Ai Weiwei : les prix d'adjudication les plus élevés enregistrés en salle des ventes

Circle of Animals/Zodiac Heads (2010) est un chef-d'œuvre exceptionnel qui illustre la convergence d'influences artistiques et culturelles diverses. Inspirées par des œuvres du XVIIIe siècle provenant de l'ancien palais d'Été de Pékin, ces sculptures furent initialement commandées par l'empereur Qianlong et réalisées par Giuseppe Castiglione, un jésuite italien, pour représenter les douze animaux du zodiaque chinois. Les sculptures présentent un style unique qui témoigne de la rare coalescence de l'art sino-européen. Le contexte historique renforce leur portée : les originaux ont été pillés lors de la seconde guerre de l'opium dans les années 1860, et seuls sept des douze animaux originaux sont connus à ce jour – cinq ont été rapatriés en Chine, tandis que la localisation de deux d'entre eux demeure un mystère. Pour combler ces lacunes, Ai Weiwei a réimaginé les pièces manquantes à travers sa propre interprétation dans cette œuvre prolifique.

Cette œuvre détient le record d'enchères le plus élevé pour Ai Weiwei, ayant été adjugée pour la somme impressionnante de 3 442 500 livres sterling (frais inclus) lors d'une vente chez Phillips en juin 2015.

Ai Weiwei a également minutieusement façonné des séries de sculptures du Zodiaque en bronze doré lustré. L'intrigue inhérente à ces pièces trouve sa source dans le statut incertain de deux statues originales, entourées d'un récit complexe de litiges de propriété et de tentatives de rapatriement infructueuses. En 2009, la succession du couturier français Yves Saint Laurent a confié deux des têtes sculptées à Christie's Paris, déclenchant des tensions diplomatiques avec le gouvernement chinois en raison de la profonde importance culturelle des œuvres originales. La réinterprétation par Ai Weiwei de l'ensemble complet des sculptures apparaît comme une réponse poignante à ce conflit complexe, interrogeant habilement le concept de marchandisation tout en rendant ces objets accessibles à un public plus large, catalysant ainsi un débat sur le patrimoine culturel et la réinterprétation artistique.

Ai Weiwei a créé huit éditions de cette œuvre, ainsi que quatre épreuves d'artiste. Trois ensembles en bronze doré ont été vendus, d'abord chez Phillips en février 2015, atteignant 2 882 500 livres sterling ; puis chez Phillips en mai 2017, atteignant 2 610 065 livres sterling ; et plus récemment chez Sotheby's en novembre 2019, atteignant 2 200 437 livres sterling. Tous les prix indiqués incluent les frais et assurent à ces œuvres une place parmi les dix meilleures ventes d'Ai Weiwei.

« The Map of China » (2008-2009) a été réalisée à partir de bois de récupération provenant des ruines de temples de la dynastie Qing. Culminant à une hauteur impressionnante de 100 centimètres, cette œuvre dépeint avec adresse les frontières géographiques de la Chine sous la forme d'un arbre émergeant du sol. Vue d'en haut, la disposition habile des fragments de bois réutilisés forme la masse terrestre du pays, encapsulant une métaphore profonde qui englobe l'héritage historique et les réalités contemporaines de la Chine. Elle constitue un hommage poignant aux pertes passées et aux pratiques transformatrices du présent.

L'œuvre d'Ai Weiwei démontre une interaction convaincante entre les influences occidentales et la tradition chinoise, un thème récurrent dans son travail. « The Map of China » a suscité une attention constante sous divers aspects, atteignant des prix de vente notables au sein de plusieurs maisons de ventes aux enchères. L'œuvre illustrée a été adjugée chez Christie's en mai 2016 pour 1 744 784 livres sterling (frais inclus). Un an plus tard, la même œuvre a été vendue chez Phillips London, atteignant un prix à six chiffres de 789 000 livres sterling (frais inclus). Deux autres éditions, dont une aux dimensions plus réduites, ont fait leur apparition sur le marché de l'art asiatique, se vendant chez Sotheby's Hong Kong en octobre 2015 pour 1 007 466 livres sterling (frais inclus) et en avril 2014 pour 702 770 livres sterling (frais inclus). Ces quatre ventes se sont toutes hissées parmi les dix meilleures ventes d'œuvres d'Ai Weiwei.

