Les 5 œuvres les plus célèbres de David Hockney

Dans cet article, nous examinons cinq des œuvres peintes les plus célèbres de Hockney pour retracer l'évolution de son style, de ses sujets et de son processus, depuis ses débuts dans le Londres bohème des années 1960 jusqu'à ses représentations colorées de la Californie, en passant par les portraits plus sombres de ses parents juste avant leur mort.

La pertinence culturelle durable de Hockney a été réaffirmée ces dernières années par une nouvelle vague de grandes expositions institutionnelles. En 2025, l'exposition « David Hockney 25 » à la Fondation Louis Vuitton à Paris a réuni plus de 400 œuvres couvrant sept décennies, marquant la plus grande rétrospective jamais consacrée à l'artiste. Parallèlement à cette exposition, la présentation immersive « David Hockney: Bigger & Closer (not smaller & further away) » a continué de tourner à l'international, faisant découvrir à de nouveaux publics ses expérimentations tout au long de sa vie avec la perception, la technologie et les façons de voir.

Après avoir connu un succès retentissant à Londres, où il venait de vendre une œuvre intitulée A Rake’s Progress (1963) – une réinterprétation contemporaine de la série du même nom de Hogarth – pour une somme importante, Hockney délaissa le Londres morne de l'après-guerre pour la Californie glamour. Il y découvrit une atmosphère de libération sexuelle ; alors que l'homosexualité était toujours illégale au Royaume-Uni, la culture gay était florissante à Los Angeles, offrant à Hockney une plus grande liberté, tant artistique que personnelle. La piscine devint un motif emblématique des peintures de Hockney, symbolisant l'exubérance, la richesse et les intrigues sexuelles de la culture américaine.

Dans The Splash, les couleurs vives insufflent vie au paysage californien, et le style réaliste de l'éclaboussure elle-même confère au tableau un sentiment d'immédiateté, tout en donnant l'impression que le spectateur vient de manquer l'action.

En 2006, The Splash fut vendu 2,9 millions de livres sterling à un acheteur anonyme. L'œuvre fut revendue en 2020 lors d'une vente aux enchères chez Sotheby’s à Londres à un acheteur anonyme pour la somme princière de 23,1 millions de livres sterling. Alors que la demande pour les œuvres d'art de grande valeur a explosé, la valeur marchande de Hockney a suivi la même courbe, comme l'illustre la vente en 2018 de son œuvre Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) (Portrait d'un artiste (Piscine avec deux figures)), vendue pour plus de 70 millions de livres sterling, établissant alors un record aux enchères pour un artiste vivant.

Si la vente de 2018 de Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) a marqué un sommet historique, le marché de Hockney a continué de faire preuve de profondeur plutôt que de volatilité. La demande reste la plus forte pour ses premières peintures californiennes et ses doubles portraits psychologiquement chargés, soutenue par un élan continu sur le marché des estampes. Cela a été souligné en octobre 2025, lorsqu'une vente dédiée chez Sotheby’s d'œuvres issues de la série The Arrival of Spring a enregistré un taux de réussite élevé et a dépassé les attentes d'avant-vente, réaffirmant la confiance des collectionneurs à long terme dans les corpus d'œuvres les plus reconnaissables de Hockney.

Bien que David Hockney résidât en Californie au moment de la création de cette peinture, il restait profondément ancré dans la scène bohème londonienne des années 1960 et 1970, comme le suggère le sujet du portrait. L’œuvre dépeint le créateur de mode Ossie Clark et la créatrice de textiles Celia Birtwell dans leur appartement de Notting Hill Gate, peu de temps après leur mariage, dont Hockney était le témoin.

Comme dans beaucoup de représentations de Londres par Hockney, les couleurs du tableau sont plutôt atténuées et les figures sont peintes contre jour, les vêtements glamour mais sombres du couple et la décoration intérieure contrastant avec l'éclat de la fourrure du chat. Les volets mi-clos, qui s’entrouvrent légèrement pour révéler un balcon ensoleillé et un arbre en contrebas, donnent un aperçu d’un monde extérieur à la pièce plongée dans la pénombre. On pense souvent que cette peinture rappelle le célèbre Arnolfini Marriage (1434) du peintre de la Renaissance flamande Jan Van Eyck, où un petit chien repose aux pieds du couple. La version de Hockney transpose cette représentation classique de l’amour et de la fidélité dans le contexte glamour de la scène artistique londonienne des années 1970, dont la palette sombre jette un air quelque peu mélancolique sur l’ensemble.

Bien que ce tableau conserve la palette de couleurs vives des peintures de piscines de Hockney, son sujet est bien plus sombre. Hockney vivait à Paris au moment de la réalisation de l'œuvre, qu'il a achevée lors d'une visite à Bradford. La représentation de ses parents semble légèrement tendue ; alors que sa mère fixe directement l'« objectif » du tableau, son père (qui est décédé un an seulement après l'achèvement de l'œuvre) est penché sur un livre, son visage étant partiellement masqué par sa posture.

La couleur joue également un rôle important dans leur caractérisation, le bleu vif de la robe de sa mère, du mobilier et des fleurs contrastant avec la grisaille relative des vêtements de son père. La distance entre les deux figures et leurs regards différents évoquent l'isolement et la retenue, reflétant peut-être la perception qu'avait Hockney de son foyer à la lumière du Paris et de la Californie libérés.

Peint en 1968, Christopher Isherwood and Don Bachardy marque une étape cruciale dans la période californienne de Hockney, réunissant le portrait, la visibilité queer et la psychologie subtile qui définiront son style mûr. Ce double portrait de grand format représente l'écrivain Christopher Isherwood et l'artiste Don Bachardy, partenaires pendant plus de trois décennies, assis côte à côte mais subtilement distants. Bien que physiquement proches, les figures ne se regardent pas, créant une distance émotionnelle palpable qui semble délibérée.

Les aplats de couleur, l'intérieur minimaliste et la palette retenue reflètent son intérêt croissant pour la clarté et le contrôle compositionnel, s'éloignant des textures expressives de ses premières œuvres. Isherwood apparaît pensif, tandis que Bachardy, plus jeune de trente ans, regarde vers l'extérieur avec une certaine vivacité. Le déséquilibre d'âge, d'expérience et de tempérament est inscrit dans la structure du tableau, ce qui en fait une étude des dynamiques relationnelles autant qu'une simple ressemblance.

Considéré comme l'un des portraits les plus importants de David Hockney de la fin des années 1960, Christopher Isherwood and Don Bachardy revêt également un poids culturel plus large. À une époque où les relations homosexuelles étaient rarement représentées avec sérieux, Hockney présente le couple sans symbolisme ni spectaculaire. Il en résulte une œuvre qui se veut intime mais moderne. Dans le canon des portraits de David Hockney, ce tableau s'impose comme une œuvre marquante qui affirme avec retenue l'amour, le partenariat et l'identité au sein du calme ensoleillé de son univers californien.