Les grandes expositions de David Hockney

La première exposition personnelle de David Hockney a eu lieu en 1963, un an seulement après l’obtention de son diplôme du Royal College of Art, à la galerie Kasmin Limited à Londres.

Ayant rencontré David Hockney en 1961 après avoir acheté une de ses œuvres présentées à l’exposition « Young Contemporaries » du RCA cette même année, le célèbre galeriste John Kasmin décrivit l’artiste comme un jeune homme timide, sans le sou et aux cheveux noirs. Kasmin fut toutefois tellement impressionné par le talent de l’étudiant qu’il accepta de représenter ses œuvres pour les trois années suivantes. L’exposition qui en résulta, incluant des peintures et des esquisses réalisées par David Hockney lors d’un voyage en Égypte plus tôt dans l’année, fut un succès commercial acclamé par la critique.

La première grande rétrospective des premières œuvres de Hockney a ouvert ses portes à la Whitechapel Gallery de Londres en avril 1970, avant de voyager dans trois autres institutions européennes. David Hockney lui-même, désormais reconnaissable à ses cheveux blond platine, avait participé à la sélection des 45 peintures et 47 dessins présentés. Il s'était cependant enfui en France pendant l'installation, ne revenant que la veille de l'ouverture de l'exposition, craignant que ses premières œuvres « n'aie l'air terribles ». Après avoir vu l'exposition, il avait finalement jugé qu'« elles n'étaient pas si mal ».

L'exposition, qui célébrait les dix premières années de la carrière de Hockney, incluait Le Parc des Sources, Vichy, un portrait de son amant Peter Schlesinger et de son ami Ossie Clark assis, le dos tourné, dans un parc français bien entretenu, ainsi que Four Different Kinds of Water et Savings and Loan Building, des images plus reconnaissables inspirées de ses années en Californie du Sud.

En 1975, David Hockney fut chargé par le Festival d'Opéra de Glyndebourne de concevoir les décors et les costumes pour une production de The Rake’s Progress, un opéra d'avant-garde en trois actes d'Igor Stravinsky.

Ayant déjà créé ses propres eaux-fortes sous le même titre, elles-mêmes inspirées par la série de gravures de William Hogarth datant de 1735, David Hockney était parfaitement qualifié pour cette mission — reproduisant les estampes originales par l'utilisation ingénieuse de techniques de gravure typiques comme le hachurage croisé et les lignes parallèles. Le résultat fut une scénographie ludique et fantaisiste, qui correspondait bien au livret absurde de l'opéra, écrit par W. H. Auden et Chester Kallman.

Ce projet, la première de nombreuses incursions dans le monde du théâtre, de l'opéra et du ballet, démontra la polyvalence de Hockney et lui permit un bref répit loin de la peinture. « J'ai dit il y a longtemps que je considérais toute ma peinture comme du théâtre », expliqua Hockney, décrivant ses trois années de travail dans le théâtre comme « une autre libération, un nouvel espace pour moi ».

La deuxième rétrospective majeure de Hockney a eu lieu dix-huit ans après la première, présentée au Los Angeles County Museum en Californie. Composée de 250 peintures, estampes, dessins et photographies, cette collection est devenue l'exposition qui a attiré le plus de visiteurs de l'histoire du LACMA, avant d'être présentée au Metropolitan Museum Of Art à New York, puis à la Tate Gallery à Londres.

L'ode panoramique de Hockney à son trajet quotidien entre son domicile et son atelier, Mulholland Drive: The Road to the Studio, occupait une place de choix dans l'exposition – il s'agit de la plus grande peinture de Hockney sur une toile unique. L'œuvre, achevée en 1980, comptait parmi les nombreuses créations inspirées par le grand amour de l'artiste pour les piscines baignées de soleil de Los Angeles, ses autoroutes aux courbes douces et ses paysages luxuriants. Ses couleurs vives, coupées par des routes sinueuses, obligent le spectateur à parcourir l'œuvre visuellement, comme une voiture traverserait la campagne de Californie du Sud. « On traverse la peinture », expliquait Hockney, « ou du moins l'œil le fait, et la vitesse à laquelle cela se produit est à peu près celle de la voiture qui roule sur la route. C'est ainsi que vous la vivez. »

La première grande exposition de portraits de Hockney a débuté au Museum of Fine Arts de Boston en 2006, avant de voyager au LACMA et à la National Portrait Gallery de Londres avant la fin de l'année.

Cette exposition, qui proposait un panorama de la carrière de Hockney à travers la chronique de ses relations publiques et privées, réunissait plus de 250 œuvres et témoignait de l'étendue et de l'inventivité de son style artistique sur une période de cinq décennies. Les portraits représentaient Hockney lui-même, ses amis proches et sa famille, ainsi que les diverses icônes culturelles qu'il fréquentait, notamment W. H. Auden, Christopher Isherwood et Andy Warhol.

David Hockney a refusé l'idée d'une rétrospective pour l'exposition de ses œuvres à la Royal Academy of Arts en 2012, choisissant plutôt de centrer l'exposition sur ses paysages du Yorkshire de l'Est.

