Guide des muses de David Hockney

Travaillant sur une variété de supports en tant que peintre, dessinateur, graveur, photographe et scénographe, l'œuvre de David Hockney a connu de nombreuses applications différentes. Né dans le Yorkshire en 1937, ses œuvres ont été exposées dans des galeries emblématiques du monde entier au cours des soixante dernières années.

Le style caractéristique de David Hockney, marqué par une utilisation minimaliste des ressources, une préoccupation pour la lumière et un réalisme du quotidien teinté de Pop Art, fait de lui l'un des artistes les plus populaires de notre époque.

Bien qu'il soit sans équivoque un artiste pop, le style de David Hockney puise dans un large éventail d'influences classiques, du Baroque au Cubisme. Reconnu pour son admiration pour les Maîtres Anciens, David Hockney bafoue délibérément les conventions et les règles artistiques, jouant avec la proportion, la perspective linéaire et la théorie des couleurs dans l'ensemble de son corpus d'œuvres s'étalant sur 60 ans.

Après être apparu sur la scène artistique en 1961 alors qu'il était encore étudiant au Royal College of Art, il a produit certaines des peintures les plus célèbres des années 1960, notamment Play Within A Play, Portrait Surrounded by Artistic Devices et American Collectors. Bien qu'il soit connu pour avoir capturé un vaste éventail de scènes et de sujets, certaines de ses œuvres les plus marquantes sont considérées comme ses portraits de la fin des années 1960, une idée à laquelle les relations sociales complexes qui sous-tendent American Collectors peuvent témoigner.

Dans les années 1970, Hockney a commencé à travailler plus intensivement avec la photographie. Au milieu des années 1970, sa production artistique était dominée par des projets impliquant la photographie et des lithographies, par opposition à la peinture, période durant laquelle il a également travaillé sur la scénographie et la création de costumes aux côtés de son amie et muse, Celia Birtwell.

Hockney est revenu à la peinture à la fin des années 1980, se concentrant sur les paysages marins, les motifs floraux et les portraits de ses proches. En 1986, il est devenu un pionnier du format imprimé lorsqu'il a commencé à intégrer la technologie dans son art en réalisant des estampes artisanales sur photocopieur. La fusion de l'art et de la technologie est devenue une fascination continue pour Hockney ; en 1990, il a eu recours à des télécopieurs laser et des imprimantes laser dans son processus, et en 2009, ses peintures étaient réalisées à l'aide de l'application Brushes sur iPhone et iPad. Une exposition de 100 de ces peintures a été présentée au Royal Ontario Museum en 2011.

La place de Hockney dans l'art moderne

Tout au long de sa carrière, Hockney a brisé les tabous et a été reconnu pour son rôle dans la renaissance et le remodelage de la pratique de la peinture. À l'instar d'autres artistes du Pop Art, Hockney était un partisan d'un style de peinture figurative qui faisait référence à des images commerciales vues par les gens du quotidien. Cependant, les influences cubistes claires le distinguent des autres membres du mouvement Pop. Dans la tradition cubiste, Hockney combine plusieurs scènes pour créer une vue composite, choisissant des espaces complexes comme les maisons à paliers multiples en Californie, où représenter la profondeur est difficile.

Ses tableaux traduisent une compréhension des conventions tout en reconnaissant que les orthodoxies sont faites pour être remises en question, et que les contraires peuvent coexister. Sous-jacente à cela se trouve une philosophie de tolérance qui transcende l'art, dessinant la vision de Hockney du monde social et politique. Dans le contexte d'un courant dominant créatif « macho » qui rejetait les couleurs vives, les verts, les violets, les roses et les jaunes de Hockney étaient — et demeurent — des prises de position en faveur d'une déviation par rapport à la norme grâce à la liberté personnelle et créative.

Hockney a été une icône de la libération gaie dans la Californie des années 1960, où ses relations amoureuses affichées et sa défense de la communauté LGBTQ+ ont fait de lui une figure controversée. En 1988, Hockney a également menacé d'annuler une rétrospective de ses œuvres, organisée à la Tate Gallery de Londres, pour protester contre la législation anti-homosexuelle proposée en Grande-Bretagne à l'époque.

