Retour sur les débuts de carrière de Hockney : les années 1960

Les années de formation de Hockney, une période riche en exploration et en effervescence artistique, ont jeté les bases d'une carrière qui allait ensuite s'épanouir dans une maîtrise de la couleur et de la forme. Le parcours de Hockney a débuté à l'ère de l'après-guerre, une époque où le monde de l'art était mûr pour la Transformation A, et le jeune Hockney se tenait à son seuil, prêt à y imprimer sa vision.

Né en 1937 à Bradford, en Angleterre, le début de la vie de Hockney s'est déroulé sur fond de paysages industriels, un contraste saisissant avec les teintes vives qui allaient plus tard peupler ses toiles. Son incursion dans le monde de l'art a commencé avec ses études au Bradford College of Art. C'est là que le talent brut de Hockney a commencé à prendre forme, façonné par la rigueur de la formation académique et sa passion grandissante pour l'art.

Cependant, c'est durant ses années au Royal College of Art de Londres que le style de Hockney a commencé à se cristalliser. Au cœur de ce creuset culturel du début des années 1960, Hockney a découvert l'avènement du Pop Art. Cette nouvelle forme, avec ses couleurs vives, son imagerie commerciale et son rejet des traditions élitistes, a trouvé un écho chez Hockney. Il a commencé à expérimenter, mêlant les techniques d'autrefois à l'esprit du nouveau.

Le passage de Hockney à l'école d'art n'a pas été qu'une période de développement technique et stylistique ; ce fut un véritable voyage de découverte de soi. En tant que jeune homme ouvertement gay à une époque de fortes contraintes sociétales, l'art de Hockney est devenu un exutoire pour explorer et exprimer son identité. Ses œuvres de cette période sont imprégnées d'un sens de l'exploration et de l'interrogation, un journal visuel retraçant ses expériences et ses émotions dans un monde souvent peu accueillant et rude.

Les graines semées durant ces années à l'école d'art ont donné naissance au style distinctif pour lequel Hockney est célébré aujourd'hui : un style à la fois profondément personnel et universellement attrayant, un style qui continue de défier et d'enchanter les amateurs d'art du monde entier.

Les premières peintures de Hockney, caractérisées par une exploration à la fois ludique et poignante de thèmes personnels et semi-autobiographiques, se distinguaient par une utilisation singulière de la texture et une palette en évolution qui laissait présager les explosions de couleurs vibrantes qui allaient définir son travail ultérieur. L'influence de ses pairs et mentors au Royal College, notamment des peintres comme Francis Bacon, est fondamentale. Leur insistance sur la profondeur émotionnelle, le récit personnel et la figure humaine a marqué de façon déterminante la psyché artistique de Hockney.

On pourrait dire que si une œuvre témoigne de l'influence de Bacon, ce serait peut-être Doll Boy de Hockney. Bien que moins intimidante et défigurée que les interprétations de Bacon, la composition de Hockney dans cette œuvre reflète certainement l'approche de Bacon, avec des traits faciaux moins définis et un ton plus mélancolique.

Dans le sillage de ce désespoir, on peut également noter un lien avec la période Rose de Picasso dans des œuvres comme A Grand Procession of Dignitaries in the Semi-Egyptian Style, qui, bien qu'inspirée d'un poème de Cavafy, partage une résonance similaire avec les personnages de la Famille de Saltimbanques de Picasso.

Les œuvres des Maîtres Anciens comme Pablo Picasso ont eu un impact sur lui, lui offrant une base classique sur laquelle bâtir. Pourtant, ce sont les courants plus contemporains qui ont véritablement ému son âme artistique. L'Expressionnisme abstrait de l'époque, un mouvement qui célébrait le chaos et le viscéral, semblait faire écho aux propres luttes créatives internes de Hockney.

Dans les années 1960, Hockney s'est révélé comme une figure transformatrice dans le monde de l'art, mélangeant habilement les visuels saisissants du Pop Art avec la profondeur réflexive du Modernisme. Cette période fut fondamentale pour façonner son identité artistique, comme en témoignent des œuvres telles que A Bigger Splash (Un plus grand plongeon). Ce tableau, qui saisit le simple geste d'une éclaboussure dans une piscine, exemplifiait le style vibrant et accrocheur du Pop Art. Il véhiculait pourtant aussi un sentiment d'isolement et d'introspection, une touche moderniste qui explorait les nuances de l'expérience humaine. Sa série de Swimming Pools (Piscines), éclatante de couleurs et simple dans sa forme, a davantage incarné cette fusion, combinant l'imagerie du quotidien propre au Pop Art avec une perspective contemplative, presque détachée, typique des thèmes modernistes.

Tout au long de cette décennie, les expérimentations de Hockney dans différents médiums, y compris ses Photographies et ses estampes, ont souligné son engagement à fusionner ces deux mouvements artistiques. Ses œuvres, reflet de l'éthos culturel et social des années 60, invitent les spectateurs à un dialogue transcendant, mêlant le vibrant au contemplatif, et établissent fermement Hockney comme un personnage clé dans le récit de l'art moderne.

