Les 10 œuvres d'art que les Britanniques rêvent de posséder

Menée au premier semestre 2025 auprès de 7 500 passionnés d’art autodésignés à travers le monde, l'enquête de MyArtBroker dresse un portrait richement détaillé de notre identité et des œuvres que nous chérissons accrochées à nos murs. L'œuvre la plus convoitée était Nighthawks d'Edward Hopper, suivie de The Execution of Lady Jane Grey de Paul Delaroche en deuxième position, The Lady of Shalott de John William Waterhouse en troisième, tandis que Flaming June de Frederic Leighton complétait le top dix. Au Royaume-Uni, les répondants étaient presque également répartis entre femmes (48,75 %) et hommes (47,81 %), 1,98 % des participants s'identifiant comme non-binaires. Ce chiffre contraste avec l'échantillon mondial, où les femmes représentaient une majorité (56,52 %) contre les hommes (39,69 %), avec 2,33 % de répondants non-binaires. Les participants couvraient quatre générations, de la Gen Z aux Baby-Boomers, ce qui a permis d'analyser comment l'âge et l'identité façonnent nos aspirations artistiques.

À partir de ces données, trois tendances claires se sont dégagées dans les goûts britanniques. Premièrement, une fascination pour le spectacle de la fin de l'époque victorienne et l'imagerie élaborée des Prér aphaélites, incarnée par des héroïnes tragiques et des décors naturels luxuriants. Deuxièmement, un penchant pour les œuvres impressionnistes et post-impressionnistes qui allient couleur intense et profondeur psychologique. Et troisièmement, une tendance intéressante où les répondantes, majoritairement féminines, se dirigent vers des images de femmes créées par des hommes, suggérant que les thèmes transhistoriques de sacrifice, de solitude et de beauté transcendent l'identité de l'artiste.

Les œuvres les plus prisées au Royaume-Uni révèlent une nette divergence de goûts selon le genre, les femmes impulsant les meilleures sélections – à une exception près. Nighthawks de Hopper s'est classé premier au général, mais a été choisi par 63 % des hommes contre seulement 37 % des femmes, allant à l'encontre de la tendance générale des votes à majorité féminine. À l'inverse, The Execution of Lady Jane Grey de Delaroche a recueilli un vote féminin à 92 %, suggérant une affinité genrée pour les récits historiques féminins. Seul Le Baiser de Gustav Klimt a réussi à unir les genres de manière équilibrée, peut-être parce qu'il présente une image de désir mutuel, où les deux figures semblent également absorbées par l'acte d'amour.

Le choix numéro un au Royaume-Uni est Nighthawks (1942) d'Edward Hopper, qui s'est également classé deuxième au niveau mondial. À l'intérieur de ce dîner nocturne, trois clients sont assis séparément au comptoir tandis qu'un unique serveur se tient derrière, chacun partageant l'espace tout en étant complètement détaché des autres. Les couleurs vertes dominantes et la propreté clinique de la rue contrastent avec la lueur tentante du dîner, invitant les spectateurs à réfléchir sur les thèmes de la solitude, de l'existentialisme et de l'aliénation dans le monde moderne. Sa résonance visuelle est attestée par ses recréations à l'écran, notamment dans le film de 1997 de Wim Wenders, The End of Violence, qui reproduit la peinture avec un détail précis.

Peinte quelques semaines après Pearl Harbor, l'œuvre résonne comme un portrait de l'isolement en temps de guerre, son absence de porte visible suggérant non seulement une ville coupée des étrangers, mais aussi un public américain replié sur lui-même. Hopper a même avoué qu'« inconsciemment, probablement, je peignais la solitude d'une grande ville ». Hopper s'est inspiré du Café Terrace at Night de Vincent van Gogh, combinant ce sentiment de calme nocturne dans une scène urbaine ambiguë qui pourrait se situer n'importe où, n'importe quand.