Une autre caractéristique de l'œuvre de Hockney qui le sépare des autres artistes Pop est son choix de sujets. Routinièrement, Hockney dépeint le domaine domestique : des scènes de sa propre vie et de celle de ses amis. Évoluant au fil de sa carrière, ses muses ont englobé un mélange éclectique de personnes et de lieux qui documentent 60 années impressionnantes passées à l'avant-garde de l'art moderne.

Hockney a toujours trouvé l'inspiration dans le monde naturel. Des vastes paysages de sa Yorkshire natale aux couleurs vives et audacieuses du panorama californien, les œuvres de Hockney saisissent la beauté et la complexité de la nature d'une manière à la fois familière et absolument singulière.

Tout au long de sa carrière, Hockney a expérimenté différents médiums et techniques, repoussant sans cesse les limites du possible dans l'art moderne. Son amour de la nature est manifeste dans nombre de ses pièces les plus célèbres et a suscité des comparaisons avec des peintres emblématiques comme Vincent Van Gogh.

Les paysages de Hockney sont vibrants et audacieux, capturant l'essence du monde naturel d'une façon à la fois saisissante et abstraite. Son usage de la couleur est particulièrement marquant, avec des teintes franches et éclatantes qui évoquent la beauté naturelle du monde qui nous entoure. Hockney joue avec la perspective dans des peintures telles que Garrowby Hill et The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011, produisant des paysages immenses qui semblent ne jamais finir.

Cette approche distinctive rend ses œuvres très recherchées dans le monde de l'art. Par exemple, son tableau L'Arbois, Sainte-Maxime s'est vendu pour 13,1 millions de livres sterling (17,2 millions de dollars) chez Sotheby’s à Londres en octobre 2024, dépassant largement son estimation avant-vente de 7 à 10 millions de livres sterling — un témoignage de l'attrait durable et de la valeur de ses paysages éclatants.

Les paysages ne sont pas la seule source d'inspiration pour Hockney. Il a également puisé son inspiration dans la Flora And Fauna du monde naturel. Dans ses peintures florales, Hockney saisit la beauté et la délicatesse des fleurs en Still Life. Généralement représentées dans un cadre domestique, les œuvres de Hockney fusionnent le monde naturel avec des détails de l'intérieur d'une maison, soulignant à la fois sa fascination pour la nature et la vie quotidienne.

L'amour de Hockney pour la nature n'est pas seulement perceptible dans ses œuvres, mais aussi dans sa vie. Il passe une grande partie de son temps en plein air, à faire du vélo ou à se promener à travers la campagne. Cette connexion profonde avec le monde naturel se reflète dans son travail, imprégné d'un sentiment d'émerveillement et d'admiration. Comme Hockney l'a lui-même déclaré : « L'art doit vous émouvoir, ce que le design ne fait pas, à moins qu'il ne s'agisse d'un bon design de bus ». Dans son œuvre, Hockney nous rappelle la puissance et la majesté du monde naturel, ainsi que notre place en son sein.

Les bassins de natation ont longtemps été une source d'inspiration pour les œuvres de David Hockney. De ses premières toiles des années 1960 à ses plus récents iPad Drawings, l'artiste s'est largement intéressé aux formes, aux couleurs et aux textures des Swimming Pools, en faisant un motif récurrent tout au long de sa carrière.

Pour Hockney, les Swimming Pools incarnent un sentiment de loisir, de luxe et d'hédonisme. Elles symbolisent le style de vie californien qui caractérise l'endroit où il a vécu et travaillé une grande partie de sa vie, mais elles représentent bien plus que cela. Sur le plan technique, elles offrent à Hockney un terrain d'expérimentation en matière de couleur, de composition et de perspective. Entre 1964 et 1971, Hockney a réalisé de nombreuses toiles de Swimming Pool, connues sous le nom de Californian Pool Paintings, documentant chacune une approche différente pour représenter les changements éphémères à la surface de l'eau.

La plus célèbre d'entre elles est A Bigger Splash (1967), où Hockney saisit l'instant juste après qu'un plongeur a sauté dans un Swimming Pool, créant une éclaboussure qui perturbe la surface calme de l'eau. La toile est un chef-d'œuvre de composition, l'éclaboussure occupant le centre de l'attention et contrastant avec l'ordre géométrique rigide de l'arrière-plan.

