Retour sur le début de carrière de Hockney : les années 1960

Les années formatrices de Hockney, une période empreinte d'exploration et d'une intense effervescence artistique, ont jeté les bases d'une carrière qui allait plus tard s'épanouir dans une maîtrise éclatante de la couleur et de la forme. Le parcours de Hockney a débuté dans l'après-guerre, une époque où le monde de l'art était en pleine mutation, et le jeune artiste, alors à l'aube de sa carrière, était prêt à y imprimer sa vision.

Né en 1937 à Bradford, en Angleterre, Hockney a passé sa jeunesse dans un environnement marqué par les paysages industriels, contrastant fortement avec les teintes vives qui allaient plus tard peupler ses toiles. Son entrée dans le monde de l'art a débuté avec sa formation au Bradford College of Art. C'est là que le talent brut de Hockney a commencé à se structurer, façonné par la rigueur de l'enseignement académique et par sa passion grandissante pour les œuvres d'art.

C’est toutefois durant ses années au Royal College of Art de Londres que le style de Hockney a commencé à se cristalliser. Au cœur du bouillonnement culturel du début des années 1960, Hockney est exposé à l’avènement du Pop Art. Cette forme nouvelle, avec ses couleurs audacieuses, son imagerie commerciale et son refus des traditions élitistes, trouve un écho chez l’artiste. Il commence alors à expérimenter, associant les techniques classiques à l’esprit de la modernité.

Le passage de Hockney à l’école d’art ne fut pas seulement une période de développement technique et stylistique ; ce fut un voyage initiatique. Jeune homme ouvertement homosexuel à une époque marquée par d’importantes contraintes sociétales, Hockney fait de ses œuvres un vecteur pour explorer et exprimer son identité. Ses créations de cette période sont empreintes d’un sentiment d’exploration et de questionnement, agissant comme un journal visuel relatant ses expériences et ses émotions dans un monde souvent hostile et peu enclin à l’acceptation.

Les graines semées durant ces années d’études allaient devenir le style singulier pour lequel Hockney est célébré aujourd’hui : un style à la fois profondément personnel et universel, qui continue de défier et d’enchanter les amateurs d’art du monde entier.

Les premières peintures de Hockney, caractérisées par une exploration à la fois ludique et poignante de thèmes personnels et semi-autobiographiques, se distinguent par un usage singulier de la texture et une palette en devenir, annonçant les explosions chromatiques vibrantes qui allaient plus tard définir son œuvre. L'influence de ses pairs et mentors du Royal College, notamment des peintres comme Francis Bacon, ne saurait être surestimée. Leur insistance sur la profondeur émotionnelle, la narration personnelle et la figure humaine a marqué durablement la psyché artistique de Hockney.

S'il existe une œuvre témoignant de l'influence de Bacon, il s'agit sans doute de « Doll Boy » de Hockney. Bien que moins intimidante et défigurée que les compositions de Bacon, la structure de cette œuvre de Hockney reflète indéniablement l'approche de son aîné à travers des traits de visage moins définis, empreints d'une mélancolie plus marquée.

Dans le sillage de ce désespoir, nous pouvons également déceler un lien avec la période rose de Picasso dans des œuvres telles que « A Grand Procession of Dignitaries in the Semi-Egyptian Style » qui, bien qu'inspirée par un poème de Cavafy, partage une tonalité similaire avec les personnages de la « Famille de saltimbanques » de Picasso.

Les œuvres de maîtres anciens comme Pablo Picasso ont trouvé en lui une résonance, lui offrant un socle classique sur lequel il a pu bâtir son œuvre. Pourtant, ce sont les courants plus contemporains qui ont véritablement éveillé sa fibre artistique. L' Expressionnisme abstrait de l'époque, un mouvement célébrant le chaos et le viscéral, semblait faire écho aux propres tiraillements créatifs intérieurs de Hockney.

Dans les années 1960, Hockney s'est imposé comme une figure transformatrice du monde de l'art, mêlant habilement le visuel saisissant du Pop Art à la profondeur réflexive du modernisme. Cette époque fut essentielle à la construction de son identité artistique, comme en témoigne l'œuvre « A Bigger Splash ». Cette peinture, qui saisit l'instant simple d'un plongeon dans une piscine, illustre le style vibrant et percutant du Pop Art. Elle véhicule pourtant un sentiment d'isolement et d'introspection, une touche moderniste qui explore les nuances de l'expérience humaine. Sa série des Swimming Pools, aux couleurs vives et aux formes épurées, incarne parfaitement cette fusion, associant l'imagerie quotidienne du Pop Art à une perspective contemplative, presque détachée, propre aux thèmes modernistes.

Tout au long de la décennie, l'expérimentation de Hockney à travers différents médiums, notamment ses photographies et ses estampes, a souligné son engagement à faire converger ces deux courants artistiques. Son œuvre, reflet de l'ethos culturel et social des années 60, invite le spectateur à un dialogue transcendant, alliant vivacité et contemplation, et assoit définitivement Hockney comme une figure pivot du récit de l'art moderne.