Parmi ceux au Royaume-Uni qui ont choisi Nighthawks comme l'œuvre qu'ils aimeraient le plus posséder, 63,2 % se sont identifiés comme hommes et 26,3 % comme femmes. Par génération, la génération Z représentait le groupe le plus important avec 42,1 %, suivie par les Milléniaux (31,6 %) et les Baby-Boomers (26,3 %). Il n'est peut-être pas surprenant, bien qu'un peu poignant, que les plus jeunes votants de l'enquête aient été attirés par une peinture si imprégnée de solitude urbaine, ayant grandi au milieu de la présence nouvelle et débridée des médias sociaux, de l'isolement engendré par la pandémie de COVID‑19, et d'un paysage numérique de plus en plus profond qui favorise l'aliénation.

Il est également à noter que plus du double d'hommes que de femmes ont choisi Nighthawks comme l'œuvre qu'ils aimeraient le plus posséder. Cette majorité pourrait refléter une affinité plus profonde entre le langage visuel sobre de Hopper et le stoïcisme que promeut la masculinité traditionnelle. La peinture ne déclare jamais que ses personnages sont seuls ; au contraire, cela est suggéré par un détachement tranquille et une absence d'émotion manifeste. C'est peut-être la norme culturelle traditionnelle qui décourage les hommes d'exprimer leur vulnérabilité qui fait que cette œuvre résonne plus profondément auprès des spectateurs masculins. De cette manière, la peinture devient non seulement une étude de l'isolement moderne, mais aussi un miroir de la sorte particulière de silence que la masculinité occidentale peut imposer.

Interrogés sur les raisons de leur choix de Nighthawks, les personnes interrogées ont loué à plusieurs reprises Nighthawks pour son réalisme et son ambiance évocatrice, un participant déclarant : « C'est comme une photographie et l'éclairage est magnifique ». Beaucoup ont également souligné son exploration de la solitude : « Il dépeint l'individualisme des gens, chacun a ses propres luttes, dans cette pièce en particulier, cela pourrait être la solitude et le fait d'être déconnecté ». Pourtant, la plus grande force de Nighthawks résidait dans sa profondeur narrative : « Je pourrais me placer dans n'importe quelle peinture de Hopper… il y a plusieurs histoires contenues en une seule œuvre d'art. » Ces réponses révèlent que c'est la narration ouverte de l'œuvre qui invite à la connexion personnelle et en fait l'œuvre la plus désirée au Royaume-Uni.

L'œuvre d'art la troisième plus populaire au Royaume-Uni est The Lady of Shalott (1888) de John William Waterhouse, qui a marqué le renouveau des idéaux préraphaélites à la fin de l'époque victorienne. Waterhouse s'est inspiré du tableau Ophelia de Sir John Everett Millais (huitième œuvre favorite du Royaume-Uni), réinterprétant la figure vulnérable aux cheveux roux vêtue d'une robe blanche dérivant sur l'eau, tout en rendant hommage au poème de 1832 d'Alfred Tennyson, The Lady of Shallot. Dans ce poème arthurien de Tennyson, une demoiselle maudite, recluse dans une tour, ne peut voir le monde qu'à travers les reflets de son miroir et doit tisser ces images miroirs dans sa tapisserie. Lorsqu'elle aperçoit la silhouette chevaleresque de Sir Lancelot, son désir submerge sa prudence et elle se tourne pour lui faire face directement, brisant ainsi les termes de la malédiction. Montant dans une barque et dérivant vers Camelot, elle chante son chant final avant que la malédiction ne lui coûte la vie sur l'eau. Waterhouse met en scène ses derniers instants : la Dame lâchant la chaîne de la barque, les lèvres entrouvertes, la tapisserie qu'elle a tissée s'étalant autour d'elle, et trois bougies, dont deux éteintes, annonçant sa mort imminente.

