Top 10 des scandales du monde de l'art

Salvator Mundi, un tableau du Christ attribué à Leonardo da Vinci, a été vendu pour la somme stupéfiante de 450,3 millions de dollars lors d'une vente aux enchères chez Christie's en 2017, battant tous les records comme l'œuvre d'art la plus chère jamais vendue. L'identité de l'acheteur est restée secrète initialement, mais il a été révélé plus tard qu'il s'agissait du Prince Badr bin Abdullah bin Mohammed bin Farhan al-Saud, un membre relativement peu connu de la famille royale saoudienne. Le New York Times a cependant rapporté ultérieurement qu'il agissait en tant que mandataire pour le Prince héritier d'Arabie saoudite, Mohammed bin Salman, ajoutant une nouvelle couche d'intrigue à l'histoire déjà mystérieuse de cette œuvre.

Le parcours du Salvator Mundi a été semé d'incertitudes et de controverses, principalement en raison des questions entourant sa véritable paternité. Pendant des siècles, l'on a cru que ce tableau avait disparu. Il a refait surface au XXe siècle, mais fut attribué à un suiveur de Léonard et vendu pour 45 livres sterling aux enchères en 1958. Ce n'est qu'après une restauration approfondie au XXIe siècle que certains experts ont commencé à attribuer l'œuvre à da Vinci lui-même, une attribution essentielle pour faire grimper la valeur du tableau. Néanmoins, l'authenticité du Salvator Mundi en tant qu'original de Léonard fait l'objet d'un débat houleux parmi les historiens de l'art et les experts. Certains critiques évoquent des incohérences dans la technique, le style et la qualité pour suggérer que l'œuvre pourrait ne pas être entièrement de Léonard, ou peut-être pas de lui du tout. Ils avancent que l'œuvre aurait pu être réalisée par des assistants ou des élèves, ou qu'elle pourrait provenir d'un suiveur mais pas directement de la main de Léonard.

La nature secrète de la vente du tableau, son prix sans précédent et le manque de consensus au sein de la communauté artistique concernant son attribution jettent une longue ombre de doute. L'œuvre a acquis une notoriété particulière dans le discours contemporain, surtout après qu'il fut révélé qu'elle avait passé plusieurs années après son achat à bord du yacht du prince saoudien.

La Knoedler Gallery était une institution artistique reconnue depuis 1846, jouissant d'une excellente réputation dans le commerce d'œuvres d'art authentiques haut de gamme. Cependant, un revirement surprenant s'est produit à la fin des années 1990, lorsque la galerie a commencé à vendre une série de tableaux inédits, prétendument peints par des artistes expressionnistes abstraits célèbres tels que Jackson Pollock, Mark Rothko et Robert Motherwell. Ces œuvres avaient été acquises par la directrice de la galerie, Ann Freedman, auprès d'une marchand d'art énigmatique nommée Glafira Rosales, qui assurait que les tableaux provenaient d'un collectionneur suisse anonyme. La vérité, toutefois, était que ces peintures étaient des faux créés par un artiste chinois nommé Pei-Shen Qian.

Sur une période de 15 ans, Freedman et la Knoedler Gallery ont fait fortune en vendant plus de 60 faux tableaux à des collectionneurs fortunés, réalisant plus de 64 millions de livres sterling grâce à ces transactions. La galerie et Freedman soutenaient avoir cru en l'authenticité des œuvres, se fiant à la provenance alléguée fournie et aux ressemblances stylistiques superficielles avec les créations originales des artistes. Après 165 ans d'existence, la Knoedler Gallery a fermé ses portes en 2011 à cause de ce scandale, tandis que de nombreux procès étaient intentés par les collectionneurs lésés. Rosales a finalement plaidé coupable de fraude électronique, d'évasion fiscale et de blanchiment d'argent en 2013, tandis que Qian s'est enfui en Chine pour éviter les poursuites. Cette affaire a fait l'objet du documentaire Netflix intitulé Made You Look.

Les marbres d'Elgin, également connus sous le nom de marbres du Parthénon, sont un ensemble de sculptures en marbre, d'inscriptions et de pièces architecturales de la Grèce antique qui faisaient à l'origine partie du temple du Parthénon et d'autres édifices de l'Acropole d'Athènes. Ils font l'objet d'un vif différend entre le Royaume-Uni et la Grèce depuis le début du XIXe siècle, lorsque Thomas Bruce, 7e comte d'Elgin, ambassadeur britannique auprès de l'Empire ottoman (qui contrôlait alors la Grèce), fit enlever ces œuvres entre 1801 et 1812. Les agents d'Elgin prélevèrent environ la moitié des sculptures survivantes du Parthénon, ainsi que des sculptures du Propylée et de l'Érechthéion. Le Comte affirma avoir été motivé par le désir de préserver les marbres des dégradations, mais ses méthodes d'acquisition et ses motivations ont toujours suscité la controverse. Elgin vendit ensuite ces marbres au gouvernement britannique en 1816, et ils furent exposés par la suite au British Museum à Londres, où ils se trouvent encore aujourd'hui.