Au sujet de son intérêt pour la peinture des piscines, Hockney explique : « J’adorais l’idée de peindre cette chose qui dure deux secondes ; il me faut deux semaines pour peindre cet événement qui ne dure que deux secondes. Tout le monde sait qu’une éclaboussure ne peut être figée dans le temps, donc, quand on la voit ainsi dans une peinture, c’est encore plus frappant que dans une photographie. »

Dans Portrait Of An Artist (Pool with Two Figures), Hockney poursuit son étude de la profondeur et de la surface de l’eau. Initialement conçue grâce à la juxtaposition fortuite de deux photos sur le sol de l’atelier de l’artiste, Hockney a travaillé sur cette toile pendant 18 heures par jour pendant 4 semaines avant l'ouverture prévue d'une exposition à New York. La peinture représente un homme debout au bord d'une piscine, regardant le reflet d'une autre silhouette nageant dans l'eau. La composition est saisissante par son utilisation de la couleur et de la perspective, attirant l'attention sur des manières très différentes de capturer la figure masculine.

Le motif qui a jalonné l’art de Hockney tout au long des années 60 et au début des années 70 est devenu la marque de fabrique de sa carrière artistique. Par son usage de la couleur, de la composition et de la perspective, il a transformé la piscine en un sujet iconique de l'art moderne.

Bien que ce soit un sujet d'art d'apparence anodine, David Hockney a prouvé que les chaises peuvent être une source d'inspiration et de prouesses techniques. La fascination de Hockney pour les chaises a débuté dans les années 1960, lorsqu'il a commencé à expérimenter avec la perspective et la manière de la manipuler pour créer une sensation de profondeur et d'espace dans ses œuvres.

Dans les premières œuvres de Hockney, les chaises étaient souvent représentées sous des angles inhabituels, par exemple vues de dessus ou de dessous, ou avec des proportions déformées. Ces perspectives non conventionnelles mettaient au défi la perception du spectateur et l'invitaient à considérer un objet quotidien sous un jour nouveau.

L'une des peintures de chaises les plus célèbres de Hockney est l'œuvre justement intitulée The Chair. Véritable hommage aux influences de Hockney, notamment Van Gogh, Pablo Picasso et Paul Gauguin, cette peinture est célèbre pour son exploration de la perspective qui traverse ses représentations de chaises. Dans The Chair, Hockney s'éloigne rapidement de la perspective traditionnelle à point unique pour représenter chaque face de la chaise, afin de situer le spectateur dans le plan de l'image, connectant ainsi consciemment plusieurs points de vue.

La chaise joue également un rôle dans les portraits doubles caractéristiques de Hockney. Généralement, Hockney représente un ou deux sujets assis, introduisant une autre toile pour le motif de la chaise. Dans My Parents, sa mère et son père sont assis dans leur salon, et leurs chaises sont représentées avec une perspective légèrement déformée. Ici, les dossiers des chaises sont allongés pour créer une sensation de profondeur et d'espace.

Dans ses œuvres ultérieures, Hockney a continué à jouer avec la perspective et les chaises, les utilisant comme un moyen d'explorer la relation entre le spectateur, l'objet et l'espace qu'ils occupent. Dans ses dessins sur iPad, par exemple, il a créé des collages numériques de chaises sous différents angles et perspectives, générant ainsi une impression de mouvement et de dynamisme.

David Hockney n'est pas seulement connu pour ses représentations de paysages et de personnes, mais aussi pour son amour des chiens. Son affinité pour les chiens est évidente dans son art, où il inclut fréquemment des chiens comme sujets dans ses peintures et dessins.

Hockney a commencé à dessiner des chiens en 1987 lorsqu'il a adopté sa première paire de teckels. Ce qui avait commencé comme un exercice de dessin dans son environnement immédiat est rapidement devenu une série de portraits affectueux intitulée Dog Days. Les 45 peintures de cette série tendent à montrer les adorés Stanley et Boodgie de Hockney, qu'il cherchait à capturer dans des poses naturelles à la maison.

