David Hockney : Dessiner la vie, à la National Portrait Gallery

Rassemblant plus de 60 ans de l’œuvre foisonnante de Hockney, à travers 160 portraits réalisés au crayon, à l'encre, à la peinture et sur iPad, David Hockney : Dessiner la vie est une rétrospective sans précédent de la créativité incessante de l'artiste. Après l'exposition éblouissante de Hockney au Lightroom de Londres plus tôt cette année, cette exposition continue de retracer la trajectoire de la carrière artistique de Hockney et ses relations personnelles avec ses modèles récurrents. Bien que l'exposition de la National Portrait Gallery ait été interrompue en mars 2020 en raison de la pandémie, le Dr Nicholas Cullinan – directeur de la galerie – avait promis qu'elle reviendrait après les difficultés « encore meilleure qu'avant » : et ils ont tenu parole avec de nouveaux résultats spectaculaires.

Cette rétrospective pionnière met en lumière cinq des sujets les plus explorés par Hockney – notamment l'autoportrait de l'artiste ; son amie, Celia Birtwell ; sa mère, Laura Hockney ; son ancien partenaire et conservateur, Gregory Evans ; et son imprimeur en chef, Maurice Payne. L'exposition prouve l'aptitude de Hockney non seulement en tant qu'artiste au sens traditionnel du terme, mais aussi en tant que « maître dessinateur » : touche-à-tout et maître dans tous les domaines.

Dès que l'on franchit l'entrée de l'exposition David Hockney: Drawing from Life, on commence ce voyage émouvant à travers la vie et l'œuvre de l'artiste avec deux autoportraits. Côte à côte, on découvre le jeune artiste durant les années formatrices de sa carrière – même si son expression et son ensemble bariolé affichent déjà une assurance certaine. À gauche, un autoportrait récemment réalisé dans l'atelier de l'artiste en Normandie dépeint l'artiste dans sa maturité. Avec ce laisser-aller sincère qui le caractérise, Hockney se présente ici dans l'autodétermination éclectique pour laquelle il est connu et apprécié. Hockney regarde le spectateur, un pinceau à la main, tendant vers la droite de la composition en direction de son autoportrait de jeunesse. De ses premières années à aujourd'hui, l'acte de regarder et – en effet – de « dessiner d'après la vie » est resté un point de repère essentiel dans la représentation perçante de Hockney.

En passant sous la première arche de l'espace d'exposition, on découvre My Parents and Myself – une version antérieure de My Parents, qui fait partie de la collection de la Tate. Ce tableau – que l'on croyait perdu avant qu'il ne soit redécouvert par la commissaire de l'exposition, Sarah Howgate – est inachevé ; du ruban adhésif révèle le processus technique de Hockney au travail sur la toile. Dans cette œuvre – contrairement à My Parents – on a un aperçu de l'autoportrait de Hockney dans le miroir au centre de la composition, dans un jeu de réflexion inspiré par Holbein. Dès le départ, les influences de Hockney – de Holbein à Picasso, en passant par Matisse – sont exposées devant le spectateur. En effet, cette exposition est la preuve qu'afin de rompre véritablement avec la tradition, un artiste doit d'abord l'étudier.

Face à eux dès leurs premiers pas dans l'exposition, les visiteurs découvrent une alcôve sombre, éclairée par trois écrans projetant certaines des œuvres plus récentes de Hockney réalisées sur son iPad. Bien que l'iPad représente une part importante de la production récente de l'artiste, ces pièces ne constituent qu'une fraction relativement minime de l'exposition Drawing from Life ; peut-être parce que le Lightroom de Londres lui avait offert la scène idéale pour présenter ses compositions rendues numériquement plus tôt cette année lors de Bigger and Closer, not Smaller and Further Away. Néanmoins, les autoportraits de Hockney réalisés sur iPad apparaissent et disparaissent sur deux écrans, tandis qu'un troisième diffuse l'enregistrement d'écran accéléré de l'artiste réalisant l'un de ces autoportraits. À la fin de chaque cycle, l'écran central effectue un panoramique vers un dessin sur iPad du cendrier souvent maltraité de Hockney – un rappel ironique que le père de l'artiste, fanatique de la lutte contre le tabagisme, a manifestement eu peu d'influence.

Dans cette même alcôve, nous voyons des séquences vidéo de l'artiste feuilletant un carnet de croquis dessiné à la main, et une autre entièrement consacrée à la mère de Hockney. Ces deux carnets font partie des centaines que détient la succession privée de l'artiste, et témoignent de sa quête incessante de voir et de représenter jusqu'à un âge avancé.

Depuis l'alcôve faiblement éclairée, les visiteurs du vernissage longent un couloir où sont présentées une série d'œuvres sur papier retraçant la carrière de l'artiste. Sur un côté du mur se trouve une série lithographique, A Rake’s Progress, une suite semi-autobiographique qui retrace la première visite de l'artiste aux États-Unis en 1961, et qui est inspirée par la série de gravures de William Hogarth datant de 1735. Juste en face se trouve un autre Self-Portrait, issu du corpus Home Made Prints de Hockney, réalisé à l'aide d'un photocopieur Xerox. L'influence de Picasso devient de plus en plus évidente dans cette partie de l'exposition, tout comme l'intérêt grandissant de Hockney pour la couleur.

