10 faits à savoir sur « The Blue Guitar » de Hockney

Le poème de Wallace Stevens, The Man with the Blue Guitar (1937), explore la relation entre l'art et la réalité, en utilisant la métaphore d'une guitare bleue pour représenter le pouvoir de transformation de l'imagination artistique. En puisant dans le poème des fils thématiques plutôt que narratifs, Hockney explore les thèmes de la Transformation A et de la réalité par opposition à l'imagination.

Inspiré par Picasso, Hockney a exploré les perspectives cubistes, une approche qui mettait en lumière sa capacité à fusionner différents éléments stylistiques et méthodes artistiques pour créer des œuvres originales et novatrices. Le critique d'art Gert Schiff a d'ailleurs souligné que la faculté de Hockney à adapter les techniques de Picasso à sa propre représentation unique démontre l'évolution continue de l'art par l'appropriation et la réinterprétation.

Hockney admirait Picasso depuis qu'il avait découvert ses œuvres lors d'une rétrospective à la Tate en 1960. Après la mort de Picasso en 1973, Hockney fut invité à participer à une série d'estampes inspirées par l'artiste, et il se rendit à Paris pour travailler avec Aldo Crommelynck, l'imprimeur maître de Picasso. Il y découvrit la technique préférée de Picasso, la technique de l'aquatinte au sucre, et c'est cette méthode que Hockney utilisa pour créer les eaux-fortes en couleur de cette série.

La première estampe de la série est une reproduction directe de Le vieux guitariste de Picasso, datant de 1903, qui saisit l'essence de la période bleue de Picasso. Cependant, Hockney enrichit cet hommage en appliquant un lavis d'indigo pour amplifier la mélancolie du tableau. Après cette introduction, Hockney revient à son style caractéristique, marqué par des compositions plus légères et épurées, souvent surréalistes ou absurdes, à l'image de It Picks Its Way (1977) et Discord Merely Magnifies (1977).

Les compositions inhabituelles de Hockney sont riches en symboles énigmatiques, créant un lien onirique avec la poésie de Wallace Stevens. Hockney, qui avait déjà puisé son inspiration auprès d'autres poètes, a exploré cette approche pour la première fois avec sa série de 1967 Illustrations pour quatorze poèmes de C.P. Cavafy, une interprétation libre de l'œuvre du poète grec. Plus tôt encore, en 1961, Hockney avait produit l'estampe intitulée Moi-même et mes héros, où il se représentait aux côtés du poète américain Walt Whitman et de Gandhi.

Cette série illustre le retour de Hockney à l'histoire de l'art et à la littérature pour trouver l'inspiration, reflétant sa curiosité et son désir de maîtriser de nouvelles techniques. Elle met en lumière son talent pour devenir un maître de l'estampe, réinterprétant des œuvres littéraires connues grâce à son esprit vif et ludique caractéristiques.

Dans cette série, Hockney joue avec la perspective, déformant et fragmentant souvent l'espace au sein des compositions, comme on peut le voir dans des œuvres telles que A Moving Still Life (1977) et In A Chiaroscuro (1977). Cette technique ajoute à la qualité surréaliste et onirique des images.

Fidèle à son titre, cette série arbore une palette de bleus dominante. Les différentes nuances de bleu évoquent des ambiances et des atmosphères variées à travers les estampes, ce qui est manifeste dans des œuvres telles que A Picture Of Ourselves(1977) et What Is This Picasso(1976).

La série a été exposée dans le monde entier dans des lieux tels que la Tate à Londres, le Museum of Modern Art à New York, et le Centre Pompidou à Paris. Sa série est considérée comme l'une des œuvres les plus importantes de Hockney, et elle a marqué une période notable de sa carrière, lorsqu'il était profondément investi dans l'estampe.

Le titre The Blue Guitar fait référence non seulement au poème de Stevens, mais aussi à l'idée de l'outil de l'artiste – ici, la guitare – comme métaphore du processus créatif. La guitare bleue devient ainsi un symbole de l'imagination artistique.