Parmi les participants britanniques qui souhaitaient acquérir ce chef-d'œuvre, 77,8 % sont des femmes – un schéma qui se reflète à l'échelle mondiale, où The Lady of Shalott s'est également classée troisième, avec une majorité féminine de 82,8 %. Les personnes interrogées au Royaume-Uni ont souvent cité son calme évocateur et sa beauté tragique : « C'est juste tellement beau. On peut sentir le silence de cette rivière », a commenté l'une d'elles, tandis qu'une autre trouvait dans la solitude de la Dame un puissant miroir de ses propres aspirations personnelles. L'œuvre de Waterhouse nous pousse à réfléchir à l'intersection fragile entre l'art, le mythe et le désir humain.

Se classant comme la quatrième œuvre d’art la plus populaire au Royaume-Uni — et en tête des votes à l'échelle mondiale — La Nuit étoilée (1889) de Vincent van Gogh touche les cœurs par sa réinterprétation onirique du monde nocturne. Créée durant son séjour à l'asile Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy, La Nuit étoilée émerge d'une période marquée à la fois par le tumulte et la création. Dans chaque ligne tourbillonnante et chaque étoile lumineuse, l'intensité émotionnelle de Van Gogh résonne. L'artiste avouait que « la vue des étoiles me fait toujours rêver », et ici, il transpose ce rêve dans une matière épaisse d'empâtement et des coups de pinceau amples qui font du ciel nocturne une présence vivante, respirante. Un cyprès en forme de flamme — symbole de la fragilité de la vie et pont entre la terre et les cieux — s'élève depuis le village endormi, attirant le regard du spectateur du calme en contrebas vers le ciel tourmenté d'en haut. Avec ses rythmes gestuels et une palette de bleus cobalt profonds et de jaunes beurrés, le tableau parle directement aux moments personnels d'émerveillement, d'insignifiance et de connexion.

Parmi les collectionneurs britanniques qui affectionnent cette œuvre, 66,7 % sont des femmes, contre 33,3 % d'hommes. Côté générations, La Nuit étoilée séduit davantage les Milléniaux et la Génération X, chacun représentant 33,3 % de ses admirateurs, la Génération Z arrivant à 22,2 % et les Baby-Boomers à 11,1 %.Interrogés sur ce qui motive leur désir de posséder La Nuit étoilée, les réflexions des sondés convergent autour de son rythme hypnotique et de sa profonde empathie. « J'ai été fasciné par le mouvement du ciel », se souvenait un admirateur, tandis qu'un autre décrivait se sentir « intimement lié à quelque chose de plus grand que soi », soulignant comment le ciel lumineux de van Gogh transcende la circonstance individuelle pour représenter une émotion universelle.

Le Baiser (1907-08) de Gustav Klimt occupe la cinquième place au Royaume-Uni, une œuvre née d'une période de controverses et de remises en question. Suite au tollé virulent suscité par ses peintures du plafond de l'Université de Vienne, qualifiées de pornographiques, et son départ de la Sécession viennoise, Klimt dévoila cette œuvre aujourd'hui emblématique lors de la Kunstschau de 1908. Dissimulés sous un somptueux manteau d'or, un couple se tient enlacé au bord d'un précipice, leur étreinte étant à la fois tendre et précaire. Le vêtement de l'homme est gravé de formes géométriques noires et blanches symbolisant la virilité et la force, tandis que la robe de la femme, ornée de cercles et de fleurs délicates, évoque la féminité et la fertilité. Dans ce chatoiement ambivalent, Klimt cristallise l'extase et la vulnérabilité de l'amour.

