Les techniques de David Hockney : innover dans l'estampe et la narration visuelle

Lithographie : A Hollywood Collection (1965)

La lithographie est un procédé d'impression où l'artiste réalise une image sur une surface plane, généralement en pierre ou en métal, qui est ensuite traitée avec une substance grasse et encrée pour produire plusieurs estampes à partir du dessin original. La lithographie a permis à Hockney d'expérimenter avec jeu sur l'art contemporain, et la capacité de cette technique à rendre les détails complexes et les textures subtiles a été essentielle pour transmettre les significations superposées et la richesse visuelle de cette série novatrice.

Hockney a employé cette méthode avec un talent remarquable dans sa série de 1965, A Hollywood Collection, son premier ensemble de lithographies réalisé avec l'imprimeur Ken Tyler à l'atelier Gemini G.E.L. à Los Angeles. Dans cette série, Hockney a exploité la polyvalence de la lithographie pour saisir les détails fins et les textures variées qui définissent son travail, chaque estampe de la série reflétant sa vision artistique singulière. Picture Of A Landscape In An Elaborate Gold Frame 2 (1965) est une œuvre clé de A Hollywood Collection. Dans cette pièce, Hockney utilise la technique du trompe-l'œil, une approche qu'il avait déjà explorée et qu'il continuerait d'aborder tout au long de sa carrière. L'estampe semble représenter un simple arbre, mais le spectateur est intentionnellement tenu à distance du sujet par le cadre doré orné qui donne son titre à l'œuvre. Ce cadre crée l'illusion que nous regardons non pas l'arbre lui-même, mais une image de l'arbre, offrant un métacommentaire sur la représentation et la nature de la collection d'art, présentant l'œuvre comme faisant partie d'une collection fictive appartenant à une star hollywoodienne. Cette couche délibérée d'artifice contraste avec le sujet naturel de l'arbre, soulignant l'approche ludique de Hockney envers l'impression.

Gravure à l'eau-forte : A Rake’s Progress

La gravure à l'eau-forte est une technique de gravure où une image est méticuleusement ciselée sur une plaque métallique à l'aide d'acide, permettant à l'artiste de créer des dessins complexes qui sont ensuite encrés et pressés sur du papier pour produire plusieurs estampes. Cette méthode, réputée pour sa capacité à capturer les détails fins et les variations de ligne, a été un médium privilégié pour les artistes explorant l'art narratif. A Rake’s Progress de Hockney (1961–63) illustre la polyvalence de l'eau-forte, car il réinterprète la série du XVIIIe siècle de William Hogarth à travers son propre prisme contemporain.

Alors que la série originale de Hogarth proposait une satire du déclin moral, A Rake’s Progress de Hockney introduit une tournure moderne, se présentant lui-même comme le « débauché » (the rake), un jeune artiste naviguant dans les complexités de la vie citadine. Les compositions minimalistes et l'utilisation stratégique de couleurs vibrantes dans les eaux-fortes de Hockney contrastent fortement avec les scènes détaillées de Hogarth, soulignant l'approche innovante de Hockney en matière de forme et de narration. En imprégnant la série de son style distinctif, Hockney rend non seulement hommage au récit classique, mais la transforme également en une exploration dynamique de thèmes personnels et sociétaux.

Photocopies Xerox : Home Made Prints (années 1980)

Dans les années 1980, Hockney a révolutionné la gravure en étant le pionnier de l'utilisation des photocopieurs Xerox pour créer des œuvres d'art originales. S'éloignant des techniques traditionnelles comme la gravure à l'eau-forte ou la lithographie, Hockney a adopté cette technologie de bureau quotidienne pour travailler avec plus de rapidité, de spontanéité et d'indépendance. Bien qu'il ait apprécié le processus collaboratif avec les maîtres imprimeurs pour des projets tels que Friends, il recherchait en fin de compte un contrôle plus direct sur ses œuvres. La machine Xerox a offert une solution unique, lui permettant de contourner les complexités de l'impression couleur en gravure et d'expérimenter librement avec les superpositions et les textures.

L'expérimentation de Hockney avec la photocopie a mené à la création de Home Made Prints, une série de plus de 40 estampes qui montraient le potentiel de ce nouveau médium. En utilisant la machine Xerox à la fois comme appareil photo et comme presse d'impression, Hockney a pu aplatir l'espace dans ses images, un concept qu'il explorait depuis ses débuts en photographie et en peinture. Il pouvait dessiner ou peindre directement sur le papier, puis faire passer la feuille dans le copieur plusieurs fois, changeant les cartouches d'encre pour ajouter des couches de couleur.

Ce processus lui a permis de créer des estampes qui n'étaient pas de simples copies d'œuvres existantes, mais des pièces originales qui ne pouvaient exister sous leur forme finale que par cette méthode. Hockney décrivait cette approche comme la plus proche qu'il ait jamais atteinte en matière de gravure de l'immédiateté de la peinture, lui permettant d'évaluer, de modifier et d'affiner rapidement son travail en quelques secondes. À travers Home Made Prints, Hockney a repoussé les limites de l'évolution artistique, démontrant son désir incessant d'innover et d'expérimenter avec les nouvelles technologies.

Joiners : My Mother Sleeping, Los Angeles (1982)

Les Joiners de Hockney représentent une approche révolutionnaire du collage photographique, où il assemble méticuleusement plusieurs clichés Polaroid ou photos imprimées pour former une Composite Image. Ces œuvres mêlent des éléments de photographie et de peinture pour créer une forme unique de narration visuelle. Une pièce exemplaire de cette série est My Mother Sleeping, Los Angeles (1982), qui dépeint Laura, la mère de Hockney, dormant paisiblement dans un fauteuil lors d'une visite à son domicile de Los Angeles. Cette œuvre, tirée en édition limitée à 20 exemplaires, saisit l'immobilité et l'introspection de la période qui a suivi le décès du père de Hockney, Kenneth, la même année.

Fusionner la Photographie et les Beaux-Arts

Les Joiners de Hockney brouillent les frontières entre la photographie et les beaux-arts, créant des compositions à la fois fragmentées et cohérentes. Dans My Mother Sleeping, Hockney s'éloigne de son approche multiperspectiviste habituelle pour se concentrer intensément sur sa mère, afin d'atteindre un niveau de détail qui traduit révérence et affection. Contrairement à d'autres Joiners qui capturent le mouvement en faisant évoluer le regard sur différents éléments d'une scène, comme The Ashtray, Sunday Morning, Tokyo (1983), cette pièce est marquée par une immobilité qui reflète la profonde contemplation de l'artiste. Par cet assemblage minutieux d'images individuelles, Hockney préserve un moment tendre avec sa mère, démontrant ainsi comment ses Joiners transcendent la photographie traditionnelle pour évoquer la profondeur et l'émotion habituellement associées à la peinture.