Ai Weiwei : les meilleurs prix atteints aux enchères

Le projet Circle of Animals/Zodiac Heads (2010) est un chef-d’œuvre notable qui illustre la convergence d’influences artistiques et culturelles diverses. Inspirées d’œuvres du XVIIIe siècle provenant de l’Ancien Palais d’été de Pékin, ces sculptures avaient été initialement commandées par l’empereur Qianlong et mises au jour par Giuseppe Castiglione, un jésuite italien, afin de représenter les douze animaux du zodiaque chinois. Les sculptures possèdent un style singulier qui reflète cette rare fusion entre l’art sinisé et l’art européen. Le contexte historique renforce leur importance, car les originaux furent pillés lors de la seconde guerre de l’opium dans les années 1860, ne laissant que sept des douze pièces originales dont on connaisse l’existence – cinq ont été rapatriées en Chine, mais le sort des deux autres reste un mystère. Pour combler ces lacunes, Ai Weiwei a réinterprété les pièces manquantes à travers sa propre vision dans cette œuvre prolifique.

Cette œuvre détient le record de vente aux enchères d’Ai Weiwei, ayant été vendue au prix impressionnant de 3 442 500 £ (frais inclus) chez Phillips en juin 2015.

Ai Weiwei a également conçu méticuleusement des séries de sculptures du Zodiaque en bronze doré et lustré. Le mystère intrinsèque de ces pièces trouve sa source profonde dans le statut non confirmé de deux statues originales, enveloppées dans un récit déroutant de propriété contestée et de tentatives de rapatriement infructueuses. En 2009, la Succession d'Yves Saint Laurent, grand couturier français, a confié deux des têtes des sculptures à Christie's Paris, suscitant des tensions diplomatiques avec le gouvernement chinois en raison de l'importance culturelle majeure des œuvres originales. La réinterprétation par Ai Weiwei de l'ensemble complet des sculptures apparaît comme une réponse poignante à ce conflit complexe, interrogeant avec brio le concept de commercialisation tout en rendant ces objets accessibles à un public plus large, catalysant ainsi un débat sur le patrimoine culturel et la réinterprétation artistique.

Ai a créé huit éditions de cette œuvre, plus quatre épreuves d'artiste. Trois séries en bronze doré ont été vendues, la première chez Phillips en février 2015, atteignant 2 882 500 £ ; à nouveau chez Phillips en mai 2017, réalisant 2 610 065 £ ; et plus récemment chez Sotheby's en novembre 2019, pour 2 200 437 £. Tous les prix indiqués incluent les frais et assurent à ces pièces une place dans le top dix des œuvres d'Ai Weiwei les plus vendues.

The Map of China (2008-2009) est réalisée à partir de bois de récupération provenant des ruines d’un temple de la dynastie Qing. Haute d’un impressionnant mètre, cette œuvre d’art dépeint habilement les frontières géographiques de la Chine à travers un arbre qui émerge du sol. Vue de dessus, la disposition ingénieuse des fragments de bois réemployés dessine la masse continentale du pays, encapsulant une métaphore profonde qui englobe l’héritage historique de la Chine et ses réalités contemporaines. Elle rend un hommage poignant aux pertes passées et aux pratiques transformatrices du présent.

L’œuvre d’Ai Weiwei démontre une interaction fascinante entre les influences occidentales et chinoises traditionnelles, un thème récurrent dans son travail. The Map of China a suscité un intérêt constant sous diverses formes, réalisant des ventes notables dans plusieurs maisons de ventes. L’œuvre illustrée s’est vendue chez Christie's en mai 2016 pour 1 744 784 £ (frais inclus). Un an plus tard, la même œuvre était vendue chez Phillips Londres, atteignant un prix à six chiffres de 789 000 £ (frais inclus). Deux autres éditions, dont une de dimensions plus réduites, sont apparues sur le marché de l'art asiatique, l'une s’étant vendue chez Sotheby's Hong Kong en octobre 2015, pour 1 007 466 £ (frais inclus) et l'autre en avril 2014, pour 702 770 £ (frais inclus). Ces quatre ventes se positionnent solidement parmi les dix œuvres les plus prisées d’Ai.