À l'échelle mondiale, Le Baiser se classe troisième avec une majorité féminine de 78 %, tandis qu'auprès des sondés britanniques, l'œuvre de Klimt séduit également les hommes et les femmes, à hauteur de 44,4 % chacun. Les spectateurs ont été particulièrement attirés par la fusion de l'érotisme et de l'ornementation chez Klimt. Pour beaucoup de nos répondants, la surface dorée et le langage symbolique du tableau offrent à la fois opulence et profondeur : un admirateur a fait remarquer que l'« étreinte maladroite mais passionnée » des amants reflète « la tension entre le désir et la retenue », tandis qu'un autre a confié que l'œuvre de Klimt révèle la capacité de l'art à « rendre l'intimité visible ». Un troisième a décrit comment la composition « donnait l'impression d'un secret révélé » ; le visage caché de l'homme accentuant l'abandon serein de la femme, dont les yeux clos évoquent à la fois la soumission et une libération sublime.

Se classant comme la sixième œuvre d'art la plus populaire au Royaume-Uni, Carnation, Lily, Lily, Rose (1885-6) de John Singer Sargent rayonne de la splendeur éphémère d'un crépuscule victorien tardif, sa toile étant un Éden inventé où l'innocence de l'enfance évolue sans être dérangée. Essentiellement exilé de Paris après son Portrait de Madame X, Sargent s'est réfugié dans le village de Broadway, dans le Worcestershire, peignant Carnation, Lily, Lily, Rose en plein air pour capturer la beauté changeante du crépuscule déclinant. Les deux petites filles, Dolly et Polly Barnard, sont debout en smocks blancs au milieu d'une profusion de roses roses, deœillets jaunes et de lys imposants, leurs lanternes en papier reflétant la fascination propre de Sargent pour le japonisme et l'attention portée aux détails des Préraphaélites.

Dans l'essor des années 1880 en Grande-Bretagne, alors que la richesse tirée de l'empire et de l'industrie alimentait un appétit massif pour l'art, la rêverie crépusculaire de Sargent a captivé le public lors de l'« Summer Exhibition » de la Royal Academy en 1887. Le tableau a polarisé les critiques, mais il a triomphé lorsque la Royal Academy l'a acquis pour le domaine public grâce au Chantrey Bequest. Aujourd'hui encore, les passionnés d'art britanniques restent sous le charme : notre enquête révèle que 74 % des personnes souhaitant le posséder sont des femmes, ses admirateurs étant répartis entre les Milléniaux (44,4 %), la Génération Z (33,3 %) et la Génération X (22,2 %), ce qui témoigne de son attrait transgénérationnel. À l'échelle mondiale, l'œuvre n'est pas apparue dans le Top 10, soulignant une nostalgie britannique particulière pour cette atmosphère crépusculaire éphémère.

Les admirateurs de Carnation, Lily, Lily, Rose mettent en avant sa beauté envoûtante, un répondant évoquant son atmosphère « éthérée, d'un autre monde » et la qualifiant de « parfaite, céleste ». Un autre décrit « la soirée d'été au crépuscule, lorsque toutes les fleurs sont presque lumineuses » et avoue que « chaque fois que je tourne le coin de la Tate Britain, je suis soufflé ». La suspension de l'innocence dans ce tableau résonne profondément auprès des Britanniques qui semblent apprécier l'art qui honore la curiosité de l'enfance. Dans son équilibre délicat entre naturalisme et fantaisie, le chef-d'œuvre de Sargent reste un témoignage de la puissance de la nostalgie et d'un désir d'époques plus simples.

Les œuvres de Claude Monet, et notamment ses Water Lilies, occupent la septième place en termes de popularité au Royaume-Uni. Monet a consacré le dernier quart de siècle de sa vie à peindre le jardin d’eau de Giverny. « Un aspect de la nature contient tout », proclamait-il. Au moment où il a commencé sa célèbre série des Water Lilies en 1897, il avait transformé son domaine en un atelier vivant : il avait dévié une rivière, planté des saules et installé un pont japonais afin de pouvoir entrer directement dans son monde peint. Dans ces œuvres tardives, il abandonne complètement l’horizon conventionnel, inclinant sa toile pour ne capturer que la surface miroir de l’eau, du ciel, des arbres et des fleurs flottantes. Il en résulte une vision du flux de la nature où la peinture devient l’élément qu’elle représente, dissolvant la frontière entre l’apparence et la matière.