Les estampes précoces de Hockney, eaux-fortes et lithographies, souvent moins connues bien que tout aussi significatives dans son répertoire artistique, offrent un éclairage profond sur l'évolution d'un maître. Créées durant une période d'expérimentation intense et de découverte de soi, ces œuvres constituent des étapes essentielles pour comprendre le cheminement de Hockney, d'étudiant en art à fin connaisseur de la narration visuelle.

La lithographie, un autre médium qu'Hockney a exploré durant cette période, lui a permis d'accéder à une forme d'expressivité différente. Les estampes, telles que « The Hypnotist MCA Tokyo », sont plus audacieuses et directes. Ici, Hockney a commencé à jouer avec la couleur, bien que dans une palette plus sobre que celle de ses œuvres ultérieures. Ces pièces sont marquées par une certaine vitalité et une immédiateté qui reflètent l'assurance grandissante d'Hockney ainsi que sa volonté de repousser les limites des formes d'art traditionnelles.

Ce qui frappe particulièrement dans les premières eaux-fortes et lithographies d'Hockney, c'est leur dimension narrative. Chaque œuvre raconte une histoire, qu'il s'agisse d'une représentation directe d'une scène ou d'une expression plus abstraite et émotionnelle. Ce fil conducteur narratif est un précurseur de la narration plus explicite présente dans ses peintures ultérieures, démontrant l'intérêt durable d'Hockney pour le pouvoir des récits et sa capacité à les intégrer harmonieusement à ses œuvres.

Par ailleurs, ces œuvres de jeunesse témoignent d'une fusion d'influences – allant des maîtres anciens aux courants contemporains – tout en restant indéniablement des Hockney. Elles révèlent une exploration naissante des thèmes de l'amour, de l'identité et de l'expérience humaine, sujets qu'il ne cessera d'approfondir tout au long de sa carrière.

L'examen des premières estampes et lithographies de Hockney nous permet non seulement d'observer la genèse de son évolution stylistique, mais aussi de mieux appréhender l'étendue et la profondeur de son génie. Bien qu'elles aient été réalisées aux prémices de son parcours, ces œuvres sont essentielles pour comprendre la trajectoire de l'artiste ; elles demeurent aujourd'hui tout aussi pertinentes et fascinantes qu'au moment de leur création.

Une part fondamentale des premières œuvres de Hockney réside dans « A Rake's Progress », une série de 16 eaux-fortes créées en 1963, qui présente une fascinante réinterprétation moderne de la célèbre série du XVIIIe siècle de William Hogarth. Tout en faisant écho au style narratif de Hogarth, l'adaptation de Hockney met en avant un flair expérimental unique, établissant une nouvelle référence en matière de narration visuelle.

L'œuvre originale de Hogarth, connue pour sa description satirique de la descente d'un jeune homme dans la débauche et la folie, servait de conte moralisateur pour son époque. L'approche de Hockney diverge cependant de manière notable tant sur le plan thématique que stylistique. Sa série, inspirée par son premier séjour à New York, remplace les scènes denses et riches en détails de Hogarth par des compositions d'un minimalisme et d'une modernité frappants.

Dans A Rake's Progress, Hockney fait preuve d'une maîtrise magistrale de l'eau-forte, une technique qu'il a perfectionnée au Royal College of Art. L'aisance avec laquelle il manie ce médium transparaît dans sa manière de simplifier et d'abstraire ses scènes. Contrairement au personnage de Hogarth, le protagoniste de Hockney – souvent perçu comme un avatar de l'artiste lui-même – évolue dans un monde qui ne traite pas tant de déchéance morale que de découverte et d'expérience personnelles.

Cette série se distingue par son usage de la couleur, notamment par les rouges audacieux qui viennent ponctuer les tons autrement sobres des estampes. Ce choix chromatique n'est pas purement esthétique : il sert également à guider le regard du spectateur à travers le récit. Dans des œuvres telles que « The Arrival » et « The Wallet Begins to Empty », les teintes rouges apportent une intensité dramatique, tandis que dans d'autres, comme « The Election Campaign », elles attirent l'attention sur des éléments précis, tels que le texte ou les enseignes.

Le choix de Hockney de laisser les arrière-plans largement dépouillés instaure un sentiment de « non-lieu troublant », une approche stylistique qui concentre l'attention sur les sujets et sur les quelques objets choisis au sein de la scène. Cette sobriété minimaliste contraste non seulement avec les décors détaillés de Hogarth, mais témoigne également d'une sensibilité moderniste, soulignant l'isolement et l'introspection de la figure centrale.

Il est naturel que cette décennie mette à l’honneur l’une des muses les plus chères à David Hockney tout au long de sa carrière : Celia Birtwell. Son eau-forte de 1969, « Celia », révèle une facette plus paisible et intime de cette amitié de longue date, en la capturant dans une pose décontractée. À mesure que l’on observe l’évolution de cette série, il devient évident que les portraits de Celia réalisés par Hockney sont devenus de plus en plus nuancés et émotionnellement résonnants au fil du temps. Cette progression témoigne d’une relation grandissante entre l’artiste et sa muse, permettant à Hockney de saisir des aspects plus personnels de sa personnalité. Ses interprétations ont progressivement adopté une palette chromatique plus vibrante tout en intégrant des influences cubistes, conférant à ses représentations de Celia une énergie dynamique et une complexité nouvelle. Le parcours de Hockney aux côtés de Celia reflète l’approfondissement d’une amitié doublé d’une maîtrise croissante dans la transcription du caractère et de l’émotion à travers son langage visuel singulier.