En février 2016, Sotheby's a présenté le triptyque photographique intitulé Dropping A Han Dynasty Urn (1994-2004), qui a atteint un prix notable de 755 000 £ (frais compris). Cette œuvre complexe fonctionne comme une performance multimédia, explorant le domaine de l'iconoclasme, comme son titre évocateur l'indique. Les images capturées documentent Ai Weiwei en train de laisser tomber physiquement une urne de la dynastie Han préservée, qui avait résisté à l'épreuve du temps pendant plus de deux millénaires.

La destruction délibérée de cet artefact culturellement significatif constitue une critique audacieuse de la position du gouvernement chinois, qui considère tout dommage infligé à de tels objets comme une infraction passible de sanction. En accord avec l'ensemble des œuvres d'Ai Weiwei, Dropping A Han Dynasty Urn reconstruit les fragments de l'histoire chinoise — métaphoriquement et littéralement — en remettant en question de manière provocatrice l'adaptation des valeurs culturelles traditionnelles aux pratiques contemporaines. Cette œuvre qui pousse à la réflexion offre un commentaire convaincant sur les complexités de la préservation culturelle et les tensions entre le patrimoine et l'évolution de la société.

He Xie (2010) d'Ai Weiwei tire son nom d'un homonyme chinois lié à la notion gouvernementale « d'harmonie ». Au cœur de cette œuvre se trouvent 3 000 crabes de rivière en porcelaine, qui captent l'attention comme élément central.

La création de He Xie a été profondément influencée par un événement capital dans la vie d'Ai en 2010, lorsque les autorités chinoises ont démoli l'atelier d'Ai en réponse à son activisme franc. Avant la destruction de l'atelier, on raconte qu'Ai avait organisé un dîner et inclus des crabes au menu. Cependant, en raison de son assignation à résidence qui a suivi et de son emprisonnement de 81 jours, il n'a pas pu y assister. Ces expériences personnelles, dans le contexte de la censure extrême de la société chinoise, alimentent le message sous-jacent de He Xie : une critique puissante des droits humains. L'œuvre revêt une pertinence profonde et une expression poignante, illustrant l'ensemble artistique convaincant d'Ai et témoignant de sa résilience et de son engagement à utiliser sa plateforme artistique comme porte-voix pour le commentaire social et politique. He Xie s'est vendu chez Phillips en octobre 2018, atteignant 609 000 £ (frais compris).

Kui Hua Zi (Sunflower Seeds) (2008-2010), présentée à la Tate Modern en octobre 2010, est une installation monumentale composée de cent millions de graines de tournesol fabriquées à la main en porcelaine, pesant dix tonnes au total et recouvrant le sol de la Turbine Hall. Cette œuvre est l'une des créations d'Ai Weiwei les plus reconnaissables et les plus vendues, comme en témoigne la vente par Sotheby's de 200 kilogrammes de ces graines en mai 2012, qui a atteint 484 211 £ (frais compris).

Créée en collaboration avec des artisans de la célèbre région de la porcelaine en Chine, Kui Hua Zi illustre l'exploration par Ai Weiwei de l'intersection entre les cultures asiatique et occidentale, transformant la matérialité en art contemporain tout en soulignant une portée interculturelle. Sa présence sur le marché secondaire témoigne de la circulation d'objets matériels célébrant diverses cultures.

La première rétrospective d'Ai WeiWei en Amérique du Nord a eu lieu au Hirshhorn Museum de Washington en 2012, où Forever Bicycles (2003) était présentée de manière proéminente. Cette œuvre précoce d'Ai s'articule autour du contexte culturel de Forever, une entreprise de vélos de Shanghai fondée en 1940 qui s'adressait aux ouvriers chinois de la classe moyenne. Avec le temps, les changements sociétaux et les progrès de la technologie ont entraîné un déclin de la popularité de l'entreprise, les motos devenant le moyen de transport privilégié. Par l'entrelacement complexe de fourches et de roues de vélo, Ai démontre son habileté à fusionner les récits de l'histoire de l'art avec le concept de l'objet « ready-made ».

