Critiques de Films MyArtBroker : Love Is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon (1998)

L'audace visuelle et stylistique du film est son triomphe, d'autant plus impressionnante que les œuvres de Bacon y sont absentes. S'étant vu refuser l'autorisation d'utiliser ses tableaux par la succession de Bacon, Maybury et le directeur de la photographie John Mathieson choisissent plutôt d'évoquer l'essence des peintures de Bacon par le médium cinématographique lui-même. Le cadre devient une toile vivante, déformée par des objectifs, des miroirs et des reflets pour créer une cacophonie visuelle qui semble arrachée au monde de Bacon. Les visages sont étirés, tordus et déformés, souvent enveloppés d'ombres ou étalés sur l'écran dans une brume cauchemardesque. Cette esthétique n'est pas une simple imitation ; c'est une extension du processus artistique de Bacon, visualisant le chaos et l'angoisse qui définissent ses œuvres.

Les créations de Bacon représentent souvent des figures grotesquement déformées, isolées dans ce qu'il appelait des « cadres spatiaux » (space-frames), un dispositif architectural utilisé pour focaliser l'attention et intensifier l'émotion de ses portraits. Ce concept fait écho aux choix de cadrage du film, qui servent à « concentrer l'image », une technique que Bacon lui-même employait pour éliminer le contexte narratif et mettre en avant l'émotion brute. La partition brillante de Ryuichi Sakamoto accentue la tension, amplifiant l'intensité psychologique du film. Des moments d'abstraction surréaliste se fondent harmonieusement avec le réalisme, plongeant le spectateur dans un univers hallucinatoire où les frontières entre réalité et imagination s'estompent.

Bien que l'esthétique soit époustouflante par sa fidélité aux formes humaines défigurées et aux textures chaotiques de Bacon, elle peut aussi s'avérer épuisante. Le désordre visuel souligne la nature tumultueuse de la relation de Bacon avec Dyer, faisant écho au paysage émotionnel décousu qui a alimenté une grande partie de son art. Ses triptyques, comme Trois études pour figures au pied d'une crucifixion (1944), dépeignaient de manière célèbre la capacité de l'humanité à la violence et à l'autodestruction, des thèmes qui résonnent tout au long du film. La réalisation de Maybury simule magistralement l'expérience désorientante de se tenir devant une toile de Bacon, apportant un sentiment de terreur, de fascination et de beauté grotesque à chaque plan.

Les forces du film résident dans ses deux interprétations magistrales. Le Bacon de Jacobi est génial mais glacial, un hédoniste narcissique qui objectifie Dyer, le considérant à la fois comme un sujet et comme une possession. Son portrait révèle les dualités de Bacon : le charme et la froideur, la sensibilité et la cruauté, les excès hédonistes et le dévouement obsessionnel à son art. Cette dualité reflète les contradictions de la vie de Bacon, où sa quête incessante de vérité émotionnelle dans son art semblait en net contraste avec ses relations personnelles. Pendant ce temps, Craig livre une performance émouvante dans le rôle de Dyer, capturant sa vulnérabilité, son instabilité et son effondrement progressif sous l'indifférence de Bacon. Dans Love Is The Devil, leur relation devient un microcosme des thèmes qui dominaient l'art de Bacon : la souffrance, l'isolement et la beauté brutale du désespoir humain.

Les relations de Bacon étaient souvent tumultueuses, façonnées par sa personnalité complexe et le monde volatil de la bohème londonienne de l'après-guerre. Il s'entourait de muses, d'amants et de compagnons, dont beaucoup partageaient sa propension à l'excès et à l'autodestruction. Dyer, un petit délinquant de l'East End de Londres, est entré dans la vie de Bacon dans les années 1960 et est rapidement devenu une figure centrale tant dans sa vie privée que dans son art. Leur relation était marquée par un déséquilibre : Bacon était un artiste établi au sommet de sa gloire, tandis que Dyer luttait contre des sentiments d'insécurité et une dépendance à la fois envers Bacon et envers l'alcool.

L'arc tragique de Dyer faisait écho aux thèmes existentiels de l'art de Bacon. Ses figures – déformées, fragmentées et piégées dans des structures semblables à des cages – peuvent être interprétées comme des métaphores visuelles des sentiments d'enfermement de Dyer, tant dans le monde de Bacon que dans sa propre personne. Après la mort de Dyer par suicide en 1971, Bacon a transformé son chagrin en art, créant une série de triptyques qui ont immortalisé la mémoire de Dyer tout en faisant face à la culpabilité lancinante et au chagrin de leur histoire commune. Des œuvres, comme Triptych - August 1972, sont imprégnées d'un sentiment accablant de perte et de futilité ; la présence récurrente de figures fantomatiques et de vides ombragés reflète le tumulte intérieur de Bacon.

Le film saisit cette dynamique avec une clarté dévastatrice, présentant Dyer à la fois comme muse et comme victime. Bacon décrivait son travail comme une tentative de « déformer la chose bien au-delà de l'apparence, mais dans la distorsion, la ramener à un enregistrement de l'apparence ». Dans ses tableaux de Dyer, cette philosophie prend une dimension profondément personnelle : la distorsion de la figure de Dyer sur la toile reflète à la fois l'angoisse de l'artiste et la marque indélébile de l'influence de Dyer sur son travail. Grâce aux interprétations de Jacobi et Craig, Love Is the Devil non seulement éclaire les fondements psychologiques de l'œuvre de Bacon, mais souligne également le prix à payer pour une telle honnêteté artistique sans concession – tant pour l'artiste que pour ceux qui lui étaient les plus proches.