Le gouvernement grec, ainsi que de nombreux citoyens grecs et internationaux, réclament officiellement le retour des marbres d'Elgin en Grèce depuis 1983. Ils soutiennent que les marbres ont été pris illégalement durant une période d'occupation turque et qu'ils sont essentiels pour comprendre le Parthénon, un site classé au patrimoine mondial de l'UNESCO. De plus, avec l'achèvement de l'Acropolis Museum à Athènes, la Grèce affirme disposer des infrastructures nécessaires pour abriter et exposer convenablement ces marbres.

Le British Museum et le gouvernement britannique ont résisté à ces demandes, affirmant que les marbres avaient été acquis légalement et qu'ils étaient accessibles à un public plus large au British Museum. Ils estiment que la vocation du musée est de présenter les marbres dans le contexte de l'histoire mondiale, ce qui ne serait pas le cas si les œuvres étaient restituées à la Grèce. Ce conflit persistant autour des marbres d'Elgin reflète des débats plus larges concernant le patrimoine culturel, la propriété et la restitution des artefacts historiques.

La peinture The Scream d' Edvard Munch est l'une des œuvres les plus reconnaissables de l'histoire, mais elle détient aussi le triste honneur d'avoir été volée non pas une, mais deux fois. L'artiste a en réalité créé quatre versions distinctes de l'œuvre, dont deux furent la cible de voleurs. Le premier méfait a eu lieu en février 1994, pendant les Jeux Olympiques d'hiver à Lillehammer, en Norvège, lorsque deux hommes se sont introduits dans la Galerie Nationale d'Oslo et ont dérobé la version de 1893 du tableau. Les voleurs ont laissé une note disant : « Merci pour la mauvaise sécurité ». Après que le musée a refusé de payer une rançon pour l'œuvre, la police norvégienne, avec l'aide de détectives britanniques, a mené une opération coup de filet et a réussi à récupérer la peinture plus tard cette année-là. Le tableau avait subi des dommages à cause du traitement brutal subi durant le vol, mais il a été restauré avec succès par le musée.

Le deuxième vol s'est produit en août 2004, lorsqu'une autre version de The Scream — accompagnée du tableau de Munch, Madonna — a été dérobée au Musée Munch, également à Oslo. Des hommes armés et masqués sont entrés dans le musée en plein jour, menaçant les gardiens et les visiteurs avec des pistolets avant de décrocher brutalement les peintures du mur et de s'enfuir dans un véhicule de fuite. Les œuvres n'étaient pas protégées par une vitre car le musée s'apprêtait à les déplacer vers un endroit plus sûr. Deux ans plus tard, la police norvégienne a retrouvé les deux œuvres. Cependant, tout comme lors de la première tentative, les deux œuvres ont subi des dégâts, mais elles ont, une fois de plus, été restaurées et finalement remises en exposition.

Ces vols spectaculaires mettent en lumière l'attrait et la valeur des œuvres d'art très médiatisées comme The Scream sur le marché noir, et soulignent particulièrement l'importance de mesures de sécurité rigoureuses dans les musées et les galeries — quel que soit le pays qui les abrite.

Ana Mendieta, artiste cubano-américaine connue pour ses travaux en performance, sculpture, photographie et vidéo, est décédée tragiquement et dans des circonstances controversées le 8 septembre 1985. Elle est tombée de la fenêtre de son appartement au 34e étage à New York, et son mari, le sculpteur minimaliste Carl Andre, a été inculpé de son meurtre. La nuit de sa mort, des voisins ont rapporté avoir entendu une violente dispute provenant de l'appartement, suivie des cris d'une femme disant « Non, non, non, non », avant la chute de Mendieta. Andre a d'abord déclaré à la police qu'ils s'étaient disputés, mais a ensuite affirmé que Mendieta avait glissé et était tombée par la fenêtre. Pendant le procès d'Andre, la défense a soutenu que Mendieta était dépressive et a suggéré qu'elle aurait pu sauter. Inversement, l'accusation soutenait qu'Andre l'avait poussée par la fenêtre lors d'une altercation due à l'alcool. Dans une décision controversée, Andre a été acquitté de toutes les charges en 1988.

La mort de Mendieta et l'acquittement subséquent d'Andre font l'objet de débats constants et de protestations au sein du monde de l'art. Au fil des ans, de nombreux artistes et militants, y compris le groupe féministe Guerrilla Girls, ont organisé des manifestations pour sensibiliser à la mort de Mendieta et aux dynamiques de genre en jeu dans le milieu de l'art. Le décès prématuré de Mendieta et les circonstances qui l'entourent demeurent une partie importante de son héritage, tout comme son œuvre influente.