En février 2016, Sotheby's a présenté le triptyque photographique intitulé « Dropping a Han Dynasty Urn » (1994-2004), qui a atteint le prix remarquable de 755 000 livres sterling (frais inclus). Cette œuvre complexe s'inscrit dans une démarche performative mêlant plusieurs médias et explore le thème de l'iconoclasme, comme le suggère son titre évocateur. Les images capturées documentent l'acte d'Ai Weiwei laissant tomber délibérément une urne de la dynastie Han, conservée depuis plus de deux millénaires.

La destruction volontaire de cet artefact culturel majeur constitue une critique audacieuse de la position du gouvernement chinois, pour lequel toute dégradation de tels objets est passible de sanctions. Fidèle à la démarche artistique d'Ai, « Dropping a Han Dynasty Urn » reconstruit des fragments de l'histoire chinoise — tant sur le plan métaphorique que littéral — en questionnant avec provocation l'adaptation des valeurs culturelles traditionnelles aux pratiques contemporaines. Cette œuvre stimulante propose une réflexion convaincante sur la complexité de la préservation culturelle et sur les tensions entre héritage historique et évolution sociétale.

« He Xie » (2010) d'Ai Weiwei tire son nom d'un homonyme chinois associé à la notion de « harmonie » prônée par le gouvernement. Cette œuvre repose sur un élément central qui attire immédiatement le regard : 3 000 crabes de rivière en porcelaine.

La création de « He Xie » fut profondément influencée par un événement marquant de la vie d'Ai en 2010, lorsque les autorités chinoises ont démoli son atelier en réaction à son activisme sans concession. Avant la destruction de son studio, Ai avait, dit-on, organisé un dîner incluant des crabes au menu. Cependant, en raison de son assignation à résidence, puis de son incarcération de 81 jours, il ne put y assister. Ces expériences personnelles, vécues dans un contexte de censure extrême au sein de la société chinoise, nourrissent le message sous-jacent de « He Xie » : une critique virulente des droits de l'homme. L'œuvre, empreinte d'une profonde pertinence et d'une expression poignante, illustre parfaitement l'exigeante démarche artistique d'Ai et témoigne de sa résilience ainsi que de sa détermination à faire de son travail une plateforme pour le commentaire social et politique. « He Xie » a été adjugée chez Phillips en octobre 2018 pour 609 000 livres sterling (frais inclus).

« Kui Hua Zi (Graines de tournesol) » (2008-2010), exposée à la Tate Modern en octobre 2010, est une installation monumentale composée de cent millions de graines de tournesol en porcelaine réalisées à la main, pesant au total dix tonnes et couvrant le sol du Turbine Hall. Cette œuvre représente l'une des pièces les plus reconnaissables et les plus cotées d' Ai Weiwei , comme en témoigne la vente par Sotheby's de 200 kilogrammes de ces graines en mai 2012, ayant atteint 484 211 livres sterling (frais inclus).

Créée en collaboration avec des artisans de la célèbre région porcelainière de Chine, « Kui Hua Zi » illustre l'exploration par Ai de l'intersection entre les cultures asiatique et occidentale, transformant la matérialité en art contemporain tout en soulignant une portée transculturelle. Sa présence sur le marché secondaire témoigne de la circulation d'objets matériels célébrant la diversité des cultures.

La première rétrospective nord-américaine d'Ai Weiwei s'est tenue au Hirshhorn Museum de Washington en 2012, où « Forever Bicycles » (2003) occupait une place centrale. Cette œuvre de jeunesse d'Ai s'articule autour du contexte culturel de Forever, une entreprise de vélos shanghaïenne fondée en 1940 qui s'adressait aux travailleurs de la classe moyenne chinoise. Au fil du temps, les mutations sociétales et les avancées en matière de technologie ont entraîné un déclin de la popularité de l'entreprise, les deux-roues motorisés devenant le mode de transport privilégié. Par l'entrelacement complexe de fourches et de roues de vélos, Ai démontre son habileté à fusionner les récits de l'histoire de l'art avec le concept de l'objet ready-made.