Les estampes anciennes de Hockney, ses gravures et lithographies — facettes souvent moins connues mais tout aussi importantes de son répertoire artistique — offrent un aperçu profond de l’évolution d’un maître. Créées durant une période de grande expérimentation et de découverte de soi, ces œuvres constituent des étapes essentielles pour comprendre le parcours de Hockney, de l’étudiant en art au connaisseur de la narration visuelle.

La lithographie, autre médium qu'Hockney a exploré durant cette période, lui a permis une forme d'expressivité différente. Ses lithographies, comme The Hypnotist MCA Tokyo, sont plus audacieuses et plus directes. Ici, Hockney a commencé à jouer avec la couleur, bien que dans une palette plus sobre que dans ses œuvres ultérieures. Ces pièces se caractérisent par une certaine vitalité et une immédiateté, reflétant la confiance grandissante d'Hockney et sa volonté de repousser les limites des formes d'art traditionnelles.

Ce qui est particulièrement frappant dans les premières eaux-fortes et lithographies d'Hockney, c'est leur qualité narrative. Chaque œuvre raconte une histoire, qu'il s'agisse d'une représentation directe d'une scène ou d'une expression émotionnelle plus abstraite. Ce fil conducteur narratif est un précurseur de la narration plus explicite présente dans ses peintures ultérieures, démontrant l'intérêt persistant d'Hockney pour le pouvoir des récits et sa capacité à les tisser harmonieusement dans son art.

De plus, ces premières œuvres présentent une fusion d'influences – des Maîtres anciens aux tendances contemporaines – tout en restant indéniablement celles de Hockney. Elles révèlent son exploration naissante des thèmes de Love, de l'identité et de l'expérience humaine, des thèmes qu'il continuera d'approfondir tout au long de sa carrière.

En examinant les premières eaux-fortes et lithographies de Hockney, nous assistons non seulement à la genèse de son évolution stylistique, mais nous apprécions également plus profondément l'ampleur et la profondeur de son génie. Ces œuvres, bien que créées aux débuts de sa carrière, sont essentielles pour comprendre la trajectoire du parcours de Hockney et restent aussi pertinentes et captivantes aujourd'hui qu'au moment de leur apparition.

Une partie essentielle des premières œuvres de Hockney est A Rake's Progress, une série de 16 estampes réalisées en 1963, qui propose une réinterprétation moderne fascinante de la célèbre série du XVIIIe siècle de William Hogarth. L'adaptation de Hockney, tout en rappelant le style narratif de Hogarth, met en avant une touche expérimentale unique, établissant une nouvelle référence en matière de narration visuelle.

L'œuvre originale de Hogarth, célèbre pour sa représentation satirique de la descente aux enfers et de la folie d'un jeune homme, servait de conte moralisateur pour son époque. La vision de Hockney, cependant, s'en écarte considérablement tant par le thème que par le style. Sa série, inspirée par sa première visite à New York, remplace les scènes denses et riches en détails de Hogarth par des compositions étonnamment minimalistes et modernes.

Dans A Rake's Progress, Hockney fait preuve d'une maîtrise de la gravure à l'eau-forte, une compétence qu'il a perfectionnée au Royal College of Art. Son usage assuré de ce médium se manifeste dans sa manière de simplifier et d'abstraire ses scènes. Contrairement au personnage de Hogarth, le protagoniste de Hockney – souvent considéré comme un avatar de l'artiste lui-même – évolue dans un monde qui s'articule moins autour d'une chute morale que d'une découverte et d'une expérience personnelles.

La série se distingue par son usage de la couleur, notamment les rouges vifs qui ponctuent les tons autrement discrets des eaux-fortes. Ce choix chromatique n'est pas seulement esthétique, il sert à guider le regard du spectateur à travers le récit. Dans des œuvres comme The Arrival et The Wallet Begins To Empty, les nuances de rouge apportent un impact dramatique, tandis que dans d'autres, comme The Election Campaign, elles attirent l'attention sur des éléments spécifiques tels que le texte et les panneaux.

La décision de Hockney de laisser les arrière-plans largement dépouillés crée un sentiment de « non-lieu troublant », un choix stylistique qui concentre l'attention sur les sujets et les quelques objets sélectionnés dans la scène. Cette approche minimaliste contraste non seulement avec les fonds détaillés de Hogarth, mais reflète également une sensibilité moderniste, soulignant l'isolement et l'introspection du personnage central.

Naturellement, on ne peut qu'anticiper que cette décennie mettra en scène l'une des muses les plus chéries de Hockney tout au long de sa carrière : Celia Birtwell. Son eau-forte de 1969 représentant Celia révèle un côté plus calme et plus intime de cette amitié de longue date, la saisissant dans une pose détendue. À mesure que l'on observe l'évolution de cette série, il devient évident que les représentations de Celia par Hockney sont devenues de plus en plus nuancées et émotionnellement résonnantes avec le temps. Cette progression suggère une relation plus étroite entre l'artiste et sa muse, permettant à Hockney de capturer des aspects plus personnels de sa personnalité. Ses rendus ont progressivement adopté une palette de couleurs plus vibrante et intégré des influences cubistes, imprégnant ses représentations de Celia d'une énergie dynamique et d'une complexité accrues. Le parcours de Hockney avec Celia reflète une amitié qui s'approfondit, associée à une maîtrise évolutive dans la transmission du caractère et de l'émotion à travers son langage visuel emblématique.