Le jeune marchand d’art Inigo Philbrick était autrefois une étoile montante du marché de l’art. Il a commencé sa carrière à la prestigieuse galerie londonienne White Cube avant de lancer ses propres galeries à Londres et à Miami, à seulement 24 ans. Cependant, l’ascension de Philbrick a été entachée par la manipulation : il a faussé des centaines de transactions, gonflé les valorisations et revendu la même œuvre à plusieurs acheteurs.

Philbrick a été reconnu coupable d’avoir organisé des montages financiers complexes, tels que des prêts et des garanties, pour acquérir des œuvres, avant de vendre ou de mettre ces mêmes pièces en gage auprès de différents investisseurs – souvent à des prix majorés. Dans un exemple notoire, Philbrick a vendu une participation de 50 % dans un tableau de Jean-Michel Basquiat à plusieurs investisseurs, amassant ainsi plus de 100 % des parts de propriété. Ce stratagème élaboré lui a permis d’obtenir des millions de dollars d’investissements, mais a finalement conduit à la faillite de ses galeries et à sa condamnation à sept ans de prison en 2022.

Ai Weiwei, l'un des artistes contemporains et militants politiques chinois les plus célèbres, a été arrêté par les autorités chinoises le 3 avril 2011. Son arrestation a été largement perçue comme faisant partie d'une répression plus large de la dissidence en Chine, notamment suite aux appels en ligne à une « révolution » dans le sillage du Printemps arabe. Les autorités n'ont initialement pas révélé les motifs de sa détention, mais ont ensuite accusé Ai de fraude fiscale, de bigamie et de diffusion d'images indécentes sur Internet. Les partisans de l'artiste, cependant, ont majoritairement considéré ces accusations comme politiquement motivées et comme une tentative de réduire au silence les critiques acerbes d'Ai à l'égard du gouvernement chinois.

L'arrestation d'Ai a provoqué une vague d'indignation internationale, divers gouvernements et organisations de défense des droits de l'homme réclamant sa libération. Après 81 jours de détention, il a été libéré sous des conditions de mise en liberté sous caution strictes, incluant des restrictions sur ses voyages et l'interdiction de s'exprimer auprès des journalistes ou d'utiliser les réseaux sociaux. Au cours des années suivantes, Ai a continué d'être un critique virulent du gouvernement chinois, et il a également créé des œuvres abordant les thèmes de la liberté d'expression, des droits de l'homme et de l'oppression politique. L'arrestation d'Ai et ses œuvres ultérieures ont attiré davantage l'attention internationale sur les questions de censure et de répression politique en Chine.

Richard Prince, peintre et photographe américain, est connu pour son travail dans le domaine de l'art d'appropriation. Il a été impliqué dans plusieurs procès très médiatisés concernant le droit d'auteur, dont le plus célèbre concerne une série d'œuvres qu'il a produites sous le titre Canal Zone. Cette série impliquait que Prince prenne des photographies issues d'un livre du photographe français Patrick Cariou et les modifie en y ajoutant des éléments artistiques supplémentaires. Ces œuvres ont ensuite été présentées comme étant les siennes, exposées et vendues pour des sommes considérables.

Cariou a poursuivi Prince pour violation du droit d'auteur en 2009. Initialement, un tribunal de district américain s'était prononcé en faveur de Cariou en 2011, estimant que l'œuvre de Prince ne constituait pas une utilisation équitable (fair use). Cependant, cette décision a été partiellement annulée par une cour d'appel en 2013, laquelle a statué que 25 des 30 œuvres de la série Canal Zone étaient protégées par le droit de citation (fair use) car elles présentaient une nouvelle esthétique et étaient transformatrices. Le cas des cinq œuvres restantes a été renvoyé devant le tribunal de district pour réexamen, mais Prince et Cariou ont réglé l'affaire à l'amiable avant qu'une décision ne soit rendue.

En 2014, il a de nouveau soulevé des questions sur la nature de l'art, du droit d'auteur et de la vie privée avec sa série New Portraits. Pour ces œuvres, Prince a réalisé des captures d'écran des photos Instagram d'autres personnes sans leur autorisation, y a ajouté ses propres commentaires et a imprimé les images sur de grandes toiles. Parmi celles-ci figuraient des images de personnalités célèbres, ainsi que celles d'utilisateurs d'Instagram moins connus. Les portraits ont été exposés à la Gagosian Gallery à New York et vendus à des prix élevés, rapportés jusqu'à 100 000 dollars, sans aucune compensation pour les utilisateurs Instagram originaux.

