L'incursion de David Hockney dans la photographie

Lorsque Hockney a commencé à explorer activement la photographie, il était déjà un peintre de renom. Cette transition a marqué un tournant majeur dans sa carrière artistique, témoignant de sa polyvalence et de son désir d'explorer de nouveaux médiums. Hockney expérimentait déjà la photographie dès 1964, utilisant des polaroïds comme références pour ses études de figures destinées à ses peintures. En 1970, il se sentait suffisamment confiant pour créer une série d'estampes photographiques aux couleurs vibrantes, centrées sur des thèmes familiers, documentant ainsi sa propre vie et ses expériences. Parmi les exemples de cette année-là, citons Poolside et Herrenhauser Park, Hannover, ainsi que At Rest datant de 1971. Ces photographies révèlent déjà la capacité de Hockney à concevoir des compositions captivantes. Cependant, malgré son importante collection personnelle de photographies, il restait à cette époque peu convaincu du potentiel de ce médium en tant que dispositif artistique. On lui prête cette citation : « La photographie, c’est bien, si cela ne vous dérange pas de regarder le monde du point de vue d’un Cyclope paralysé, le temps d’une fraction de seconde. Mais ce n’est pas ainsi que l’on fait l’expérience du monde. »

Il a continué à utiliser ce médium pour documenter sa vie privée, notamment des moments intimes avec ses proches, comme en témoignent Peter Washing, Belgrade, September et My Parents. Il a également immortalisé son environnement, avec des œuvres telles que The Pacific Ocean At Malibu et Hollywood Window, capturant cette atmosphère californienne qui fut une source d'inspiration majeure pour ses peintures. Malgré cela, la photographie semblait jouer un rôle secondaire dans sa carrière, où la représentation restait un thème central plutôt qu'un aspect acquis. Le changement suivant dans son approche est survenu en 1982, lorsqu'il fut mis au défi par le conservateur du Centre Pompidou, Alain Sayag, d'organiser une exposition de ses photographies. Hockney a alors eu une révélation sur la manière de remédier au manque de perspective qu'il jugeait si limitant dans la photographie en tant que médium.

Bien que Hockney ait initialement perçu la photographie comme un processus mécanique, moins artistique que la peinture, sa perspective a évolué à mesure qu’il en découvrait le potentiel créatif et expressif. Fasciné par la capacité de la photographie à capturer un instant, il a néanmoins identifié ses limites pour retranscrire l'expérience de l'espace et du temps telle que perçue par l’œil humain. Pour surmonter ces contraintes, Hockney a commencé à expérimenter les images composites : il réalisait plusieurs clichés d’un même sujet sous des angles différents et à des moments distincts, pour ensuite les assembler en un collage unique. Cette méthode lui permettait de présenter une scène de manière plus dynamique, en écho à la façon dont nous percevons réellement le monde qui nous entoure.

Cette expérimentation a conduit à la création de ce que Hockney a nommé les « Joiners ». Il s'agit de photomontages grand format dépeignant des scènes avec une multiplicité de points de vue cubiste. Contrairement à la photographie traditionnelle, confinée à une perspective unique, les Joiners ont permis à Hockney de concevoir une image davantage axée sur l'exploration et la représentation de l'espace et du temps tels qu'éprouvés dans la réalité. Il a ainsi démontré que la photographie pouvait être aussi malléable et expressive que la peinture, remettant en question les frontières entre ces deux formes d'art.

L'exposition au Centre Pompidou a ouvert ses portes en juillet 1982, sous les éloges de la critique. Elle présentait des photographies plus personnelles réalisées par Hockney dans les années 1960 et 1970, aux côtés d'une vingtaine de nouveaux Joiners créés dans les trois mois précédant l'événement. Les critiques ont salué l'évolution artistique de Hockney et son originalité – bien que le New York Times souligne que d'autres artistes, tels que Joyce Neimanas et Robert Heinecken, avaient exploré des techniques similaires. L'originalité de Hockney réside dans les liens qu'il parvient à tisser entre les Joiners et ses autres œuvres, notamment ses dessins, eaux-fortes, lithographies, ainsi que ses décors et costumes d’opéra. À ses yeux, son travail de cette période a joué un rôle essentiel pour élever la photographie au rang de médium légitime des beaux-arts au sein de sa propre carrière.

Les « Joiners » de Hockney témoignent d'une influence profonde du cubisme, mouvement artistique révolutionnaire apparu au début du XXe siècle. Le cubisme, dont les pionniers furent des artistes comme Pablo Picasso et Georges Braque, a rompu avec la perspective traditionnelle en privilégiant une approche multidimensionnelle et en remettant en question les conventions de la représentation.

Le principe fondamental du cubisme consistant à représenter les sujets sous des angles et des perspectives multiples a trouvé un écho profond chez Hockney, qui estimait jusqu'alors que la photographie échouait dans ce domaine. Dans son travail photographique, Hockney a adopté le cubisme en assemblant de nombreuses photographies prises depuis différents points de vue pour former une image composite unique. Cette technique lui a permis de s'affranchir de la perspective unique et fixe inhérente à la photographie traditionnelle, offrant ainsi une vision plus holistique et dynamique du sujet, à l'instar de ce que les cubistes réalisaient dans leurs peintures.

Les artistes cubistes fragmentaient souvent leurs sujets en formes géométriques avant de les réassembler dans des compositions abstraites. Hockney a appliqué une approche similaire dans ses « Joiners », fragmentant la narration visuelle pour créer une nouvelle forme de récit visuel qui traduit une perception du temps et de l'espace plus proche de l'expérience humaine et de la mémoire. Tout comme le cubisme a mis les spectateurs au défi de reconsidérer leur perception de la réalité, les collages photographiques de Hockney n'offrent pas une expérience visuelle passive ; ils exigent au contraire des spectateurs qu'ils reconstituent le récit en parcourant du regard le collage d'images pour appréhender la scène dans sa globalité. La dimension temporelle est intégrée aux œuvres statiques, les photographies de Hockney capturant divers instants pour les fondre en une composition unique. Cette stratification du temps au sein d'un contexte spatial permet à une narration de se déployer, tout comme une peinture cubiste raconte une histoire au-delà des limites d'un moment singulier.

La transition de Hockney vers la photographie ne fut pas un simple changement de médium, mais une exploration novatrice de la question de la représentation. En appliquant les principes cubistes à sa pratique photographique, Hockney a instauré un nouveau langage visuel, capable de transcender les limites de la photographie traditionnelle pour offrir une représentation de la réalité à la fois plus riche et plus complexe. Son œuvre incarne la confluence entre les mouvements artistiques passés et l’expérimentation contemporaine, démontrant comment les concepts historiques peuvent être réinterprétés et revitalisés par le biais de médiums modernes.

Le passage de Hockney de la peinture à la photographie a exercé une influence durable sur le monde de l’art. Il a encouragé d’autres artistes à explorer ce médium et à envisager de nouvelles manières de représenter l’espace, le temps et la réalité. Ses œuvres photographiques demeurent un témoignage de son esprit innovant et de sa capacité à repenser les possibilités des arts visuels ; son travail a remis en question les notions préconçues sur la photographie et la peinture, brouillant les frontières entre ces disciplines et ouvrant la voie à de futures expérimentations artistiques.