant ainsi les conditions de la malédiction. Embarquant sur un bateau à la dérive vers Camelot, elle entonne un dernier chant avant que la malédiction ne lui ôte la vie sur l'eau. Waterhouse met en scène ses derniers instants : la Lady libérant la chaîne de l'embarcation, les lèvres entrouvertes, la tapisserie qu'elle a tissée se déployant autour d'elle, tandis que trois bougies, dont deux sont éteintes, annoncent sa fin imminente.

Parmi les participants britanniques souhaitant posséder ce chef-d'œuvre, 77,8 % sont des femmes ; une tendance observée à l'échelle mondiale, où « The Lady of Shalott » se classe également troisième, avec une majorité féminine de 82,8 %. Les répondants britanniques ont souvent souligné son immobilité évocatrice et sa beauté tragique : « C'est tellement beau. On peut presque ressentir le silence de cette rivière », a remarqué l'un d'eux, tandis qu'un autre voyait dans la solitude de la Lady un puissant miroir de ses aspirations personnelles. L'œuvre de Waterhouse nous invite à réfléchir sur la fragile intersection entre l'art, le mythe et le désir humain.

Classée quatrième œuvre la plus populaire au Royaume-Uni — et en tête des suffrages à l'échelle mondiale — « La Nuit étoilée » (1889) de Vincent van Gogh captive les esprits par sa réinterprétation onirique du monde nocturne. Créée durant son séjour à l'asile de Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy, « La Nuit étoilée » est le fruit d'une période marquée à la fois par le tumulte et la création. Dans chaque ligne tourbillonnante et chaque étoile luminescente, l'intensité émotionnelle de Van Gogh résonne avec force. L'artiste confiait : « le spectacle des étoiles me fait toujours rêver » ; ici, il déverse ce rêve dans une pâte épaisse et des coups de pinceau balayants qui confèrent au ciel nocturne une présence vivante et palpitante. Un cyprès en forme de flamme — symbole de la fragilité de la vie, trait d'union entre la terre et les cieux — s'élève au-dessus du village endormi, guidant le regard du spectateur du silence de la vallée vers le ciel en mouvement. Par ses rythmes gestuels et sa palette composée de bleus cobalt profonds et de jaunes onctueux, le tableau s'adresse directement à nos moments intimes d'émerveillement, de petitesse et de communion.

Parmi les collectionneurs britanniques amateurs de cette œuvre, 66,7 % sont des femmes et 33,3 % sont des hommes. Sur le plan générationnel, « La Nuit étoilée » séduit principalement les Millennials et la génération X, qui représentent chacun 33,3 % de ses admirateurs, suivis par la génération Z à 22,2 % et les baby-boomers à 11,1 %. Lorsqu'on leur demande pourquoi ils souhaiteraient posséder « La Nuit étoilée », les réflexions des répondants convergent autour de son rythme hypnotique et de sa profonde empathie. « J'ai été fasciné par le mouvement du ciel », confie un admirateur, tandis qu'un autre évoque le sentiment d'être « intimement lié à quelque chose qui me dépasse », soulignant ainsi comment le ciel lumineux de Van Gogh transcende les circonstances individuelles pour incarner une émotion universelle.

Gustav Klimt occupe la cinquième place au Royaume-Uni avec Le Baiser (1907-08), une œuvre née dans un climat de controverse et de renouveau. Suite aux vives critiques essuyées par ses peintures pour le plafond de l'Université de Vienne, qualifiées de pornographiques, et après avoir quitté la Sécession viennoise, Klimt dévoile cette œuvre aujourd'hui iconique lors de la Kunstschau de 1908. Dissimulé sous un somptueux manteau d'or, un couple est représenté enlacé au bord d'un abîme, leur étreinte étant aussi tendre que précaire. Le vêtement de l'homme est marqué de formes géométriques noires et blanches symbolisant la virilité et la force, tandis que la robe de la femme, parée de cercles délicats et de motifs floraux, évoque la féminité et la fertilité. Dans ce gouffre ambivalent aux allures de parterre fleuri, Klimt cristallise l'extase et la vulnérabilité de l'amour.

