Les artistes ayant inspiré Francis Bacon

Le parcours artistique de Bacon fut profondément marqué par l'œuvre de Pablo Picasso, figure monumentale de l'art moderne. La vocation de Bacon pour la peinture naît en 1927 à Paris, lors d'une exposition consacrée à Picasso ; ses œuvres cubistes et surréalistes eurent une influence déterminante sur sa décision de se consacrer à cet art. Bacon fut captivé par la manière dont Picasso distordait et fragmentait les formes humaines, en particulier au cours de sa période surréaliste. Il était fasciné par la capacité du maître espagnol à déformer le corps, le pliant en des formes abstraites tout en préservant son humanité intrinsèque.

Les œuvres surréalistes de Picasso, réalisées entre la fin des années 1920 et le début des années 1930, avec leurs formes fluides et organiques, ont durablement imprégné la représentation du corps chez Bacon. Ce dernier a discerné dans l'approche de Picasso le potentiel de dépeindre la figure humaine non plus comme une simple entité physique, mais comme le réceptacle d'une profondeur psychologique et émotionnelle. Les scènes de plage surréalistes de Picasso, datant de la fin des années 1920, avec leurs silhouettes organiques et distordues, ont ainsi constitué une source d'inspiration majeure pour les figures biomorphes du chef-d'œuvre de Bacon, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (1944). Bien que Bacon ait cherché à s'affranchir de l'ombre de son aîné, l'influence de Picasso est demeurée manifeste tout au long de sa carrière, notamment dans son traitement de la figure humaine, conçue comme une entité mutable, grotesque et pourtant profondément expressive.

L'une des influences les plus majeures sur l'œuvre de Bacon provient du maître espagnol Diego Velázquez, et plus particulièrement de son « Portrait du pape Innocent X » (1650). Bacon a été captivé par ce tableau, ainsi que par sa représentation de l'autorité, de l'isolement et de la tension psychologique sous-jacente. La figure à la fois royale et menaçante du pape fascinait Bacon, qui réinterpréta l'image à maintes reprises dans sa série des « Papes hurlants », distordant l'original en visions cauchemardesques empreintes d'angoisse et de tourment. Le réalisme baroque de Velázquez a exercé une influence notable sur l'expression de la terreur existentielle chez Bacon, transformant un symbole de pouvoir religieux et politique en une incarnation de la souffrance humaine.

À l'opposé du réalisme précis de Velázquez, Bacon a imprégné ses « Papes » de violence et de distorsion, utilisant des tons sombres, des coups de pinceau flous et une émotion brute pour traduire la souffrance et le désespoir. Dans « Étude d'après le portrait du pape Innocent X de Velázquez » (1953), le visage du pontife est estompé, défiguré et violemment abstrait, évoquant un cri de désespoir. Ces réinterprétations ne visaient pas tant à capturer la ressemblance physique du pape qu'à évoquer la pression psychologique intense liée au pouvoir, l'isolement qui accompagne l'autorité et la vulnérabilité de la condition humaine. Les peintures de papes de Bacon marquent une rupture spectaculaire avec l'approche retenue de Velázquez, métamorphosant la figure en un symbole de l'angoisse existentielle. À travers ces œuvres, Bacon a redéfini le rôle du portrait dans l'art moderne, utilisant la figure humaine comme un réceptacle à des thèmes existentiels plus vastes.

Le langage visuel de Bacon a été profondément façonné par la vaste collection de documents photographiques qu’il a accumulés dans son atelier londonien chaotique. Lorsque ce fonds a été transféré à la Hugh Lane Gallery de Dublin en 1998, les historiens de l’art ont mis au jour plus de 4 000 éléments, offrant un éclairage majeur sur son processus créatif. Malgré les tentatives de Bacon pour minimiser l’importance de ces sources, il est désormais manifeste que son imagerie singulière puisait souvent directement dans la photographie et le cinéma ; les contours des corps, les proportions et les agencements spatiaux étaient adaptés avec une précision remarquable. Le cinéma a également joué un rôle dans l’inspiration de l’artiste, comme en témoigne l’image emblématique extraite du film muet de Sergei Eisenstein de 1925, « Le Cuirassé Potemkine », montrant une infirmière hurlante lors du massacre de l’escalier d’Odessa, une scène qui a profondément marqué Bacon. Il a cité cette image comme un catalyseur essentiel de son œuvre, inspirant son motif récurrent de la « figure hurlante » et influençant l’intensité émotionnelle viscérale ainsi que les distorsions visibles dans bon nombre de ses œuvres.

