Art Moderne Britannique et Identité Nationale

Dans le discours historico-artistique, l'art britannique est souvent considéré comme une anomalie dans l'étude de l'évolution de l'art européen moderne. Alors que nos voisins européens étaient davantage préoccupés par l'iconographie religieuse et l'art commandité par des institutions telles que l'Église, l'art britannique a toujours possédé une « altérité » singulière dans l'histoire de l'art, avec des mouvements uniques allant des préraphaélites aux Young British Artists (YBA). Peut-être est-ce dû au fait que nous sommes une île, peut-être à une culture détachée du reste de l'Europe (une vérité bien antérieure au Brexit), ou peut-être parce que l'identité nationale britannique est si étroitement liée à d'autres cultures. Néanmoins, l'art britannique présente une complexité et une singularité, les artistes ayant, au fil de l'histoire, exploré ce que signifie être Britannique et œuvré à établir une culture visuelle spécifiquement britannique.

Des institutions telles que la Tate, le V&A, la Royal Academy of Arts et la National Gallery mettent en valeur l'étendue des talents artistiques de ce pays. Bien que Londres soit indéniablement le foyer de l'art britannique, les galeries et musées à travers le pays prouvent que l'art est une composante essentielle de la culture et du patrimoine britanniques sous ses multiples formes et itérations.

Voici quelques-uns des artistes britanniques majeurs qui ont façonné et reflété la « britonneté » à l'époque moderne, ainsi que les mouvements qu'ils ont cultivés :

Laurence Stephen Lowry (1887-1976) est un artiste britannique emblématique, célèbre pour ses peintures de paysages industriels et de la vie de la classe ouvrière dans le Nord de l'Angleterre. Le style unique de Lowry, avec ses silhouettes filiformes et ses scènes animées, offre une représentation puissante et authentique d'un aspect particulier de l'histoire britannique. Sa palette de couleurs rappelle spécifiquement le smog industriel qui enveloppait la Grande-Bretagne depuis la Révolution industrielle, se concentrant sur le monochrome des paysages urbains. Son œuvre capture l'esprit du passé et du présent industriel de la nation, tout en offrant une réflexion poignante sur l'expérience humaine qui s'y déroule.

Lowry et & Le Jeu Magnifique

Lowry ne s'est pas contenté de défendre l'« homme du peuple » des régions industrielles du Nord ; il a également dépeint le sport le plus populaire de Grande-Bretagne : le football. L'œuvre de Lowry, Going To The Match, par exemple, représente des supporters déambulant autour du club de football des Bolton Wanderers à Burnden Park. Cette œuvre témoigne à la fois de l'admiration fervente de Lowry pour ce sport et de la nature profondément britannique de ce passe-temps. Comme la majorité des œuvres de Lowry, Going To The Match évoque une culture intrinsèquement britannique.

C'est pour cette raison que les œuvres de Lowry sont devenues très prisées et valorisées, en particulier par les collectionneurs basés au Royaume-Uni. Les toiles de Lowry sont étroitement associées au Nord de l'Angleterre, et il demeure l'un des artistes les plus aimés du pays. En 2022, une vive émotion a éclaté lorsqu'une de ses œuvres sur le football a été mise en vente pour un prix record chez Christie's. La crainte que l'œuvre ne soit retirée de la vue du public a déclenché une campagne réussie pour collecter les fonds nécessaires à l'acquisition du tableau pour le grand public, illustrant à quel point sa contribution à l'identité britannique est fondamentale.

Bridget Riley (née en 1931) est une pionnière du mouvement de l'Op Art, qui explore les illusions d'optique et la perception du mouvement dans l'art. Ses œuvres se caractérisent par des motifs géométriques audacieux qui créent une sensation de mouvement et de vibration sur une surface plane. Riley représente une force dynamique dans l'art moderne, repoussant les limites de la perception et interrogeant la nature de l'expérience visuelle. Son style novateur a eu un impact en Grande-Bretagne et au-delà, et a fini par être associé à la sous-culture Mod des années 1960, jouant un rôle essentiel dans le phénomène culturel qu'a été la British Invasion durant les Swinging Sixties.