À l'échelle mondiale, Le Baiser se classe troisième, avec une audience féminine majoritaire de 78 %, tandis qu'auprès des répondants britanniques, l'œuvre de Klimt séduit tout autant les hommes que les femmes, à hauteur de 44,4 % chacun. Le public a été particulièrement sensible à la fusion opérée par Klimt entre érotisme et ornementation. Pour nombre de nos répondants, la surface dorée et le langage symbolique du tableau offrent à la fois opulence et profondeur : un admirateur a souligné que « l'étreinte maladroite mais passionnée » des amants reflète « la tension entre désir et retenue », tandis qu'un autre a confié que l'œuvre de Klimt révèle la capacité de l'art à « rendre l'intimité visible ». Un troisième répondant a décrit la composition comme « le sentiment d'un secret révélé », le visage dissimulé de l'homme accentuant l'abandon serein de la femme, dont les yeux clos évoquent à la fois la soumission et une libération sublime.

Classée sixième œuvre la plus populaire au Royaume-Uni, « Carnation, Lily, Lily, Rose » (1885-1886) de John Singer Sargent rayonne de la splendeur éphémère d'un crépuscule victorien, sa toile figurant un éden inventé où l'innocence de l'enfance demeure intacte. Essentiellement exilé de Paris après la réception de son « Portrait de Madame X », Sargent s'est retiré dans le village de Broadway, dans le Worcestershire, peignant en plein air pour capturer la beauté changeante de la tombée du jour. Les deux fillettes, Dolly et Polly Barnard, vêtues de blouses blanches au milieu d'un foisonnement de roses, d'œillets et de lys, portent des lanternes en papier qui reflètent la fascination de Sargent pour le japonisme et le souci du détail préraphaélite.

Dans la Grande-Bretagne prospère des années 1880, alors que la richesse issue de l'empire et de l'industrie alimentait un appétit croissant pour les œuvres d'art, cette rêverie crépusculaire de Sargent a captivé le public lors de la Summer Exhibition de 1887 à la Royal Academy. Si le tableau a polarisé les critiques, il a fini par s'imposer lorsque la Royal Academy en a fait l'acquisition pour les collections publiques via le Chantrey Bequest. Aujourd'hui, les amateurs d'art britanniques restent sous le charme : notre étude révèle que 74 % des personnes souhaitant posséder cette œuvre sont des femmes, avec un public composé de Millennials (44,4 %), de membres de la génération Z (33,3 %) et de la génération X (22,2 %), ce qui témoigne de son attrait intergénérationnel. À l'échelle mondiale, l'œuvre ne figure pas dans le top 10, soulignant une nostalgie typiquement britannique pour cette atmosphère crépusculaire et fugace.

Les admirateurs de « Carnation, Lily, Lily, Rose » soulignent sa beauté fascinante ; l'un des répondants évoque une atmosphère « éthérée, surnaturelle », qualifiant l'œuvre de « parfaite, divine ». Un autre décrit « une soirée d'été au crépuscule, quand toutes les fleurs semblent briller », et confie : « À chaque fois que je tourne au détour d'une salle à la Tate Britain, je reste sans voix. » La suspension de l'innocence dans ce tableau résonne profondément chez les Britanniques, qui semblent sensibles aux œuvres célébrant la curiosité enfantine. Dans son équilibre délicat entre naturalisme et onirisme, le chef-d'œuvre de Sargent demeure un témoignage de la puissance de la nostalgie et du désir d'une époque plus simple.

Claude Monet occupe la septième place dans le classement de popularité au Royaume-Uni avec ses « Water Lilies », cycle auquel l'artiste a consacré le dernier quart de sa vie au jardin d'eau de Giverny. « Un aspect de la nature le contient tout entier », déclarait-il. Lorsqu'il entame sa célèbre série des « Water Lilies » en 1897, il a déjà transformé son domaine en un atelier à ciel ouvert : il détourne une rivière, plante des saules et installe une passerelle japonaise pour pouvoir pénétrer directement depuis l'extérieur dans l'univers qu'il peint. Dans ces œuvres tardives, il abandonne totalement la ligne d'horizon conventionnelle, inclinant sa toile pour ne capturer que le miroir formé par l'eau, le ciel, les arbres et les fleurs flottantes. Le résultat est une vision du flux de la nature, où la matière picturale devient l'élément qu'elle dépeint, et où la frontière entre l'apparence et le matériau se dissout.