Cette série aborde également la chaleur et l'affection que nous procurent nos animaux de compagnie dans les moments de tristesse. Dog Days a été inspirée par le décès d'un ami proche de l'artiste, Henry Geldzahler, une période sombre pour l'artiste. « Je voulais désespérément peindre quelque chose d'affectueux », a écrit David Hockney. « Je ressentais une telle perte d'amour que je voulais y faire face d'une certaine manière... Ils sont pour moi comme de petites personnes. Le sujet n'était pas les chiens, mais mon amour pour ces petites créatures. »

Parmi les muses les plus marquantes de Hockney figurent Christopher Isherwood et Don Bachardy, dont le portrait intimiste constitue un tournant dans son œuvre. Leur double portrait de 1968 est le premier de sa série de représentations de couples et établit un modèle visuel qu’il reprendra tout au long des années 1970. L’intérêt de Hockney pour eux est autant enraciné dans l’amitié que dans l’admiration esthétique : lorsqu’il s’installe à Santa Monica, il devient voisin et confident du couple, observant les interactions de leurs vies créatives dans l’intimité du foyer. Dans la peinture, Hockney arrange la géométrie des livres, des chaises et des volets pour exprimer à la fois l'unité et la séparation, capturant la tension subtile de deux individus en conversation. Ce double portrait dépeint l’intimité homosexuelle à travers le quotidien — un radicalisme discret, à l’époque, qui correspond parfaitement à la vision qu'a Hockney de ses muses comme présences vivantes, et non comme symboles.

Un nom reconnaissable qui revient régulièrement dans l'œuvre de David Hockney est celui de Celia Birtwell, une dessinatrice textile britannique qui a accédé à la notoriété dans les années 1960 et 1970 grâce à ses dessins et motifs distinctifs. David Hockney et Celia Birtwell se sont rencontrés au début des années 1960 alors qu'ils étaient étudiants en art, une rencontre qui a donné naissance à une amitié de longue date et à plusieurs projets collaboratifs. Bien que les muses de David Hockney aient souvent été des amis et amants masculins, son lien personnel et artistique avec Celia Birtwell est bien documenté. David Hockney était attiré par ses motifs audacieux et colorés, qu'il considérait comme un complément naturel à ses propres tableaux vibrants.

L'une des collaborations les plus célèbres entre David Hockney et Celia Birtwell est la série de portraits qu'il a réalisés d'elle dans les années 1970. Dans ces tableaux, David Hockney capture les traits saisissants et le style particulier de Celia Birtwell, utilisant souvent des couleurs franches et des motifs graphiques en arrière-plan.

Une autre collaboration notable entre les deux fut la création des costumes pour le travail de David Hockney sur les décors de l'opéra « The Rake's Progress ». Celia Birtwell a conçu les costumes, qui s'inspiraient du cadre du XVIIIe siècle de l'opéra et présentaient ses motifs emblématiques.

Birtwell apparaît également dans l'un des portraits doubles les plus célèbres de David Hockney, Mr and Mrs Clark and Percy. Il dépeint Celia Birtwell avec son mari, le styliste Ossie Clark, dans leur appartement londonien. David Hockney était un ami proche du couple et fut leur témoin à leur mariage en 1969. Le tableau s'inscrit dans l'approche expérimentale de David Hockney de la perspective, plaçant le spectateur à la hauteur des yeux des deux sujets. L'œuvre nous invite dans un cadre intime où nous devenons le point de convergence du regard du couple.

Évoquant ce tableau devenu une référence dans l'œuvre de David Hockney, Celia Birtwell a déclaré : « Je serai toujours connue au sein d’une sorte de trilogie, avec Ossie et David. Mais on ne se voit pas comme ça, et j'ai toujours veillé à ce que mon propre talent ne soit pas écarté. […] J'ai toujours expliqué à David que je devais rester indépendante, et c'est peut-être ce qui a maintenu une relation plutôt saine. Car j'aime beaucoup David, mais il faut être indépendant pour être avec lui. Il serait toujours compréhensif [face à vos problèmes], mais le travail de David est ce qu'il est. »

La collaboration de Maurice Payne avec David Hockney a débuté en 1971, une année charnière pour Hockney, riche en créations marquantes et en voyages intenses. Le rôle influent de Payne est immortalisé dans une gravure-portrait réalisée par Hockney cette même année, attestant de son importance dans l'œuvre d'estampe de Hockney. Durant cette période, Hockney choisissait souvent de représenter les personnes qui lui étaient proches, et Payne ne faisait pas exception.