Outre les questions soulevées concernant le droit d'auteur, cette dernière série a également suscité la controverse en raison des questions de consentement et de la monétisation du contenu des réseaux sociaux. Plusieurs des personnes dont les photos ont été utilisées ont exprimé leur indignation, tant face à l'appropriation de leurs images sans permission qu'au fait que leurs images soient vendues pour des sommes importantes sans compensation financière. Prince a défendu ses actions en arguant que les images étaient essentiellement publiques car elles avaient été publiées sur une plateforme de médias sociaux publique. Il a également soutenu que ses ajouts – principalement sous forme de commentaires – transformaient suffisamment les images pour qu'elles puissent être considérées comme de nouvelles œuvres, un principe qui repose sur un certain soutien légal dans la loi sur le droit d'auteur pour « utilisation équitable » (fair use), du moins aux États-Unis. En 2023, deux plaignants ont remporté des victoires préliminaires contre l'artiste, bien qu'il reste à voir comment le reste de l'affaire se déroulera.

La carrière de Prince a attiré une attention considérable sur les frontières entre l'art d'appropriation et la violation du droit d'auteur, ayant eu des implications majeures pour les artistes qui utilisent des techniques similaires.

L'art d'Amedeo Modigliani, artiste italien du début du XXe siècle célèbre pour ses portraits et sculptures languides et allongés, a fait l'objet d'un nombre prolifique de faux, qui ont été largement diffusés et ont trompé collectionneurs, musées et maisons de ventes aux enchères dans le monde entier. Le travail de Modigliani est particulièrement vulnérable à la contrefaçon pour plusieurs raisons. Son style distinctif est relativement plus facile à reproduire que celui d'autres artistes, et il n'a pas connu de succès commercial de son vivant. Par conséquent, il n'a pas tenu d'inventaire de ses œuvres, ce qui rend difficile l'authentification des pièces véritables. De plus, il avait l'habitude d'échanger des œuvres d'art contre des repas ou un logement, créant ainsi un historique de provenance fragmenté que les faussaires peuvent exploiter.

L'un des scandales les plus marquants impliquant des faux Modigliani a eu lieu en Italie en 2017, lorsqu'une exposition au Palazzo Ducale de Gênes comprenait 21 œuvres supposées de Modigliani dont l'authenticité était douteuse. Après qu'un Art Critic et quelques autres aient exprimé des doutes, la Carabinieri Art Fraud Unit, la brigade de police italienne spécialisée dans la criminalité artistique, a saisi les œuvres et a déterminé qu'il s'agissait effectivement de faux.

En raison de la prévalence des faux Modigliani, le marché de ses œuvres a été affecté, et les acheteurs potentiels sont souvent très prudents. Certains experts estiment que près d'un cinquième de toutes les pièces de Modigliani pourraient être des faux, ce qui illustre le problème plus large de la contrefaçon d'œuvres d'art et souligne l'importance de la recherche de provenance et de l'analyse technique dans l'authentification artistique.

Depuis ses débuts en 2017, le mouvement #MeToo a été un moteur de changement en mettant en lumière le harcèlement et les agressions sexuelles dans de nombreux secteurs, y compris le monde de l'art. Comme dans d'autres domaines, ce mouvement a révélé de nombreux cas d'inconduite et d'abus de pouvoir au sein de la communauté artistique, touchant des artistes, des conservateurs et des administrateurs, et impliquant des figures majeures du milieu. Par exemple, Knight Landesman, éditeur du magazine Artforum, a démissionné en 2017 après que plusieurs femmes l'ont accusé de harcèlement sexuel. Dans une autre affaire très médiatisée, le photographe Nicholas Nixon a pris sa retraite du Massachusetts College of Art and Design suite aux plaintes d'étudiants concernant un comportement inapproprié. Plus récemment, le galeriste allemand Johann König a été accusé de conduite sexuelle inappropriée par dix femmes, ce qui a poussé plusieurs artistes à quitter sa galerie autrefois prestigieuse.

Cependant, l'impact du mouvement #MeToo dans le monde de l'art dépasse ces cas individuels. Il a entraîné une réévaluation de certains artistes et de leurs œuvres ; des créations autrefois acceptées ou célébrées sont aujourd'hui examinées à l'aune des comportements problématiques de leurs créateurs. Cela soulève des questions complexes sur la nécessité et la manière d'exposer de telles œuvres. Cette situation a affecté l'héritage de plusieurs artistes importants, dont Chuck Close et Pablo Picasso.

De plus, ce mouvement a suscité des appels en faveur d'une représentation plus équitable dans le monde de l'art, un milieu qui, comme beaucoup d'autres, a longtemps été dominé par des hommes occupant des postes de pouvoir. Cela se traduit non seulement par une exigence accrue d'artistes femmes, mais aussi par une demande pour davantage de femmes occupant des fonctions de direction dans les musées et les galeries.