Certaines des plus de 150 œuvres occupaient des murs entiers de la galerie, dépeignant les arbres verdoyants et les tunnels du Yorkshire natal de Hockney. Parmi les aquarelles et les peintures à l'huile plus traditionnelles figuraient des pièces créées avec le nouveau médium de prédilection de Hockney : l'iPad.

Bien que l'exposition n'ait duré que trois mois, A Bigger Picture est devenue l'une des expositions les plus fréquentées de l'histoire britannique, attirant pas moins de 600 000 visiteurs. La même année, Hockney a reçu l'Ordre du Mérite de Sa Majesté la Reine Elizabeth II, la plus haute distinction pour les réalisations artistiques, détenue par seulement 23 autres personnalités vivantes.

82 Portraits and 1 Still-Life a été inaugurée à la Royal Academy of Arts en 2016, concrétisant une série de portraits sur laquelle Hockney avait commencé à travailler trois ans plus tôt.

Le retour de Hockney au portrait a commencé par une ressemblance de son responsable d’atelier, puis s’est épanoui pour inclure une galerie hétéroclite de membres de sa famille, d’amis, d’autres artistes, de conservateurs et de galeristes. Chaque tableau a les mêmes dimensions, représente le modèle assis sur la même chaise, devant le même fond bleu saisissant, et a été achevé en trois jours.

David Hockney considérait cette installation comme une œuvre d'art unique, un instantané du monde de l'art de Los Angeles dans lequel il s'était retiré après ses expositions monumentales de paysages du début des années 2010. Témoignant du sens de l'humour bien particulier de Hockney, la seule nature morte de l'exposition — une collection de fruits et légumes disposés sur un banc — a été peinte pour remplacer un modèle qui s'était désisté à la dernière minute.

Pour célébrer ses 80 ans, Hockney a finalement accepté une rétrospective couvrant toute sa carrière, au lieu des expositions thématiques centrées sur ses œuvres plus récentes qu'il avait toujours privilégiées auparavant.

Co-organisée par la Tate Britain, le Centre Pompidou et le Met, cette rétrospective présentait un large éventail d'œuvres allant de 1953 à 2017, et est rapidement devenue l'une des expositions monographiques les plus visitées de tous les temps. Des œuvres plus abstraites de ses années d'études côtoyaient ses paysages du Yorkshire, ses Photo Collages, un ou deux Self Portrait, ainsi que les scènes reconnaissables et éclatantes de nageurs californiens peu vêtus.

Au printemps et à l'été 2022, l'utilisation par Hockney des nouvelles technologies a fait l'objet d'une exposition majeure, intitulée Hockney’s Eye, présentée à la fois au Fitzwilliam Museum et à la Heong Gallery à Cambridge. Une confrontation saisissante avec des artistes tels qu'Andy Warhol, Claude Monet et John Constable, les œuvres révolutionnaires de Hockney ont été exposées aux côtés de celles du canon de l'histoire de l'art auxquelles elles font référence. La nouvelle exposition présentait les dessins et peintures de Hockney, depuis le début de sa carrière jusqu'à nos jours.

Qu'est-ce qui rend cette exposition unique ? C'est la première à explorer les images, la création d'images et les œuvres d'art numériques à travers le regard de Hockney, et elle comprend des portraits, des paysages, différentes approches de la perspective, son usage de la chambre claire et une camera obscura grandeur nature.

De novembre 2023 à mars 2024, Perspective Should Be Reversed au Honolulu Museum of Art a constitué la plus grande exposition consacrée aux estampes de la carrière de Hockney. Cette rétrospective complète explorait la réinterprétation continue par Hockney de la perception visuelle et de la perspective, couvrant six décennies d'œuvres, des années 1950 jusqu'à 2022. Avec près de 200 pièces, l'exposition présentait un éventail de médiums, des estampes traditionnelles et des collages Polaroid aux dessins sur iPhone et **iPad Drawings**. Les commissaires Katherine **Love** et Catherine Whitney ont organisé la collection en sections thématiques reflétant l'exploration par Hockney des dualités au sein de son travail, telles que **Interiors and Exteriors**, équilibre et tension. Des œuvres notables comme Landscape with Shadows et Rain on the Pond ont souligné l'intégration magistrale du cubisme par Hockney ainsi que son intérêt évolutif pour les médias numériques, révélant sa fascination persistante pour la capture de l'expérience de voir plusieurs perspectives simultanément. Perspective Should Be Reversed a offert aux visiteurs un voyage saisissant à travers l'utilisation révolutionnaire de la perspective et de la technologie par Hockney, offrant un aperçu de l'impact durable de l'artiste sur l'art contemporain.

Après sa première à Honolulu, Perspective Should Be Reversed voyagera au Palm Springs Art Museum, en Californie, de novembre 2024 à mars 2025. L'exposition continuera d'offrir au public un regard approfondi sur les innovations de Hockney en matière de perspective et son usage dynamique de la multimédia tout au long de sa vaste carrière.