Forever Bicycles explore les thèmes de la consommation de masse, de la technologie et de la juxtaposition du passé et de l'avenir. La vente de cette œuvre pour 481 609 £ (frais inclus) chez Sotheby's Hong Kong en octobre 2015 a fortement résonné auprès du public asiatique, soulignant la reconnaissance et l'appréciation mondiales de l'œuvre intellectuellement stimulante d'Ai.

Considérée comme l'un des chefs-d'œuvre intellectuellement et conceptuellement les plus stimulants d'Ai Weiwei, Grapes (2012) est une fusion remarquable de références historiographiques et du récit artistique d'Ai, qui entremêle subtilement des allusions culturelles. L'œuvre incarne la compréhension approfondie qu'a Ai Weiwei de l'histoire de l'art, tout en restant fidèle à son approche singulière. Composée de vingt-cinq tabourets datant de la dynastie Qing, Grapes rend hommage au riche passé historique de la Chine. En entrelaçant littéralement ces tabourets, Ai transforme leur fonction matérielle pour évoquer l'un des motifs bourgeois les plus emblématiques de la peinture occidentale depuis la Renaissance : la grappe de raisin. En recontextualisant une tradition historique chinoise et un objet associé aux classes moyennes, Ai l'élève au rang de symbole d'opulence et d'extravagance.

Grapes s'est vendue pour 464 282 £ (frais inclus) chez Sotheby's Hong Kong en avril 2016, consolidant ainsi sa position comme l'une des œuvres les plus vendues d'Ai Weiwei.

Coloured Vases (2006) d'Ai Weiwei est une œuvre provocatrice qui continue de susciter des débats et de conserver sa place parmi ses œuvres les plus vendues sur le marché secondaire. L'œuvre repose sur l'utilisation de vases de la dynastie Han, sur lesquels Ai a appliqué une couche de peinture de base vibrante, accompagnée de coulures, offrant ainsi une nouvelle dimension de sens et d'interprétation. La peinture de ces vases, culturellement significatifs, a été perçue de manière critique par divers publics. Si certains y voient un geste iconoclaste rejetant la valeur culturelle attribuée à ces objets, d'autres saluent cette démarche comme un moyen de rencontre culturelle et une forme courageuse d'activisme défiant la censure.

Tout au long de sa carrière, Ai a constamment démontré son engagement à libérer la beauté et à réévaluer la valeur attribuée aux objets. La vente de ces vases a atteint un prix notable de 458 500 £ (frais inclus) lors de la vacation chez Sotheby's en octobre 2014.

En repoussant les limites de la contestation contre le gouvernement chinois et en intégrant des références symboliques aux mouvements d'art moderne, Ai Weiwei poursuit son exploration des influences culturelles en transformant une urne chinoise dans son œuvre Coca-Cola Vase (2011). Tout en conservant des traces de la signification historique de l'urne, Ai s'aventure dans le Pop art et interprète le Street art en ornant le vase avec la marque reconnaissable de Coca-Cola, symbole universellement admis dans la culture occidentale. Cet acte a fait l'objet d'interprétations variées, certains y voyant un geste iconoclaste qui dépouille l'urne de sa signification traditionnelle, ce qui correspond précisément aux intentions d'Ai. Bien que non motivée par une intention malveillante, l'œuvre vise à susciter une discussion sur la signification culturelle, provoquant une réflexion sur les notions de protection, de sens et d'interprétation dans le contexte des objets et de leur évolution sémantique.

Coca-Cola Vase (2011) occupe une place de choix parmi les œuvres les plus vendues d'Ai, ayant atteint 418 950 £ (frais inclus) chez Phillips en novembre 2014.