Les 5 œuvres les plus célèbres de David Hockney

Dans cet article, nous examinons cinq des peintures les plus célèbres de Hockney afin de retracer l'évolution du style, des sujets et du processus créatif de l'artiste, depuis ses débuts dans le Londres bohème des années 1960 jusqu'à ses représentations colorées de la Californie, en passant par les portraits plus sombres de ses parents, réalisés peu avant leur disparition.

La pertinence culturelle durable de Hockney a été réaffirmée ces dernières années par une vague renouvelée d'expositions institutionnelles majeures. En 2025, « David Hockney 25 » à la Fondation Louis Vuitton à Paris a réuni plus de 400 œuvres couvrant sept décennies, marquant la plus grande rétrospective jamais consacrée à l'artiste. Parallèlement à cet événement, l'exposition immersive « David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) » a poursuivi sa tournée internationale, initiant de nouveaux publics à ses expérimentations de toujours sur la perception, la technologie et les manières de voir.

Après la disparition de Hockney en 2026, cet héritage artistique se consolidera davantage à mesure que les collectionneurs, les spécialistes et les institutions évalueront sa place au sein du canon. En 2027, la Tate prévoit d'organiser à Londres un double événement majeur consacré à Hockney, réparti entre la Tate Britain et la Tate Modern. Il est également probable que d'autres programmes d'expositions verront le jour à travers le monde pour commémorer la vie et l'héritage de Hockney.

Après avoir connu un succès inédit à Londres, où il venait de vendre son œuvre « A Rake’s Progress » (1963) – une relecture contemporaine de la série éponyme de Hogarth – pour une somme importante, Hockney a transféré son atelier du Londres morose de l’après-guerre vers la Californie glamour. Il y a découvert une atmosphère de libération sexuelle ; alors que l’homosexualité était encore illégale au Royaume-Uni, la culture gay était en plein essor à Los Angeles, offrant à Hockney une plus grande liberté tant artistique que personnelle. « La piscine est devenue un motif emblématique des peintures de Hockney », incarnant l’exubérance, la richesse et l’intrigue sexuelle de la culture américaine.

Dans « The Splash », les tons lumineux de la toile donnent vie au paysage californien, et le style réaliste de l’éclaboussure confère à l'œuvre un sentiment d'immédiateté, tout en laissant au spectateur l'impression d'avoir manqué l'action de justesse.

En 2006, « The Splash » a été adjugé 2,9 millions de livres sterling à un acquéreur anonyme. L’œuvre a par la suite été revendue en 2020 lors d'une vente aux enchères chez Sotheby’s à Londres à un acheteur anonyme pour « la somme princière de 23,1 millions de livres sterling ». À mesure que la demande pour des œuvres de grande valeur a progressé, la cote de Hockney a suivi cette tendance, comme en témoigne la vente en 2018 de son « Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) » pour plus de 70 millions de livres sterling, établissant alors un record aux enchères pour un artiste vivant.

Si la vente du « Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) » en 2018 a marqué un sommet historique, le marché de Hockney a continué de faire preuve de profondeur plutôt que de volatilité. La demande reste la plus forte pour les peintures californiennes de la première période et les doubles portraits psychologiquement denses, soutenue par une dynamique durable sur le marché des estampes. Cela a été souligné en octobre 2025, lorsqu’une « vente dédiée chez Sotheby’s » d’œuvres issues de la série « The Arrival of Spring » a enregistré un taux de vente élevé et dépassé les estimations, réaffirmant la confiance à long terme des collectionneurs envers les corpus d'œuvres les plus reconnaissables de Hockney.

Bien que Hockney résidât en Californie au moment de la création de cette œuvre, il restait profondément ancré dans la scène bohème du Londres des années 1960 et 1970, comme en témoigne le sujet du portrait. Le tableau dépeint le créateur de mode Ossie Clark et la créatrice textile Celia Birtwell dans leur appartement de Notting Hill Gate, peu après leur mariage, dont Hockney fut le témoin.

À l'instar de nombreuses représentations de Londres par Hockney, les couleurs du tableau sont plutôt atténuées et les figures sont peintes contre jour, les vêtements sombres mais élégants du couple et le décor intérieur contrastant avec la clarté du pelage du chat. Les volets entrouverts, qui laissent deviner un balcon ensoleillé et un arbre en contrebas, offrent un aperçu du monde extérieur à cette pièce plongée dans la pénombre. L'œuvre est souvent perçue comme un rappel des célèbres « Époux Arnolfini » (1434) du peintre de la Renaissance flamande Jan van Eyck, où un petit chien repose aux pieds du couple. La version de Hockney transpose cette représentation classique de l'amour et de la fidélité dans le cadre prestigieux de la scène artistique londonienne des années 1970, dont la palette sombre confère une atmosphère quelque peu mélancolique à la composition.

Bien que cette peinture conserve la palette chromatique vive caractéristique des tableaux de piscines de Hockney, son sujet s'avère bien plus sombre. Hockney résidait à Paris à l'époque de la réalisation de cette œuvre, qu'il acheva lors d'un séjour à Bradford. La représentation de ses parents semble empreinte d'une certaine tension ; alors que sa mère fixe directement l'« objectif » du tableau, son père (disparu un an seulement après l'achèvement de l'œuvre) est penché sur un livre, son visage partiellement dissimulé par sa posture.

La couleur joue également un rôle déterminant dans la caractérisation des personnages, le bleu éclatant de la robe de la mère, du mobilier et des fleurs contrastant avec la sobriété relative des vêtements du père. La distance entre les deux figures et la divergence de leurs regards témoignent d'un sentiment d'isolement et de retenue, reflétant peut-être la perception que Hockney avait alors de son foyer, à la lumière de ses expériences à Paris et en Californie.

Peint en 1968, « Christopher Isherwood and Don Bachardy » marque un moment charnière de la période californienne de David Hockney, alliant portrait, visibilité queer et cette psychologie feutrée qui allait définir son style de maturité. Ce double portrait de grand format dépeint l'écrivain Christopher Isherwood et l'artiste Don Bachardy, partenaires pendant plus de trois décennies, assis côte à côte mais subtilement distants. Bien que physiquement proches, les personnages ne soutiennent pas le regard l'un de l'autre, créant une tension émotionnelle empreinte d'une distance qui semble délibérée.

Les aplats de couleurs, l'intérieur minimaliste et la palette sobre reflètent l'intérêt croissant de l'artiste pour la clarté et la maîtrise compositionnelle, s'éloignant des textures expressives de ses œuvres antérieures. Isherwood paraît pensif, tandis que Bachardy, de trente ans son cadet, regarde vers l'extérieur avec une certaine vivacité. Le déséquilibre dans l'âge, l'expérience et le tempérament est ancré dans la structure même de la peinture, faisant de cette œuvre une étude sur la dynamique relationnelle tout autant qu'une ressemblance.

Comptant parmi les portraits les plus significatifs de David Hockney à la fin des années 1960, « Christopher Isherwood and Don Bachardy » revêt également une importance culturelle plus large. À une époque où les relations homosexuelles étaient rarement représentées avec sérieux, David Hockney présente le couple sans symbolisme ni spectacle. Il en résulte une peinture qui semble à la fois intime et moderne. Au sein du corpus des portraits de David Hockney, elle s'impose comme une œuvre phare qui affirme, avec calme et retenue, l'amour, le partenariat et l'identité dans la sérénité baignée de soleil de son univers californien.