L'incursion de David Hockney dans la photographie

Au moment où Hockney a commencé à explorer activement la photographie, il était déjà un peintre de renommée mondiale. Cette transition a marqué une évolution notable dans sa carrière artistique, démontrant sa polyvalence et sa volonté d'explorer de nouveaux médiums. Hockney expérimentait avec la photographie dès 1964, utilisant des polaroïds comme références pour ses études de figures destinées à ses peintures. Vers 1970, il était suffisamment confiant pour créer une série de petites estampes photographiques vibrantes, axées sur des thèmes familiers, documentant sa propre vie et ses expériences. Parmi les exemples de cette année figurent Poolside et Herrenhauser Park, Hannover, ainsi que At Rest en 1971. Ces photographies révèlent déjà la capacité de Hockney à créer des compositions intéressantes. Cependant, malgré sa vaste collection personnelle d'images, il restait à cette époque sceptique quant au potentiel du médium en tant qu'outil artistique. Il a été cité disant : « La photographie est acceptable si vous acceptez de regarder le monde du point de vue d'un cyclope paralysé – pendant une fraction de seconde. Mais ce n'est pas ainsi que l'on vit dans le monde. »

Il a continué à utiliser ce médium pour documenter sa vie personnelle, y compris des moments intimes avec ses proches, comme en témoignent Peter Washing, Belgrade, September et My Parents. Il a également saisi son environnement, notamment The Pacific Ocean At Malibu et Hollywood Window, capturant la même atmosphère californienne qui avait tant inspiré ses peintures. Malgré cela, les photographies semblaient avoir une importance secondaire dans sa carrière, où la représentation était un thème central plutôt qu'un aspect acquis. Le changement suivant dans son approche est survenu en 1982, lorsqu'il fut mis au défi par Alain Sayag, conservateur au Centre Pompidou, d'organiser une exposition de ses photographies. C'est alors que Hockney a eu une révélation concernant la manière de pallier le manque de perspective qui, selon lui, limitait tant la photographie en tant que médium.

Au début, Hockney considérait la photographie comme un procédé mécanique, moins artistique que la peinture, mais son point de vue a évolué lorsqu'il a perçu le potentiel de créativité et d'expression qu'offrait ce médium. Il était fasciné par la manière dont la photographie pouvait capturer un instantané, tout en reconnaissant ses limites pour transmettre l'expérience de l'espace et du temps telle que perçue par l'œil humain. Pour surmonter ces contraintes, Hockney a commencé à expérimenter avec des images composites : il prenait plusieurs photographies d'un même sujet sous différents angles et à différents moments, puis assemblait ces clichés en une seule image ressemblant à un collage. Cette méthode lui permettait de présenter une scène de manière plus dynamique, proche de la façon dont nous percevons réellement le monde qui nous entoure.

Ces expérimentations ont mené à la création de ce que Hockney appelait ses « Joiners ». Il s'agit de photomontages grand format qui représentent des scènes avec une multiplicité de points de vue rappelant le cubisme. Contrairement à la photographie traditionnelle, limitée à une perspective unique, les Joiners permettaient à Hockney de créer une image axée sur l'exploration et la représentation de l'espace et du temps tels qu'ils sont vécus dans la réalité. Il a démontré que la photographie pouvait être aussi malléable et expressive que la peinture, repoussant ainsi les frontières entre ces deux formes d'art.

L'exposition au Pompidou en 1982 a ouvert en juillet, recevant des critiques dithyrambiques. L'exposition présentait les photographies plus personnelles de Hockney datant des années 1960 et 1970, ainsi qu'une vingtaine de nouveaux Joiners qu'il avait réalisés au cours des trois mois précédant le vernissage. Les critiques ont salué l'évolution artistique de Hockney dans ce médium et son originalité – bien que le New York Times ait souligné que d'autres artistes comme Joyce Neimanas et Robert Heinecken avaient exploré des techniques similaires. L'originalité de Hockney réside dans les liens qu'il parvient à établir entre ses Joiners et ses autres œuvres, notamment ses dessins, gravures, lithographies, dessins de décors et costumes d'opéra. Son travail de cette période a joué, à ses yeux, un rôle essentiel dans l'élévation de la photographie au rang de médium légitime des beaux-arts au sein de sa propre carrière.

Les Joiners de Hockney témoignent d'une influence profonde du cubisme, un mouvement artistique révolutionnaire apparu au début du XXe siècle. Le cubisme, initié par des artistes comme Pablo Picasso et Georges Braque, s'est écarté de la perspective artistique traditionnelle, mettant l'accent sur une vision multidimensionnelle et remettant en question les conventions de la représentation.

Le principe fondamental du cubisme, qui consiste à représenter des sujets sous différents angles et perspectives, a trouvé un écho puissant chez Hockney, qui estimait auparavant que la photographie ne parvenait pas à saisir cet aspect. Dans son travail photographique, Hockney a adopté le cubisme en assemblant de nombreuses photographies prises sous des points de vue variés en une seule Composite Image. Cette technique lui a permis de s'affranchir de la perspective unique et fixe inhérente à la photographie traditionnelle, offrant une vue plus globale et dynamique du sujet – à l'instar de ce que faisaient les cubistes dans leurs toiles.

Les artistes cubistes fragmentaient souvent leurs sujets en formes géométriques avant de les réassembler dans des compositions abstraites. Hockney a employé une démarche similaire dans ses Joiners, fragmentant le récit visuel pour créer une nouvelle forme de narration visuelle qui transmettait une sensation de temps et d'espace plus proche de l'expérience humaine et de la mémoire. Tout comme le cubisme invitait les spectateurs à reconsidérer leur perception de la réalité, les Photo Collages de Hockney n'offrent pas une expérience visuelle passive ; ils exigent au contraire que le spectateur reconstitue le récit, déplaçant son regard à travers le collage d'images pour appréhender la scène dans son ensemble. L'élément temporel est intégré aux œuvres statiques, car les photographies de Hockney captent différents moments et les fusionnent en une composition unique. Cette superposition du temps dans un contexte spatial permet à un récit de se déployer, un peu comme une peinture cubiste qui raconte une histoire au-delà des limites d'un instant singulier.

La transition de Hockney vers la photographie n'était pas seulement un changement de médium, mais une exploration révolutionnaire de la question de la représentation. L'adoption par Hockney des principes cubistes dans sa photographie a mené à la création d'un nouveau langage visuel, un langage qui transcendait les limites de la photographie traditionnelle et offrait une représentation plus riche et plus complexe de la réalité. Son œuvre représente une confluence des mouvements artistiques passés et de l'expérimentation contemporaine, démontrant comment les concepts artistiques historiques peuvent être réinterprétés et revitalisés par les médiums modernes.

Le passage de Hockney de la peinture à la photographie a eu un impact durable sur le monde de l'art. Cela a encouragé d'autres artistes à expérimenter avec ce médium et à réfléchir à de nouvelles façons de représenter l'espace, le temps et la réalité. Ses œuvres photographiques demeurent un témoignage de son esprit novateur et de sa capacité à réimaginer les possibilités de l'art visuel – son travail a remis en question les idées préconçues sur la photographie et la peinture, brouillant les frontières entre ces disciplines et ouvrant la voie à de futures expérimentations artistiques.