L’intérêt de Bacon pour le corps humain a également été nourri par le travail révolutionnaire d’Eadweard Muybridge, pionnier de la photographie séquentielle. Les clichés de Muybridge, capturant le corps dans diverses étapes du mouvement, ont aidé Bacon à explorer la nature fragmentée et transitoire de la figure humaine. Dans des œuvres telles que « Étude d’un chien » (1953), le corps n’est pas statique mais dynamique, stratifié de mouvement et d’émotion. Le travail de Muybridge a permis à Bacon d’explorer le concept d’un corps en perpétuelle mutation, jamais totalement défini. Ce sentiment de dislocation et de fragmentation est devenu une signature du style de Bacon, qui dépeint souvent ses figures contorsionnées, prises au piège entre mouvement et stase.

Le processus créatif de Bacon dépassait la simple reproduction, mêlant souvent de multiples sources photographiques dans une approche proche du collage. En intégrant des éléments disparates, tels que la fusion des figures humaines dynamiques de Muybridge avec les formes classiques de Michel-Ange, Bacon a créé des espaces fragmentés et abstraits qui caractérisent une grande partie de son travail. Cette méthode transformative démontre que, si les œuvres de Bacon prenaient racine dans une inspiration photographique, son utilisation de ces images était à la fois délibérée et profondément personnelle, les élevant au rang de créations qui lui étaient propres.

La fascination de Bacon pour la violence et la souffrance trouve également son origine dans l’imagerie religieuse intense de Matthias Grünewald, et plus particulièrement dans son « Retable d'Issenheim » (vers 1515). Les représentations saisissantes du Christ en croix que propose le retable, empreintes d’une agonie viscérale et de contrastes dramatiques entre lumière et couleur, ont trouvé un écho profond chez Bacon. Ce dernier était attiré par la capacité de Grünewald à utiliser l’iconographie religieuse non comme un symbole de salut, mais comme une représentation brute de la souffrance humaine.

Les crucifixions de Bacon s’écartent toutefois du contexte religieux de Grünewald, se transformant en méditations existentielles sur la douleur, la mort et la condition humaine. Ses « Trois études de figures au pied d'une crucifixion » (1944) témoignent de son implication face à l'intensité émotionnelle de Grünewald ; Bacon métamorphose cependant le sujet religieux traditionnel en un symbole abstrait et existentiel, dépouillé de toute connotation spirituelle pour se concentrer uniquement sur l’agonie et la vulnérabilité de la condition humaine. Le retable de Grünewald, avec ses figures grotesques et torturées, a offert à Bacon un modèle puissant pour sa propre représentation du corps humain dans des états de détresse extrême.

Le maître hollandais Rembrandt (1606–1669), l'un des plus grands peintres du Siècle d'or néerlandais, fut une autre figure clé dans le développement artistique de Bacon. Bien que Bacon soit resté insensible aux œuvres de grande échelle de Rembrandt, telles que « La Ronde de nuit », il fut profondément touché par ses portraits intimes et psychologiques, en particulier ses autoportraits tardifs, comme l'« Autoportrait au béret et au col relevé » (1659). Ces œuvres captivaient Bacon par leur capacité à traduire une profondeur émotionnelle à travers des coups de pinceau minimaux et abstraits ; son « Self-Portrait » (1971) partage avec Rembrandt cette concentration sur le passage du temps et la fragilité de l'existence humaine, saisie par le prisme d'une distorsion chargée d'émotion. À l'instar de Rembrandt, Bacon n'utilisait pas le portrait pour simplement représenter une apparence physique, mais pour explorer le tourment intérieur et la vulnérabilité du sujet.

L'influence de Rembrandt s'étend également à la technique de Bacon, notamment son usage de l'empâtement épais et son approche du visage humain par des marques en apparence non figuratives. Bacon a dit un jour à propos de l'œuvre de Rembrandt : « Le mystère du fait est transmis par une image composée de marques irrationnelles », un principe que Bacon a adopté en cherchant à équilibrer abstraction et représentation dans ses propres portraits.

Les influences qui ont façonné l'art de Bacon étaient aussi diverses que profondes. Des formes distordues de Picasso au mouvement dynamique de la photographie de Muybridge, ces inspirations ont collectivement poussé Bacon à forger son style unique. Toutefois, plutôt que de simplement émuler ces maîtres, Bacon a fusionné leurs techniques et leurs idées pour créer quelque chose qui lui était propre. Par son utilisation de l'abstraction, de la distorsion et d'une émotion brute, Bacon a redéfini le portrait moderne, créant des œuvres puissantes qui continuent de résonner par leur honnêteté brutale et leur profondeur émotionnelle. Ses peintures témoignent de sa capacité à transformer l'influence des autres en un corpus d'œuvres profondément personnel et novateur.