Les quatre muses et amantes célèbres d'artistes

Au début des années 1960, l'artiste britannique très apprécié David Hockney — alors encore étudiant au Royal College of Art de Londres — a fait sensation avec ses peintures « Love » aux allures de dessins animés. Ces œuvres, évoquant le graffiti, dont le chef-d'œuvre We Two Boys Together Clinging (1961) et Cleaning Teeth, Early Evening (10pm) W11 (1963), faisaient des allusions voilées et codées à l'homosexualité à une époque où elle était encore illégale au Royaume-Uni.

En 1964, Hockney quitta le Londres de l’après-guerre pour s’installer en Californie – un lieu caractérisé par un soleil de plomb, une architecture moderniste et une libération sexuelle.

Alors qu’il enseignait un cours de dessin d’été à l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA), Hockney rencontra le jeune Peter Schlesinger. À l’époque étudiant et plus tard portraitiste, Schlesinger devint rapidement le modèle de Hockney ; peu de temps après, Schlesinger était la muse et l’amant de Hockney.

Assez rapidement, Schlesinger emménagea chez Hockney à Los Angeles et l’accompagna plus tard à Londres, où il s’inscrivit à la mondialement célèbre Slade School of Fine Art.

Sujet d’une longue série d’estampes, l’artiste américain est apparu dans quelques-unes des plus célèbres peintures de Hockney, dont : And Then And Then And Then And Then And Then (red), And Then And Then And Then And Then And Then (pink), And Then And Then And Then And Then And Then (aqua), And Then And Then And Then And Then And Then (blue), And Then And Then And Then And Then And Then (gargie glop), And Then And Then And Then And Then And Then (red and blue), And Then And Then And Then And Then And Then (kappa), And Then And Then And Then And Then And Then (lemon pepper), And then And Then And Then And Then And Then (Hello), And Then And Then And Then And Then And Then (lemon yellow), And Then And Then And Then And Then And Then (black), And Then And Then And Then And Then And Then, The Student, The World, By The Town, Portrait Of An Artist, et Rear View.

Le Parc des Sources, Vichy (1970) — une œuvre témoignant de l’intérêt prononcé de Hockney pour la perspective, et basée en partie sur l’image photographique, Herrenhauser Park, Hannover — montre Schlesinger de dos, assis sur un banc. Commentant ce tableau, Hockney s’est rappelé une fois : « Vichy est une très jolie ville avec un parc en son centre, une sorte de jardin à la française, et ils utilisent cette fausse perspective des arbres pour faire paraître l’endroit plus long qu’il ne l’est réellement. Et j’ai pensé – c’est merveilleux, le tout est comme une sculpture. »

Le tableau de Hockney le plus cher de tous les temps, Portrait Of An Artist (Pool With Two Figures) (1972) — une œuvre en partie inspirée par la photographie John St Clair Swimming (1972) — place Schlesinger au centre de l'attention. Se penchant pour fixer intensément une piscine dans les collines côtières du sud de la France, la pose de Schlesinger est souvent présentée comme une métaphore visuelle de la rupture du couple. En novembre 2018, l'œuvre s'est vendue pour 90,3 millions de dollars, ce qui en faisait à l'époque la vente la plus chère pour une œuvre d'un artiste vivant.

En 1971, Hockney rencontra Gregory Evans à Los Angeles. Evans et Hockney se lièrent rapidement d'une amitié étroite, devenant amants pendant une dizaine d'années.

Evans a servi de modèle à Hockney à de nombreuses reprises ; l'artiste originaire de Bradford a réalisé plus de 40 portraits de lui au cours de sa longue carrière. Parmi les œuvres notables dépeignant Evans figurent Gregory On A Sofa (1978), Gregory (1974), Gregory With Gym Socks (1976) et Reclining Figure (1975).

Bien qu'ils ne soient plus en couple, les deux hommes demeurent très proches. Aujourd'hui, Evans est le gérant et le conservateur de David Hockney, supervisant les archives de l'artiste ainsi que le David Hockney Studio. En 2015, lorsqu'on demanda à Hockney qui était l'amour de sa vie, il répondit : « Peut-être Gregory ».

Au milieu des années 1960, Bacon rencontra l'artiste américain Peter Beard. Comme pour une grande partie de la mythologie entourant Bacon, les récits sur le lieu de leur première rencontre divergent considérablement : certains situent leur connaissance au Clermont Club de Londres ; d'autres, lors du vernissage d'une exposition des œuvres de Bacon à la Marlborough Gallery en 1967.

Indépendamment de ces histoires contradictoires, c'est la structure osseuse de Beard qui semble avoir d'abord attiré l'attention de Bacon sur l'Américain. S'inscrivant dans la prédilection de Bacon pour tout ce qui est anguleux, Beard devint le sujet de neuf portraits majeurs et d'innombrables études.