Dans « Picture Of Melrose Avenue In An Ornate Gold Frame », pièce maîtresse de la série de Hockney de 1965 intitulée « A Hollywood Collection », la fascination de l'artiste pour le trompe-l'œil s'impose, brouillant avec maestria les frontières entre illusion et réalité. Cette œuvre, qui fait partie d'une collection fictive supposément détenue par une star hollywoodienne, a été inspirée par la rencontre de Hockney avec une vitrine de cadres près du studio d'estampe Gemini et par la « beauté artificielle » qu'il percevait dans le paysage urbain de Los Angeles. Elle illustre l'habileté de Hockney à créer un sentiment de collection artificielle, un thème récurrent dans l'histoire de l'art, tout en puisant dans des éléments de ses œuvres antérieures.

L'expertise de Hockney dans le domaine de l'estampe est manifeste dans la manière dont il traite les différents éléments de cette œuvre. Du lavis expansif du ciel au noir profond du cadre, chaque composante est minutieusement travaillée pour jouer avec la surface et la profondeur. Cette manipulation du médium n'est pas seulement une démonstration de prouesse technique, mais aussi une exploration de la façon dont les éléments visuels interagissent au sein d'un espace confiné.

Au cours d'une décennie marquée par les bouleversements sociaux et les revendications pour les droits civiques, l'œuvre de Hockney a trouvé un écho profond au sein des mouvements naissants en faveur de la libération sexuelle et des droits des homosexuels.

L'un des exemples les plus poignants de ce reflet culturel est constitué par les « Illustrations for Fourteen Poems by C.P. Cavafy » de Hockney. Publiée en 1967, l'année même où l'homosexualité a été dépénalisée en Grande-Bretagne, cette série constitue une reconnaissance et une célébration profondes de l'amour homosexuel. La connexion de Hockney avec la poésie de Cavafy, reconnue pour son exploration franche des thèmes homosexuels, lui a permis de créer des récits visuels à la fois profondément personnels et universellement évocateurs. Le calendrier de cette publication n'avait rien de fortuit : il s'agissait d'un acte de solidarité délibéré envers une communauté marginalisée.

L'approche de Hockney dans cette série était empreinte de nuance, mais n'en restait pas moins percutante. Il a eu recours à des compositions épurées, sur des fonds largement vides ou partiellement ombrés, où la finesse des traits et la subtilité des détails concentraient l'attention sur les personnages et leurs interactions. Ce style minimaliste conférait une certaine intimité aux scènes dépeintes, privilégiant les émotions et les liens entre les personnages plutôt que leur environnement.

« In The Dull Village », l'une des estampes de cette série, a été reconnue pour son importance culturelle en étant intégrée à la collection « A History of the World in 100 Objects » du British Museum. Les réflexions de Hockney sur cette série soulignent sa volonté d'utiliser ses œuvres comme une forme de plaidoyer, un militantisme subtil mais puissant à travers lequel il cherchait à défendre et à normaliser son mode de vie.

La représentation des relations homosexuelles par Hockney ne relevait pas de la simple visibilité ; il s'agissait d'une prise de position politique, d'un combat pour la reconnaissance et l'acceptation dans un monde souvent hostile à de telles expressions. Son travail, dans ce contexte, constituait un commentaire culturel plus large. Il reflétait l'esprit des années 1960, fait de rébellion, de libération et de quête incessante de liberté personnelle et artistique.

En nous penchant sur le parcours de Hockney dans les années 1960, il apparaît clairement que cette décennie fut une période révolutionnaire qui a défini son héritage. L'œuvre de Hockney durant ces années témoigne avec éclat de son ingéniosité à tisser ensemble des éléments hétéroclites. Sa fusion de l'imagerie audacieuse du Pop Art et de la profondeur du modernisme a créé un langage visuel unique qui a résonné puissamment avec les mutations culturelles et sociétales de l'époque. Ces œuvres, caractérisées par leurs couleurs vives, leur complexité émotionnelle et leurs récits, ont non seulement reflété l'esprit des années 1960, mais ont également préfiguré l'innovation constante et l'influence que Hockney allait exercer sur l'art contemporain.

La fascination persistante pour le corpus de Hockney des années 1960 reflète bien plus qu'une simple nostalgie pour une époque révolue ; elle témoigne d'une appréciation pour une œuvre qui transcende le temps, trouvant une pertinence et une résonance constantes dans le monde moderne. Cet intérêt durable pour les premières créations de Hockney souligne son exceptionnelle capacité à saisir l'air du temps tout en offrant des réflexions intemporelles sur l'expérience et l'émotion humaines. En revisitant ces œuvres fondamentales, nous ne sommes pas seulement rappelés à l'impact de Hockney sur le monde de l'art, mais aussi à la nature universelle et pérenne de l'expression artistique.