Au Royaume-Uni, 67,86 % des personnes ayant choisi les « Water Lilies » sont des femmes. À l'échelle mondiale, le chef-d'œuvre de Monet se classe quatrième, avec une majorité féminine quasi identique de 67,9 %. En termes de générations, l'enthousiasme britannique est réparti équitablement entre les Millennials et la génération Z (37,5 % chacun), la génération X représentant le reste (25 %). Lorsqu'on leur demande pourquoi ils souhaiteraient posséder les « Water Lilies », les répondants britanniques évoquent à la fois un souvenir personnel et un sentiment de calme profond. L'un d'eux a confié que la « joie, le réconfort et la paix » émanant de la peinture reflètent le réconfort des souvenirs d'enfance, tandis qu'un autre a mentionné une estampe appartenant à sa grand-mère qui « signifiera toujours pour moi l'amour, la sérénité et le foyer ». Plusieurs ont souligné l'émotion ressentie en voyant les originaux : « C'est une œuvre devant laquelle on peut prendre un instant pour s'arrêter et se perdre ». Dans chaque témoignage, le chef-d'œuvre de Monet apparaît comme un sanctuaire qui continue de nourrir le spectateur par son alliage d'observation et de transcendance.

Classée huitième au Royaume-Uni, l'œuvre Ophélie (1851-1852) de Sir John Everett Millais demeure la pierre angulaire préraphaélite de la beauté tragique, sa surface sereine dissimulant la tourmente qu'elle dépeint. Millais fit l'acquisition d'une robe ancienne brodée d'argent pour vêtir Ophélie ; son délicat motif floral souligne sa présence éthérée tout en la maintenant à flot dans ses derniers instants, une réalité d'autant plus poignante que le modèle Elizabeth Siddal manqua de succomber à une pneumonie lors des séances de pose. Autour de son cou et éparpillés à ses pieds, Millais a adopté le « langage des fleurs » victorien, peignant des violettes pour la fidélité, des pensées pour l'amour perdu, des pâquerettes pour l'innocence et des myosotis pour le souvenir. Des orties et des saules — symboles d'affection délaissée et de chagrin — encombrent la rive, tandis qu'un coquelicot rouge vif annonce le sommeil de la mort. Dans la pure tradition préraphaélite, chaque fleur est rendue avec une précision botanique tout en imprégnant la scène d'un pathos romantique, narrant ainsi le moment du décès mythique d'Ophélie. Les bras ouverts et le regard tourné vers le ciel d'Ophélie évoquent à la fois le martyre et l'abandon érotique, rappelant l'iconographie sainte tout en incarnant la fascination romantique pour la fragilité féminine.

Cette vision de la beauté et de la perte a trouvé un écho profond auprès du public britannique ; parmi ses admirateurs, Ophélie touche tout particulièrement les femmes, avec 82,8 % de femmes contre 10,3 % d'hommes. Sur le plan générationnel, le tableau captive un large spectre : 37,5 % de la génération Z, 37,5 % de milléniaux et 25 % de la génération X, soulignant son attrait intergénérationnel. Les répondants britanniques ont souligné son intensité émotionnelle : « C'est parfaitement dévastateur, un hymne à l'innocence perdue », a écrit un admirateur, tandis qu'un autre a décrit comment les « couleurs lumineuses » et les « détails minutieux » du tableau le laissent à la fois enchanté et troublé.

