Renaissance
Paintings

Tout au long de sa carrière prolifique, Warhol s'est inspiré des maîtres anciens, ce que l'on retrouve une fois de plus dans ses estampes de la Renaissance réalisées en 1984. Durant toute sa carrière foisonnante, il n'a cessé de se référer aux maîtres anciens – à commencer par la Joconde de da Vinci qu'il a vue lors de son exposition à New York en 1963. Warhol allait s'approprier cette œuvre dans une sérigraphie incluse dans la série présente, Details of Renaissance Paintings.

Dans ses estampes de L'Annonciation, Warhol s'attaque à da Vinci, recadrant une partie essentielle de l'un de ses tableaux les plus célèbres pour ne montrer que deux doigts de l'archange Gabriel, levés en bénédiction vers la main de la Vierge Marie, sur un fond d'arbres bien taillés et d'une montagne escarpée. À cette scène, Warhol ajoute ses propres lignes de couleur accentuée, tout en teintant l'ensemble de verts, de roses, de bleus et d'oranges qui confèrent au paysage un air de science-fiction.

Bien qu'esthétiquement frappantes de modernité, les œuvres de Warhol sont imprégnées de l'histoire de l'art. Tout au long de la série, Warhol rend hommage aux maîtres qui l'ont précédé et qui ont ouvert la voie pour que la peinture devienne le Pop Art.

Avec ses quatre variations sur la Naissance de Vénus, il prend le visage emblématique de la déesse romaine de l'amour et le traite comme celui d'une star de cinéma, le recadrant par rapport à la composition originale. Il lui applique son traitement sérigraphique pour faire à nouveau de la modèle de Botticelli une icône contemporaine, sa beauté intemporelle étant soulignée par les tons complémentaires et contrastés de la série. Les deux premières œuvres de sa série Birth of Venus utilisent des tons sourds : dans 316, il choisit un bleu sarcelle profond pour l'arrière-plan, les cheveux de Vénus étant rehaussés d'un rose vif à reflets jaunes, tandis que 317 le voit choisir le mauve comme couleur principale. Dans l'avant-dernier ouvrage, Warhol noircit son visage comme s'il était brûlé, créant un contraste avec ses cheveux qui deviennent ici une explosion de couleurs rouge flamboyant et jaune, avec des accents bleus et roses. Enfin, dans 319, il revient à une palette plus traditionnelle de la Renaissance avec des cheveux blonds sur un fond bleu céruléen profond, ce qui est plus conforme au tableau original peint par Botticelli au milieu des années 1840. L'œuvre est néanmoins indéniablement celle de Warhol, avec son appropriation audacieuse affichée clairement, d'une manière qui le désigne comme le véritable maître du Pop Art ; il était aussi à l'aise à voler dans les emballages commerciaux que dans l'œuvre de l'un des plus grands artistes de la Renaissance italienne.

Ici, Warhol démontre sa maîtrise de la sérigraphie en tant que médium, l'élevant du monde de la publicité et de l'impression commerciale pour en faire un outil du soi-disant « grand art » en l'associant aux génies que sont da Vinci et Botticelli. La série a été réalisée en 1984, soit seulement trois ans avant sa mort des suites de complications chirurgicales. Elle témoigne donc d'une maturité dans son travail à un stade de sa carrière où il expérimentait le médium de la sérigraphie – ou sérigraphie, comme on l'appelle aussi – depuis plus de deux décennies. Avec ces œuvres, Warhol montre sa fascination persistante pour les icônes, des muses de la Renaissance à ses contemporains des podiums ou de la scène mondaine, incapable de résister à l'envie de les immortaliser davantage dans ses hommages sérigraphiés. D'autres œuvres de la série comprennent des détails de tableaux de Piero della Francesca et Paolo Uccello.