Picture Of Melrose Avenue In An Ornate Gold Frame, faisant partie de la série de Hockney de 1965 intitulée A Hollywood Collection, nous montre la fascination de Hockney pour les techniques de trompe-l'œil qui prennent le devant de la scène, brouillant magistralement les frontières entre l'illusion et la réalité. L'œuvre, qui fait partie d'une collection fictive prétendument détenue par une star hollywoodienne, a été inspirée par la rencontre de Hockney avec une exposition de cadres près du studio de gravure Gemini et par la « beauté artificielle » qu'il percevait dans le paysage urbain de Los Angeles. Elle illustre la maîtrise de Hockney dans la création d'un sentiment de collection artificielle, un thème récurrent dans l'histoire de l'art, tout en puisant dans des éléments issus de ses œuvres précédentes.

L'expertise de Hockney en matière d'estampes est évidente dans la manière dont il traite les différents éléments de cette pièce. Du lavis étendu du ciel au noir intense du cadre, chaque composant est soigneusement élaboré pour jouer avec la surface et la profondeur. Cette manipulation du médium n'est pas seulement une démonstration de prouesses techniques, mais aussi une exploration de la façon dont les éléments visuels interagissent dans un espace confiné.

Durant une décennie marquée par les bouleversements sociaux et la lutte pour les droits civiques, l'œuvre de Hockney a trouvé un écho profond auprès des mouvements naissants de libération sexuelle et des droits des personnes homosexuelles.

L'un des exemples les plus émouvants de cette réflexion culturelle est les Illustrations pour Quatorze Poèmes de C.P. Cavafy de Hockney. Publiée en 1967, l'année même où l'homosexualité était dépénalisée en Grande-Bretagne, cette série est une reconnaissance et une célébration profondes de l'amour homosexuel. Le lien de Hockney avec la poésie de Cavafy, connue pour son exploration franche des thèmes homosexuels, lui a permis de créer des récits visuels à la fois profondément personnels et universellement résonnants. Le calendrier de cette publication n'était pas fortuit, mais un acte de solidarité délibéré envers une communauté marginalisée.

L'approche de Hockney dans cette série était nuancée mais percutante. Il utilisait des compositions épurées, avec des arrière-plans largement vides ou partiellement ombragés, où la finesse des lignes et les détails subtils concentraient l'attention sur les figures et leurs interactions. Ce style minimaliste conférait une certaine intimité aux scènes dépeintes, mettant l'accent sur les émotions et les liens entre les personnages plutôt que sur leur environnement.

In The Dull Village, une des estampes de cette série, a été reconnue pour sa portée culturelle en étant incluse dans la série du British Museum, « A History of The World in 100 Objects ». Les réflexions de Hockney sur cette série mettent en lumière son intention d’utiliser son art comme une forme de plaidoyer, un activisme subtil mais puissant, par lequel il cherchait à défendre et à normaliser sa façon de vivre.

La représentation des relations homosexuelles par Hockney n’était pas uniquement une question de visibilité ; c’était une déclaration politique, une lutte pour la reconnaissance et l’acceptation dans un monde souvent hostile à de telles expressions. Son art, dans ce contexte, constituait un commentaire culturel plus large. Il reflétait l'esprit des années 1960 – un esprit de rébellion, de libération et de The Pursuit incessante de la liberté personnelle et artistique.

En retraçant le parcours de Hockney au cours des années 1960, il apparaît clairement que cette décennie fut une période de révolution qui a défini son héritage. Les œuvres de Hockney réalisées durant ces années témoignent avec éclat de son génie à entrelacer des éléments divers. Sa fusion de l'imagerie audacieuse du Pop Art avec la profondeur du Modernisme a créé un langage visuel singulier qui a profondément résonné avec les bouleversements culturels et sociétaux de l'époque. Ces œuvres, caractérisées par leurs couleurs vives, leur complexité émotionnelle et leurs récits, n'ont pas seulement reflété l'esprit des années 1960, elles ont également annoncé l'innovation et l'influence continues que Hockney allait exercer sur l'art contemporain.

La fascination persistante pour le corpus d'œuvres de Hockney des années 1960 traduit non seulement une nostalgie pour une époque révolue, mais aussi une admiration pour un art qui transcende le temps, trouvant sans cesse une pertinence et un écho dans le monde actuel. Cet intérêt durable pour les premières œuvres de Hockney souligne sa capacité remarquable à saisir l'air du temps tout en offrant des réflexions intemporelles sur l'expérience et l'émotion humaines. En revisitant ces œuvres fondatrices, nous nous rappelons non seulement l'impact de Hockney sur le monde de l'art, mais aussi la nature universelle et durable de l'expression artistique.