La popularité d'Ophélie dépasse la psyché britannique, marquant durablement le cinéma, la musique et la culture populaire au sens large. Le film Hamlet de Laurence Olivier (1948) a célèbrement recréé la composition du tableau ; l'album de Pearls Before Swine intitulé Beautiful Lies You Could Live In (1971) utilise Ophélie pour sa pochette ; et le clip vidéo de Nick Cave & The Bad Seeds pour la chanson « Where the Wild Roses Grow » met en scène Kylie Minogue reprenant la pose immergée d'Ophélie. Chaque hommage démontre l'impact de l'équilibre du tableau entre beauté délicate et fatalité tragique. Dans la longue histoire d'amour que la Grande-Bretagne entretient avec le romantisme et le renouveau préraphaélite, l'Ophélie de Millais illustre la manière dont l'art peut transmuer le deuil en une tragique élégance.

Les « Sunflowers » (1888-89) de Vincent van Gogh occupent la neuvième place du classement britannique. Nées dans la chaleur d'Arles, où l'artiste préparait sa maison pour l'arrivée de Paul Gauguin, ces cinq toiles représentant des tournesols en vase furent peintes sur deux étés afin de célébrer l'amitié et d'exprimer sa gratitude. En juxtaposant bourgeons, fleurs épanouies et têtes fanées, Van Gogh renoue avec la tradition des vanités, qui souligne la beauté éphémère de la vie. « Le tournesol est à moi », écrivait l'artiste ; à travers ces œuvres, il s'est assurément approprié la fleur, la transformant en un emblème de vitalité et de fugacité.

Au Royaume-Uni, 83,3 % des votants ayant choisi les « Sunflowers » étaient des femmes, contre 16,7 % d'hommes. Interrogés sur les raisons de leur choix pour cette nature morte emblématique, les répondants ont évoqué une catharsis émotionnelle et une réflexion philosophique. Un admirateur a confié : « C'est la première œuvre qui m'ait fait pleurer ; elle m'a convaincu que l'art doit être vécu en personne, sous sa forme originale. » Un autre a salué la « technique et les couleurs douces » de Van Gogh, tandis qu'un troisième a trouvé du réconfort dans cette représentation honnête de l'imperfection : « Elle reflète la réalité ; être vrai, c'est être imparfait. »

Pour clore le top 10 britannique, citons « Flaming June » (1895) de Sir Frederic Leighton, une œuvre qui cristallise l'apogée du classicisme victorien. Initialement commandée comme motif décoratif pour son relief en marbre « Summer Slumber », cette figure a si bien captivé Leighton par son repos sensuel qu’il en a fait une peinture à l'huile indépendante. S'inspirant de la personnification sculpturale de la « Nuit » de Michel-Ange, située dans les chapelles des Médicis à Florence, Leighton a passé des mois à perfectionner la pose du modèle afin d'atteindre une harmonie parfaite entre forme et géométrie. Le résultat est une étude monumentale d'une grande intensité : les vêtements flamboyants de la figure, ondulant sous une brise suggérée, l'enveloppent tel un halo lumineux. Un unique brin de laurier-rose s'incurve au-dessus de sa tête, sa toxicité rappelant silencieusement l'ambiguïté inquiétante entre le sommeil et la mort. En mettant en scène cette rêverie classique, Leighton a livré une image qui invite chaque spectateur dans un tableau suspendu, empreint de chaleur, de beauté et d'une quiétude imminente.

« Flaming June » occupe la dixième place au Royaume-Uni ; les femmes représentant 100 % des répondants. Cette dévotion féminine unanime souligne le mélange puissant de sensualité, de sérénité et de regard féminin propre à cette œuvre, faisant écho à l'attachement indéfectible de la Grande-Bretagne pour les idéaux romantiques et esthétiques. Pour beaucoup, la dormeuse de Leighton incarne un aperçu de vulnérabilité implicite : le symbolisme subtil du laurier-rose toxique qui se courbe au-dessus d'elle confère à l'œuvre une tension silencieuse, une reconnaissance de la fragilité pouvant sous-tendre un calme apparent. Les admirateurs britanniques qualifient « Flaming June » de « véritablement magique ». Une admiratrice a loué « l'atmosphère, les couleurs, le romantisme ; je pourrais vivre avec et la contempler éternellement ». Dernière œuvre de notre sélection, « Flaming June » évoque une rêverie estivale infinie, en équilibre entre l'éveil et le repos.