Une pièce entière de l'exposition est consacrée à la célèbre créatrice textile Celia Birtwell, l'une des amies et confidentes les plus proches de Hockney depuis les années 1960. Comme le souligne à juste titre la légende de l'exposition, Celia n'est pas simplement une « muse » durable pour Hockney. Au contraire, les deux artistes se sont mutuellement inspirés de manière symbiotique. Comme on le constate dans plusieurs des portraits de cette salle – exécutés en monochrome, en couleur, et dans l'un des grands photocollages de Hockney – l'artiste porte une attention toute particulière aux étoffes dessinées et portées par Celia. Dans ses portraits d'elle, peut-être plus que dans ceux de n'importe quel autre modèle, la représentation des vêtements de Celia est riche en détails, semblant en dire autant sur son caractère que sur son visage familier.

Adjacente à la salle Celia se trouve un espace intime consacré à la mère de Hockney, Laura Hockney. Parmi ces portraits poignants de sa mère, on trouve un dessin à l'encre de Laura le jour de l'enterrement de son mari (le père de Hockney). En effet, il semble que Hockney ait perçu qu'une photographie ne pouvait restituer et condenser la tristesse ressentie par sa mère à cet instant ; c'était quelque chose que seule la ligne de Hockney pouvait saisir. Jusqu'à sa propre mort, Laura est restée un « modèle loyal et patient », comme en témoignent les pages de carnet ouvertes présentées dans cette salle. De toutes les pièces de l'exposition Drawing from Life, c'est celle-ci qui semble capturer l'art de Hockney comme un réceptacle à travers lequel il entre en connexion avec ses modèles. Des esquisses rapidement tracées aux photocollages entièrement conçus, chaque portrait de la mère par Hockney exprime la compassion tacite entre la mère et l'enfant.

Cette salle de l'exposition présente peut-être la plus grande étendue de portraits, tant par leur multitude que par leur style. Hockney rencontra Gregory Evans à Paris en 1974, et les portraits exposés dans cette salle « racontent l'histoire des hauts et des bas de leur temps passé ensemble ». Représentés dans une variété de médiums, de palettes de couleurs et de formats, ces portraits dévoilent l'intimité entre Hockney et son partenaire amoureux, assistant, régisseur d'atelier et curateur. Occupant une place de choix dans la salle se trouve un grand portrait de Gregory « explorant le paysage du visage », qui est découpé en segments inspirés de Picasso et témoigne de la fascination d'Hockney pour les traits et le caractère de Gregory. Dans un petit carré en haut du plan pictural se trouvent les lèvres pincées et roses de Gregory, auxquelles l'artiste a prêté une attention particulière dans tous ses portraits de ce modèle.

Après leur rencontre à Londres au milieu des années 1960, Maurice Payne est devenu l'un des principaux collaborateurs de Hockney, travaillant sur des projets majeurs tels que Six Fairy Tales from the Brothers Grimm (1969) et The Man with the Blue Guitar (1976-77). Environ 20 ans plus tard, le duo a collaboré une nouvelle fois dans un atelier d'impression de West Hollywood pour réaliser des portraits des amis, de la famille de Hockney, ainsi que de ses adorables teckels, Boodgie et Stanley. En effet, la seule déception concernant David Hockney: Drawing from Life est l'absence des chiens de Hockney dans cette grande rétrospective.

Vers la fin de l'exposition, un mur présente les modèles les plus fréquents de Hockney ces dernières années – une réunion type « Et maintenant, ils en sont où ? » de ceux qui sont les plus proches et les plus chers à l'artiste. Ces portraits à l'encre sépia présentent Gregory, Celia et Maurice au printemps 2019, depuis l'atelier de Hockney en Normandie. Bien que le temps se soit manifesté sur les visages de ces modèles de retour, ces portraits témoignent de cette lueur inébranlable de vitalité allumée par les études rapprochées que Hockney fait de ses sujets.

Enfin, les visiteurs sont conduits dans la dernière salle – une nouveauté de l'exposition – entourée de portraits peints en grand format et colorés, réalisés dans l'atelier normand de l'artiste. Ces portraits, dont celui, très acclamé, de l'icône pop Harry Styles et celui de Jean-Pierre Gonçlaves, le compagnon de Hockney, prouvent que ce dernier n'est pas près de prendre sa retraite.

Exécutés rapidement, en deux ou trois séances chacun, ces nouveaux portraits possèdent une qualité viscérale ; l'artiste semble déterminé à observer et à interpréter de nouveaux visages et de nouveaux personnages avec un égal mélange de curiosité et de joie. Âgé aujourd'hui de 86 ans, David Hockney continue d'être une force majeure dans le domaine de l'Art Contemporain, et ces derniers portraits sont un signe encourageant que ce corpus d'œuvres ne sera probablement pas le dernier.

David Hockney: Drawing from Life se tient du 2 novembre 2023 au 21 janvier 2024. Les billets peuvent être achetés ici.