Au Royaume-Uni, 67,86 % des personnes ayant choisi les Water Lilies étaient des femmes. Au niveau mondial, le chef-d’œuvre de Monet s’est classé quatrième, avec une majorité féminine quasi identique de 67,9 %. Sur le plan générationnel, l’enthousiasme britannique est également réparti entre les Millennials et la Gen Z (37,5 % chacun), la Gen X représentant le reste (25 %). Interrogés sur la raison pour laquelle ils souhaiteraient posséder une œuvre des Water Lilies, les répondants britanniques citent à la fois le souvenir personnel et un profond sentiment de calme. L’une d’elles a confié que la « joie, le réconfort et la paix » du tableau reflétaient le réconfort des souvenirs d’enfance, tandis qu’une autre évoquait une estampe de sa grand-mère qui « signifiera toujours pour moi l’amour, la sérénité et la maison ». Plusieurs ont souligné l’émotion de voir les originaux en personne : « C’est un tableau devant lequel on peut prendre un moment pour s’arrêter et se perdre ». Dans chaque réponse, le chef-d’œuvre de Monet apparaît comme un sanctuaire qui continue de nourrir les spectateurs par son mélange d’observation et de transcendance.

Se classant au huitième rang au Royaume-Uni, Ophelia (1851-2) de Sir John Everett Millais demeure la référence préraphaélite de la beauté tragique. Sa surface sereine masque l'histoire tumultueuse qu'elle dépeint. Pour la tenue d'Ophelia, Millais avait acheté une robe ancienne brodée d'argent ; son motif floral délicat accentuait sa présence éthérée tout en la maintenant à flot dans ses derniers instants, rendant la scène d'autant plus poignante qu'Elizabeth Siddal, le modèle, a failli succomber à une pneumonie pendant les séances de pose. Autour de son cou et jonchant ses pieds, Millais a incorporé le « langage des fleurs » victorien : des violettes pour la fidélité, des pensées pour l'amour perdu, des marguerites pour l'innocence et des myosotis pour le souvenir. Des orties et des saules — symboles de l'affection oubliée et du chagrin — envahissent la berge, tandis qu'un coquelicot rouge vif annonce le sommeil de la mort. Dans la pure tradition préraphaélite, chaque fleur est rendue avec une précision botanique tout en imprégnant la scène d'un pathos romantique, racontant le moment de la mort mythique d'Ophelia. Les bras ouverts et le regard levé d'Ophelia évoquent à la fois le martyre et l'abandon érotique, rappelant l'iconographie sainte tout en incarnant la fascination romantique pour la fragilité féminine.

Cette vision de la beauté et de la perte a trouvé un écho auprès du public britannique, et parmi eux, Ophelia parle le plus puissamment aux femmes, 82,8 % des admirateurs s'identifiant comme femmes contre 10,3 % comme hommes. Sur le plan générationnel, l'œuvre captive un large éventail : 37,5 % de la Gen Z, 37,5 % de Millennials et 25 % de Gen X, soulignant son attrait intergénérationnel. Les Britanniques interrogés ont cité son intensité émotionnelle : « C'est parfaitement dévastateur, un hymne à l'innocence perdue », a écrit un admirateur, tandis qu'un autre décrivait comment les « couleurs lumineuses » et les « détails méticuleux » du tableau les laissaient à la fois enchantés et troublés.

La popularité d'Ophelia dépasse l'esprit britannique ; elle a laissé sa marque dans le cinéma, la musique et la culture populaire en général. Laurence Olivier avait recréé la composition du tableau dans son Hamlet de 1948 ; le groupe Pearls Before Swine a utilisé Ophelia pour la couverture de son album de 1971, Beautiful Lies You Could Live In ; et dans le clip de « Where the Wild Roses Grow » de Nick Cave & The Bad Seeds, Kylie Minogue reprend la pose submergée d'Ophelia. Chaque hommage témoigne de l'impact de l'équilibre du tableau entre la beauté délicate et l'inéluctabilité tragique. Dans l'attachement durable de la Grande-Bretagne au romantisme et à la renaissance préraphaélite, l'Ophelia de Millais illustre comment l'art peut transmuer le chagrin en tragédie gracieuse.