Maurice Payne se présente comme un hommage discret à l'homme de l'ombre, la technique de gravure de Hockney insufflant la vie à la pose posée de l'imprimeur. Ici, Payne est rendu avec simplicité : un profil aussi discret que sa contribution était essentielle. Les bras croisés, il incarne un calme qui contraste avec les lignes gravées qui dessinent sa silhouette, faisant écho à la nature tactile de l'estampe elle-même. À travers cet hommage visuel, Hockney crée un instant de quiétude dans le tourbillon de créativité que partageaient l'artiste et l'imprimeur.

Laura Hockney occupe un fil conducteur tendre et constant. À travers les représentations de Hockney, sa mère Laura apparaît comme un visage de sérénité et d'introspection dans la toile de sa vie. Les lignes délicates et les teintes douces traduisent une grâce maternelle profonde, contant la nature contemplative de cette femme. Les interprétations touchantes de Laura par Hockney intègrent son image dans un récit plus large de la force tranquille et universelle de la maternité.

Ses apparitions répétées dans divers médiums font écho à un dialogue silencieux entre la mère et le fils — un témoignage des liens tacites qui nous rattachent à nos origines. Hockney dépeint souvent sa mère assise, dans une posture posée comme dans Portrait of Mother I, ou en état de repos, comme on le voit dans des œuvres telles que My Mother Sleeping, Los Angeles. Dans chaque composition cependant, Hockney vénère non seulement la femme qui l'a élevé, mais aussi l'influence incommensurable de son caractère sur son processus artistique. Elle est immortalisée à la fois comme son ancre et son phare ; une source de calme nécessaire pour alimenter les défis du métier d'artiste.

Gregory Evans occupe une place singulière dans l'armoire à souvenirs de David Hockney, une présence qui brouille les frontières entre muse, compagnon et pilier narratif. Au fil des chapitres de la vie de Hockney, Evans demeure une figure constante, se manifestant dans des œuvres qui soulignent l'évolution de leurs expériences communes.

À la fois partenaire romantique et ami de toujours, les représentations d'Evans sont riches en texture émotionnelle, racontant intimement leur histoire partagée. Il est tissé dans la trame même des œuvres de Hockney ; des Photo Collages à l'intimité espiègle jusqu'aux Portraits emblématiques, nous voyons Evans à presque tous les tournants de la carrière de Hockney. Les représentations d'Evans par Hockney — qu'il soit campé devant la beauté austère d'un hiver à Kyoto ou saisi dans la détente décontractée d'une lecture — communiquent une compréhension accrue et une connexion plus profonde. Ces itérations d'Evans à travers diverses œuvres servent non seulement à célébrer leur lien, mais aussi à explorer la nature multiforme des relations humaines, en constante évolution mais à jamais imprimée dans l'art de Hockney.

L'impact de Pablo Picasso sur Hockney est une ligne directrice évidente dans sa carrière. L'héritage de Picasso se manifeste non seulement dans l'application de la technique, mais aussi dans la manière dont Hockney dépeint ses sujets. L'interaction de Hockney avec l'œuvre de Picasso est une danse d'hommage et d'innovation, où la palette exprime à la fois le respect et la rébellion.

Chez Picasso, Hockney a trouvé non seulement l'inspiration, mais aussi une âme sœur dans la quête incessante de la vérité artistique et de la transformation. Cette admiration culmine dans des œuvres qui rendent hommage aux formes cubistes et à l'esprit radical de rupture avec la perspective conventionnelle. Peut-être pour la première fois, nous pouvons entrevoir ce que serait leur interaction à travers l'objectif de Hockney dans Artist and Model, une eau-forte représentant une esquisse monochrome de Picasso assis en tant qu'artiste, et Hockney en sujet. Hockney va jusqu'à produire sa propre version de la muse personnelle du maître peintre, Dora Maar, dans What Is This Picasso. Dans ce processus d'ombres et d'hommage, la propre toile de Hockney devient une scène où l'influence de Picasso est accueillie, à la fois comme invitée et comme guide, inspirant une conversation continue entre la maîtrise passée et l'innovation présente.

