Renaissance
Paintings

Tout au long de sa prolifique carrière, Warhol a puisé son inspiration chez les maîtres anciens, une constante que l’on retrouve dans ses estampes Renaissance de 1984. Tout au long de sa carrière, il n’a cessé de se tourner vers les maîtres anciens, à commencer par la « Mona Lisa » de Léonard de Vinci, qu’il a découverte lors de son exposition à New York en 1963. Warhol allait par la suite s’approprier l’œuvre dans une sérigraphie intégrée à la présente série, Details of Renaissance Paintings.

Dans ses estampes « Annunciation », Warhol s’attaque à Léonard de Vinci en recadrant un détail clé de l’une de ses peintures les plus célèbres, pour ne montrer que deux doigts de l’archange Gabriel, levés en signe de bénédiction vers la main de la Vierge Marie, sur un fond d’arbres taillés et d’une montagne abrupte. À cette scène, Warhol ajoute ses propres lignes de couleurs accentuées et teinte l’ensemble de verts, de roses, de bleus et d’oranges, conférant au paysage une atmosphère de science-fiction.

Bien que d’une esthétique résolument contemporaine, les œuvres de Warhol sont imprégnées d’histoire de l’art. À travers cette série, Warhol rend hommage aux maîtres qui l’ont précédé et qui ont ouvert la voie à la transformation de la peinture en Pop Art.

Avec ses quatre variations sur « Birth of Venus », il saisit le visage iconique de la déesse romaine de l’amour et le traite comme celui d’une star de cinéma, en le détourant de la composition originale. Il lui applique le traitement chromatique de la sérigraphie pour faire à nouveau du modèle de Botticelli une icône contemporaine, sa beauté intemporelle soulignée par des tons complémentaires et contrastés au sein de la série. Les deux premières œuvres de sa série Birth of Venus privilégient des tons sourds : dans 316, il choisit un bleu sarcelle profond pour l’arrière-plan, tandis que les cheveux de Vénus sont accentués d’un rose vif avec des rehauts de jaune ; dans 317, il opte pour le mauve comme couleur principale. Dans l’avant-dernière œuvre, Warhol noircit le visage comme s’il était brûlé, créant un contraste avec les cheveux qui deviennent ici un déploiement de couleurs, mêlant un rouge flamboyant et un jaune éclatant à des touches de bleu et de rose. Enfin, dans « 319 », il revient à une palette plus traditionnelle de la Renaissance, avec des cheveux blonds sur un fond bleu céruléen profond, plus fidèle à l’original peint par Botticelli au milieu des années 1480. L’œuvre est néanmoins indubitablement signée Warhol, affichant son appropriation avec une assurance qui le distingue comme le véritable maître du Pop Art ; il était aussi à l’aise pour piocher dans l’imagerie commerciale que dans l’œuvre de l’un des plus grands artistes de la Renaissance italienne.

Ici, Warhol démontre sa maîtrise de la sérigraphie en tant que médium, l’élevant du monde de la publicité et de l’impression commerciale pour en faire un outil des « beaux-arts » en l’associant au génie de Léonard de Vinci et de Botticelli. La série a été réalisée en 1984, trois ans seulement avant son décès des suites de complications chirurgicales. Elle témoigne donc de la maturité d’un artiste qui, à ce stade de sa carrière, expérimentait la sérigraphie depuis plus de deux décennies. Avec ces œuvres, Warhol révèle sa fascination durable pour les icônes, des muses de la Renaissance à ses contemporains des défilés ou du monde de la nuit, incapable de résister à l’envie de les immortaliser davantage à travers ses hommages sérigraphiés. La série comprend également des détails d’œuvres de Piero della Francesca et de Paolo Uccello.