L'une de ses œuvres fondamentales, Gala (1974), illustre son expérimentation visuelle audacieuse. En explorant des couleurs vibrantes pour imiter le flux dynamique d'une surface prismatique chatoyante, Gala s'impose comme un sommet du mouvement Op Art. Cette pièce iconique a bénéficié d'une attention renouvelée lors de la vente aux enchères "Modern British Art Evening Sale" chez Christie's à Londres en 2022, où elle a largement dépassé son estimation de 3,5 millions de livres sterling, se vendant pour un impressionnant 4,4 millions de livres sterling et établissant un nouveau record aux enchères pour Riley.

La fluidité de son travail témoigne de la nature en constante évolution de l'identité et de la créativité, et elle demeure une figure vénérée dans le monde de l'art. Ses œuvres sont souvent présentées dans des institutions nationales comme la Tate et le Southbank Centre, attirant aussi bien les publics locaux que mondiaux. Après avoir récemment atteint des prix de vente records, sa popularité ne montre aucun signe de fléchissement et elle s'est imposée comme l'une des figures de proue de l'art moderne britannique.

David Hockney (né en 1937) est un artiste polyvalent reconnu pour ses peintures, ses estampes, sa photographie et ses scénographies. Il s'est imposé comme une figure clé du mouvement du Pop Art britannique dans les années 1960. L'œuvre de Hockney intègre souvent des éléments de la culture et des paysages britanniques, faisant de lui une figure importante dans l'exploration de l'identité nationale à travers l'art. Son style vif et coloré et sa volonté d'expérimenter de nouvelles techniques témoignent de la nature dynamique de l'Art Moderne britannique.

La cote de Hockney n'a cessé de croître sur le marché, et il est brièvement devenu l'artiste vivant le plus cher en 2018. Ses œuvres sont appréciées tant par les collectionneurs que par les institutions, illustrant la pérennité de sa popularité depuis les années 1960. Hockney a véritablement adapté le mouvement Pop Art pour le public britannique et a affirmé la position du Royaume-Uni dans le monde de l'art tout au long de sa carrière pionnière.

Harland Miller (né en 1964) est un peintre et écrivain britannique connu pour ses peintures monumentales et satiriques inspirées des couvertures des livres classiques Penguin. Les œuvres de Miller explorent avec espièglerie la culture littéraire britannique et son rôle dans le façonnement de l'identité nationale, tout en faisant des clins d'œil à sa ville natale, York. Ses réinterprétations spirituelles, ironiques et provocatrices des couvertures de livres invitent le spectateur à revoir ses perceptions de l'« identité britannique », tout en dialoguant avec le riche patrimoine culturel de la nation.

Les œuvres de Miller incitent également le spectateur à considérer les liens entre l'art « noble » et l'art « populaire », interrogeant la distinction entre un peintre et un illustrateur de couvertures de livres, et méditant sur les parallèles entre l'art et le mot écrit. Bien que le style de Miller ait été imité par beaucoup, ses œuvres possèdent une rugosité (grittiness) bien particulière : un véritable témoignage de l'amour des Britanniques pour l'ironie et la satire.

Damien Hirst

Damien Hirst (né en 1965) est une figure de proue du mouvement des Young British Artists (YBA) apparu dans les années 1990. Ses œuvres et son rôle de promoteur ont contribué à façonner et à définir la scène de l'art contemporain britannique moderne, grâce à une approche nouvelle et entrepreneuriale de leur pratique. Les œuvres provocatrices et controversées de Hirst, telles que les animaux conservés dans du formol et les présentations complexes de pilules pharmaceutiques, abordent les thèmes de la mortalité, du consumérisme et de la condition humaine. Son travail force un dialogue sur la société britannique et ses valeurs, remettant en question le statu quo et repoussant les limites de ce qui est considéré comme de l'art. Ses œuvres atteignent souvent les meilleurs prix sur le marché et sont exposées à l'international, ce qui fait de lui l'un des artistes les plus influents au monde.

Tracey Emin

Tracey Emin (née en 1963) est un autre membre influent du mouvement YBA, connue pour ses œuvres profondément personnelles et confessionnelles. Le travail d'Emin aborde souvent les thèmes de l'amour, de la perte et de la sexualité, invitant les spectateurs à s'engager avec des aspects intimes de l'expérience humaine. Ses pièces – comme la tristement célèbre installation My Bed – remettent en question les notions conventionnelles de l'art et brouillent les frontières entre le public et le privé, tandis que ses œuvres au néon opposent un médium très visible à ses pensées les plus intimes. L'approche audacieuse et sans complexe d'Emin face à l'art reflète un esprit de défi et d'expression de soi, souvent en contradiction avec les normes culturelles britanniques de bienséance.