« Forever Bicycles » explore les thèmes de la consommation de masse, de la technologie et de la juxtaposition du passé et du futur. La vente de l'œuvre pour 481 609 livres sterling (frais inclus) chez Sotheby's Hong Kong en octobre 2015 a trouvé un écho retentissant auprès du public asiatique, soulignant la reconnaissance et l'appréciation mondiales de l'œuvre stimulante d'Ai.

Considérée comme l'un des chefs-d'œuvre les plus intellectuellement et conceptuellement stimulants d'Ai WeiWei, Grapes (2012) constitue une fusion remarquable de références à l'histoire de l'art et du récit artistique de l'artiste, qui entremêle avec subtilité des allusions culturelles. L'œuvre incarne la profonde maîtrise de l'histoire de l'art chez Ai WeiWei, tout en restant fidèle à sa démarche singulière. Composée de vingt-cinq tabourets datant de la dynastie Qing, Grapes rend hommage au riche passé historique de la Chine. En assemblant littéralement ces tabourets, Ai détourne leur fonction matérielle pour évoquer l'un des motifs bourgeois les plus emblématiques de la peinture occidentale depuis la Renaissance : la grappe de raisin. En recontextualisant une tradition historique chinoise ainsi qu'un objet associé à la classe moyenne, l'artiste l'élève au rang de symbole d'opulence et d'extravagance.

Grapes a été adjugée 464 282 livres sterling (frais inclus) chez Sotheby's Hong Kong en avril 2016, confirmant son statut parmi les œuvres d'Ai WeiWei ayant obtenu les prix les plus élevés sur le marché.

L'œuvre « Coloured Vases » (2006) d'Ai Weiwei est une création provocatrice qui continue de susciter des débats et de figurer parmi ses œuvres les plus prisées sur le marché secondaire. Cette pièce implique l'utilisation de vases de la dynastie Han, sur lesquels l'artiste a appliqué une couche de peinture vive, agrémentée d'effets de coulures, offrant ainsi une nouvelle strate de sens et un espace d'interprétation. Le fait de peindre ces vases d'une grande importance culturelle a été accueilli de manière critique par divers publics. Si certains y voient un geste iconoclaste, rejetant la valeur culturelle attachée à ces objets, d'autres saluent une forme d'intersection culturelle et une manière courageuse d'activisme défiant la censure.

Tout au long de sa pratique, Ai a constamment démontré son engagement à libérer la beauté et à réévaluer la valeur attribuée aux objets. La vente de ces vases a atteint le prix notable de 458 500 livres sterling (frais inclus) lors d'une vacation chez Sotheby's en octobre 2014.

En repoussant les limites de la contestation contre le gouvernement chinois et en intégrant des références symboliques aux mouvements artistiques modernes, Ai Weiwei poursuit son exploration des influences culturelles en transformant une urne chinoise dans son œuvre « Coca-Cola Vase » (2011). Conservant les traces de la portée historique de l'urne, l'artiste s'aventure dans le Pop art et, par interprétation, dans le Street art, en parant le récipient de l'emblématique image de marque de Coca-Cola, symbole universel de la culture occidentale. Cet acte a fait l'objet d'interprétations diverses ; certains y perçoivent un geste iconoclaste dépouillant l'urne de sa signification traditionnelle, ce qui correspond précisément aux intentions d'Ai Weiwei. Bien qu'elle ne soit pas motivée par une intention malveillante, cette œuvre vise à susciter un dialogue sur la portée culturelle, invitant à une réflexion sur les notions de protection, de sens et d'interprétation dans le contexte des objets et de l'évolution de leur signification.

« Coca-Cola Vase » (2011) figure parmi les œuvres les plus vendues d'Ai Weiwei, ayant atteint 418 950 livres sterling (frais inclus) chez Phillips en novembre 2014.