Les Tournesols (1888-89) de Vincent van Gogh occupent la neuvième place dans le classement britannique. Peinte dans l'air chaud d'Arles, où l'artiste préparait son logis pour l'arrivée de Paul Gauguin, Van Gogh réalisa, sur deux étés, cinq toiles de tournesols en vase pour célébrer l'amitié et exprimer sa gratitude. Il y disposait des boutons, des fleurs épanouies et des têtes flétries, faisant écho à la tradition de la vanitas qui reflète la beauté éphémère de la vie. « Le tournesol est à moi », écrivait van Gogh, et dans ces œuvres, il s'est assurément approprié cette fleur, la transformant en emblème de vitalité et d'impermanence.

Au Royaume-Uni, 83,3 % des votants pour ce Still Life étaient des femmes, contre 16,7 % d'hommes. Interrogés sur les raisons de leur choix pour cette nature morte emblématique, les répondants ont évoqué la catharsis émotionnelle et la réflexion philosophique. Un admirateur a confié : « C'était la première œuvre d'art qui m'a fait pleurer ; elle m'a convaincu que l'art doit être vécu en personne, dans sa forme originale. » Un autre a salué la « technique et les couleurs douces » de van Gogh, tandis qu'un troisième a trouvé du réconfort dans sa représentation honnête de l'imperfection : « Cela reflète la réalité ; être réel, c'est être imparfait. »

Clôturant le top dix britannique, on trouve Sir Frederic Leighton et son œuvre Flaming June (1895), une toile qui cristallise le zénith du classicisme victorien. Initialement commandée comme motif décoratif pour son bas-relief en marbre Summer Slumber, Leighton fut fasciné par le repos sensuel du personnage et décida d'en faire un tableau à l'huile autonome. S'inspirant de la personnification sculpturale de La Nuit par Michel-Ange dans les tombes des Médicis à Florence, Leighton passa des mois à peaufiner la pose du modèle pour atteindre une harmonie parfaite entre la forme et la géométrie. Le résultat est une étude monumentale de l'intensité : les vêtements flamboyants du personnage, ondoyant sous une brise suggérée, l'enveloppent comme un halo lumineux. Une seule branche d'oléandre s'arque au-dessus d'elle, sa toxicité étant un rappel silencieux de l'ambiguïté menaçante entre le sommeil et la mort. En mettant en scène cette rêverie classique, Leighton a livré une image qui invite chaque spectateur dans un tableau suspendu de chaleur, de beauté et d'immobilité imminente.

Flaming June occupe la dixième place au Royaume-Uni ; les femmes constituant 100 % des personnes interrogées. Cette dévotion féminine unanime souligne le mélange puissant de sensualité, de sérénité et du regard féminin que dégage la peinture, faisant écho à l'affinité durable de la Grande-Bretagne pour les idéaux Romantiques et de l'esthétisme. Pour beaucoup, cette œuvre maîtresse de Leighton incarne un aperçu de vulnérabilité implicite : le symbolisme subtil de l'oléandre toxique au-dessus d'elle confère à l'œuvre une tension discrète, une reconnaissance de la fragilité qui peut se dissimuler derrière une apparence sereine. Les admirateurs britanniques décrivent Flaming June comme « vraiment magique ». L'un d'eux a loué « l'atmosphère, les couleurs, le romantisme, je pourrais vivre avec et le regarder pour toujours ». Notre dernière œuvre, Flaming June, évoque un rêve estival sans fin, en équilibre entre l'éveil et le repos.