Les Photo Collages de Hockney brillent comme un récit où l'artiste s'insère, littéralement, dans le cadre. Ses pieds, motifs récurrents, servent de signatures de son omniprésence, ancrant le spectateur dans le point de vue personnel de Hockney. Même dans ses autres œuvres, comme Peter Washing, Belgrade, September, où le sujet est manifestement quelqu'un d'autre, on aperçoit Hockney se refléter très clairement dans le miroir.

Ces éléments répétés d'autoportrait ne sont pas de simples singularités de composition, mais des actes délibérés d'immersion, qui réduisent la distance entre le créateur et le spectateur. Dans ces journaux visuels, chaque image souligne la quête d'identité et de place de Hockney, reflétant le rapport entre le monde de l'observateur et celui du sujet. Par cette interjection inventive, Hockney saisit non seulement l'essence de ses sujets, mais il encadre aussi son propre récit dans le message global, fusionnant son identité avec les vies qu'il dépeint et nous invitant à en faire l'expérience.

Tout au long de sa longue et prolifique carrière, Hockney n'a cessé d'innover grâce à son usage du format, des médiums et des matériaux. Des Polaroïds aux photocopieurs, des iPads aux iPhones, Hockney a adopté la technologie comme un outil pour créer de l'art et repousser les limites des formes artistiques traditionnelles.

L'une des œuvres les plus célèbres de Hockney réalisées grâce à la technologie est sa série d'iPad Drawings. Hockney a commencé à expérimenter avec l'iPad en 2009 et a rapidement découvert les possibilités qu'il offrait pour créer un nouveau type d'art. En utilisant l'application Brushes pour réaliser des dessins complexes de paysages, de fleurs et de portraits, les iPad Drawings de Hockney conservent les couleurs vibrantes et les lignes audacieuses caractéristiques de son travail.

Hockney a également eu recours à la technologie pour créer des photomontages, qui sont des images grand format composées de multiples photographies. Ces œuvres, comme Pearblossom Highway de 1986, sont réalisées en prenant des centaines de clichés individuels et en les assemblant pour former une seule image homogène.

Plus récemment, l'exposition Hockney’s Lightroom a donné vie à certains des motifs et des muses de sa carrière longue de six décennies. En collaboration avec 59 Studios, l'exposition comprenait six « chapitres » qui guidaient le visiteur à travers ses réflexions, sa pratique et sa propre vision du monde.

La technique, l'innovation et la subversion de Hockney ont fait de lui l'un des artistes les plus influents des XXe et XXIe siècles, et son impact sur le monde de l'art perdure. Son style singulier, qui mêle techniques modernes et traditionnelles, a inspiré et captivé d'innombrables collectionneurs et artistes du monde entier.

Hockney a puisé son inspiration dans une grande variété de sources, allant de la beauté naturelle du monde qui l'entoure aux personnes et aux animaux de compagnie de sa vie. Son usage de couleurs vives, de perspectives inhabituelles et de techniques diverses a contribué à redéfinir les limites des formes d'art traditionnelles et à marquer de nouveaux horizons pour la pratique moderne.

Pour les collectionneurs et les amateurs désireux d'ajouter une œuvre de Hockney à leur collection, un large éventail d'options s'offre à eux. De ses tableaux iconiques de Swimming Pool à ses photomontages et ses iPad Drawings, les œuvres de Hockney continuent de séduire aussi bien les collectionneurs que les amateurs d'art.

Pour ceux qui souhaitent investir dans l'art de Hockney, MyArtBroker propose une gamme de services pour aider les collectionneurs. Grâce à un accès aux dernières analyses et tendances du marché de l'art, les experts de MyArtBroker peuvent fournir des conseils sur l'achat et la vente d'œuvres, tout en aidant les collectionneurs à trouver la pièce idéale pour leur collection.

Vous pouvez obtenir une analyse d'experts approfondie sur le marché de Hockney dans notre rapport : Extremely Limited: The David Hockney Edition.