En tant que photographe, Beard donnait souvent à Bacon des photographies de lui-même. À l'instar de nombreuses photographies offertes à Bacon, celles-ci firent partie de ce que l'on appelle le « compost » de l'artiste – des centaines d'images photographiques qui jonchaient le sol de son atelier au 7 Reece Mews, South Kensington.

Le tableau le plus célèbre inspiré par la photographie de Beard – dont 200 exemples furent retrouvés dans l'atelier de Bacon après sa mort – est l'emblématique Two Studies For Portrait (1976).

En 1963, Bacon rencontra George Dyer : un repris de justice originaire de l'East End londonien et la muse la plus importante de Bacon. Il allait devenir un élément central des portraits à la fois infâmes et viscéraux de Bacon.

On ignore où Bacon et Dyer se sont rencontrés pour la première fois. Certains disent que la paire a croisé le chemin pour la première fois dans un débit de boisson de Soho que Bacon fréquentait souvent, comme le French House, le Coach & Horses, ou le Colony Club Room de Dean Street (un ancien repaire, entre d'innombrables artistes et personnalités, des YBA Tracey Emin et Damien Hirst) ; d'autres racontent qu'ils se sont rencontrés dans l'appartement de Bacon lorsque Dyer a décidé de le cambrioler.

Indépendamment du lieu de leur rencontre, le duo a noué une relation amoureuse intense et interdépendante qui a engendré une série de peintures importantes.

Parmi celles-ci figurent le saisissant Three Studies For A Portrait Of George Dyer, 1963, Figure Writing Reflected In A Mirror (1976), et le macabre Triptych August 1972 – l'un des 'Triptyques Noirs' de l'artiste.

Deux jours avant le vernissage de la rétrospective qui a marqué la carrière de Bacon au Grand Palais de Paris, Dyer s'est suicidé après une longue lutte contre l'alcoolisme et la dépression. Dans le panneau gauche de Triptych August 1972, on voit Dyer quelques instants avant sa mort.

Commémoration de Dyer, et l'une des nombreuses œuvres que Bacon décrivait comme un 'exorcisme' destiné à le débarrasser de sa culpabilité concernant la mort de Dyer, In Memory Of George Dyer dépeint l'ancien amant de Bacon avec une affection et une dignité largement absentes des autres œuvres plus intransigeantes. Dans son troisième panneau, des images miroirs du profil de Dyer sont installées sur un piédestal, dans une figuration métaphorique de l'amour et de la déférence.

Ancienne biologiste au centre de recherche sur le cancer Sloan Kettering de New York, Ada Katz a fait l'objet de plus de 250 portraits réalisés par son mari.

Épouse de l'artiste américain Alex Katz, Ada est considérée comme l'une des muses les plus peintes de l'histoire de l'art occidental.

La chevelure sombre et les traits affirmés d'Ada sont au centre d'innombrables œuvres, dont les célèbres mondiales The Red Smile (1963), Ada In Red (1989), Ada With Sunglasses (1990), la sérigraphie Black Scarf (1996) et la récente xylographie Ada (red) (2011).

Le couple s'est marié en 1958. Décrivant sa compagne, Alex Katz a un jour déclaré : « C'est une beauté américaine classique. C'est aussi une beauté européenne. » Les portraits d'Ada constituent le cœur d'une exposition actuellement présentée à la Gladstone Gallery de Bruxelles, ainsi que d'expositions à venir au Musée national Thyssen-Bornemisza (Madrid) et au Solomon R. Guggenheim Museum de New York.

Inspiré par les fêtes nocturnes du légendaire club new-yorkais Studio 54 à la fin des années 1970, Andy Warhol a créé la série controversée Sex Parts.

Cette série comprend des œuvres célèbres telles que Torso (Male Buttocks) (1977), qui représente la figure nue de l'artiste et créateur de vitrines sulfureux, Victor Hugo – l'une des nombreuses muses de Warhol – et présente des représentations explicites de relations homosexuelles. Une autre série produite à la même époque, intitulée Shadows (1978-79), est également souvent interprétée comme une référence codée au même thème.

Le compagnon de Warhol, Jed Johnson, réalisateur et plus tard architecte d'intérieur, n'appréciait pas que Warhol passe autant de temps à photographier des hommes nus. Lorsqu'il a découvert une pile de photographies Polaroïd explicites que Warhol avait prises en préparation de cette série (photos que Warhol nommait pudiquement des « Paysages »), Johnson est entré dans une colère noire. Il a par la suite quitté Andy.

En 1983, Andy Warhol a créé sa série Love. Contrairement à la série Sex Parts, ces images se caractérisent par leur tendresse. Représentant un couple nu dans diverses poses amoureuses, on ne peut que supposer qu'elles reflètent une expression de la sexualité de Warhol vers la fin de sa vie.