Par sa vulnérabilité, Emin conteste l'idée du « stiff upper lip » [garder une contenance], encourageant des conversations émotionnelles et personnelles entre son art et le spectateur. Cela s'est répercuté positivement sur sa valeur marchande, les acheteurs appréciant un aperçu de la psyché de l'artiste.

Henry Moore (1898-1986) était un sculpteur majeur dont les œuvres abstraites de grande envergure ont transformé l'art public au Royaume-Uni au XXe siècle. Diplômé du Royal College of Art, il fut l'un des premiers artistes britanniques à connaître une renommée mondiale. Les sculptures de Moore sont aujourd'hui des symboles emblématiques de l'esthétique et de l'identité britanniques, s'inspirant souvent de la forme humaine, des formes préhistoriques et du paysage naturel. Son engagement à créer un art public accessible a eu un impact durable sur la scène nationale, favorisant un sentiment de patrimoine culturel et de fierté partagés.

À ce jour, l'art demeure un élément essentiel de la sphère culturelle publique britannique, des organisations caritatives comme ArtFund contribuant à le maintenir gratuit et accessible à tous. Le vif désir de préserver les sculptures publiques de Moore témoigne de leur importance dans l'histoire et la culture de l'après-guerre, ainsi que de leur rôle durable dans la culture visuelle britannique.

Grayson Perry (né en 1960) a fait plus que la plupart pour élargir la définition de l'art britannique. Œuvrant dans la céramique, la tapisserie, l'estampe et la télévision, il utilise l'artisanat comme un vecteur de réflexion sérieuse. Ses pots en céramique – émaillés de dessins autobiographiques, d'observations sociales et de satires pleines d'esprit – sont à la fois magnifiques et provocateurs. Les tapisseries (notamment The Vanity of Small Differences) revisitent La Carrière d'un libertin de Hogarth, retraçant comment le goût signale la classe sociale, l'aspiration et la honte.

Perry est également un commentateur passionné de la culture britannique. Des conférences Reith à l'émission Grayson’s Art Club, il a soutenu que l'art est un langage commun pour un pays complexe. Son alter ego, Claire, ainsi que son acceptation décomplexée de la vulnérabilité et de l'humour, percent la bienséance britannique sans pour autant la mépriser.

Banksy est l'un des artistes britanniques les plus reconnaissables du XXIe siècle, et l'un des plus insaisissables. Ses street art – pince-sans-rire, anti-autoritaire, souvent d'une tendresse inattendue – ont transformé les murs, les ponts et les parcs d'attractions en scènes de débat national. D'Kate Moss à Queen Victoria, son imagerie explore le mythe britannique, le faste et le sentiment populaire.

Banksy interroge l'origine de la valeur d'une œuvre : réside-t-elle dans l'objet, l'acte ou l'histoire ? La déchiquetage de Girl with Balloon en salle des ventes (rebaptisée Love is in the Bin) a raillé le spectacle tout en amplifiant sa propre légende. Son travail insiste sur le fait que l'espace public n'est jamais neutre – il est contesté, et le public y a son mot à dire. Les traits britanniques sont ici indéniables : la satire au sérieux, le côté espiègle comme argument moral, et une préférence pour la rue plutôt que pour la galerie. L'authentification par Pest Control, les conflits entre les municipalités, les collectionneurs et les communautés, ainsi que la rapidité de la réaction publique confirment que l'arène de Banksy n'est pas seulement le marché de l'art, mais bien la conversation nationale.

L'art moderne britannique a joué un rôle essentiel dans le façonnement et le reflet de l'identité nationale, des artistes comme Lowry, Hockney, Hirst et Emin offrant des perspectives uniques sur l'évolution de la société britannique. L'avenir de l'art britannique s'annonce prometteur, avec une nouvelle génération d'artistes explorant les thèmes de l'identité nationale, de la politique et de la société de manière innovante.

Alors que le Royaume-Uni navigue dans les complexités du monde moderne et les conséquences du Brexit, les artistes continueront de repousser les limites et de remettre en question les notions conventionnelles de ce que signifie être Britannique. Avec le soutien d'un marché de l'art dynamique, de galeries et de musées, l'art britannique conservera son rôle important dans la définition et le reflet de l'identité de la nation.