Les techniques artistiques de David Hockney : technologie, médias et photographie

David Hockney : toujours à la recherche de nouvelles façons de voir

Interrogé dans une interview des années 1980 sur ce qui expliquait sa popularité, David Hockney répondait : « Je m'intéresse aux manières de regarder et j'essaie d'y réfléchir de manière simple… Tout le monde peut regarder. C'est juste une question de l'effort qu'ils sont prêts à fournir pour regarder, n'est-ce pas ? »

Il n'a jamais cessé de se demander comment nous voyons – et surtout, comment nous pourrions voir différemment. Que ce soit avec des pinceaux, des Polaroïds, des télécopieurs ou des iPads, Hockney passe depuis des décennies à explorer de nouvelles façons de capturer le temps et l'espace. Et bien avant que l'art numérique ne devienne le mot à la mode qu'il est aujourd'hui, il traitait déjà la technologie non pas comme une menace pour la tradition, mais comme un nouveau médium pour traduire le monde tel qu'il le perçoit.

Hockney affirme travailler tous les jours ; il n'est donc pas étonnant qu'il cherche constamment à innover dans sa pratique. Depuis qu'il a établi son style personnel, il a su s'approprier des technologies familières pour les pousser vers des fins artistiques nouvelles et originales. Vers le début des années 1980, Hockney a inventé ce qu'il appelait les « joiners » (raccords), des collages photographiques grand format réalisés en assemblant des dizaines (parfois des centaines) de clichés distincts en une seule image. Ceux-ci commençaient par des instantanés Polaroid et des tirages 35 mm d'une scène, que Hockney disposait manuellement comme un patchwork. Contrairement à une photographie unique, qui fige un seul instantané sous un point de vue unique, ses joiners révèlent une scène sous de multiples perspectives et moments, brouillant la frontière entre la photographie fixe et le film d'animation. Hockney estimait que cette technique était « plus proche de la façon dont l'œil voit réellement » – non pas comme une seule image fixe, mais comme une succession de regards et de changements de mise au point.

En 1986, il a commencé à utiliser un photocopieur comme une véritable presse à estamper, créant ses Home Made Prints. Il abordait la machine de bureau comme une presse d'impression avec laquelle il pouvait créer, découvrant qu'il pouvait superposer les couleurs en passant les images à travers des cartouches de toner monochromes de manière répétée, échangeant les couleurs pour construire l'image. Soudain, le processus de gravure ou d'estampe, autrefois lent et nécessitant l'aide d'un technicien, est devenu beaucoup plus spontané et solitaire. En raison de l'immédiateté du médium, Hockney a déclaré que c'était ce qui se rapprochait le plus de la peinture dans le domaine de l'estampe. Cela a également produit de nouvelles textures visuelles dans son travail grâce aux effets tramés légèrement granulés du copieur, qui sont devenus une partie intégrante de l'attrait général de l'œuvre.

Clairement, à cette époque d'engouement pour le matériel de bureau, l'intérêt de Hockney a été piqué même par le télécopieur (fax). À la fin des années 80, la technologie du fax servait principalement à transmettre des documents commerciaux par ligne téléphonique. Dans cela, Hockney a vu une occasion ludique d'envoyer par fax des dessins à ses amis. Cette expérience enjouée a rapidement conduit à une idée plus vaste : pourquoi ne pas envoyer de l'art à longue distance via les lignes téléphoniques ? En 1989, invité à exposer à la Biennale de São Paulo, Hockney a participé à distance par fax. Au lieu d'expédier des œuvres physiques au Brésil, il a créé des compositions télécopiables via la ligne téléphonique pour qu'elles soient assemblées sur place. Cet exercice soulève des questions tant sur la manière dont les artistes créent leurs œuvres que sur la façon dont ils les partagent avec le public.

Son véritable tournant au XXIe siècle est survenu après l'adoption de l'iPhone et de l'iPad. Dès la sortie du premier iPhone, Hockney était intrigué par ses possibilités. Dès 2009, il dessinait sur l'iPhone en utilisant l'application Brushes, esquissant de tout, des fleurs aux couchers de soleil, rien qu'avec son doigt sur le petit écran. Il a transformé l'iPhone en son carnet de croquis numérique, plus portable et immédiat que n'importe quel média traditionnel.

Lorsque l'iPad est sorti en 2010, il l'a adopté avec enthousiasme et s'est délecté de la taille élargie de la « toile » et de la plus grande précision qu'il offrait. Il a dit une fois : « parfois, je suis tellement emporté que j'essuie mes doigts à la fin en pensant que j'ai de la peinture dessus », montrant à quel point l'expérience est tactile et évocatrice pour lui.

L'iPad a donné naissance à certains des plus grands corpus d'estampes de Hockney, tant en échelle qu'en nombre, comme sa suite Yosemite Suite et la très célèbre série Arrival of Spring. L’Arrival of Spring dépeint le paysage rural du Yorkshire passant de la fin de l'hiver au printemps, à travers plus de 50 dessins sur iPad. Chaque dessin a été réalisé en plein air sur l'iPad, souvent un par jour, documentant l'éclatement progressif de la couleur et de la vie au fur et à mesure que le printemps se déployait. Comme le photocopieur et le fax avant lui, l'iPad a offert à Hockney une opportunité d'immédiateté sans précédent. Bien sûr, les critiques de l'époque se demandaient si c'était de « l'art véritable », un sentiment auquel les critiques aiment se rabattre lorsqu'ils sont mal à l'aise avec ce qui est nouveau et qu'ils ne savent pas très bien comment l'aborder. Mais avec Hockney, il faut faire confiance au processus – il a toujours une longueur d'avance, et l'histoire finit généralement par le rattraper.

Une vague de reconnaissance critique a eu lieu en 2024 suite à son exposition collaborative avec Lightroom de Londres, Bigger & Closer (plus grand et plus proche, et non plus petit et plus loin). Plutôt que d'exposer ses œuvres de manière tape-à-l'œil, comme le font de nombreuses expositions dites « immersives », le spectacle a plongé les visiteurs dans un voyage multisensoriel projeté sur les murs du lieu.

Il n'y a personne d'autre comme David Hockney. Il n'entre pas facilement dans une seule catégorie – il n'y est jamais entré et n'y entrera jamais. Il n'a jamais cherché à se façonner selon un moule préconçu. Au lieu de cela, il le brise et le reforme – sans cesse – pour pousser l'art vers des territoires inédits. Cela est nulle part plus évident que dans son adoption inébranlable de la technologie. Et grâce à des décennies d'expérimentations incessantes, il a élargi non seulement l'apparence de l'art, mais aussi la manière dont nous le regardons.