L'influence de Francis Bacon sur le cinéma de David Lynch

Bacon et Lynch sont deux artistes issus de médiums distincts, mais leur exploration commune de la vulnérabilité humaine, de l'horreur psychologique et de la déformation corporelle unit leurs œuvres dans une esthétique viscérale et singulière. Les peintures de Bacon sont des études du malaise ; ses toiles sont dominées par des figures charnues et tordues, souvent placées sur des arrière-plans claustrophobiques qui intensifient le sentiment d'enfermement et d'angoisse. Les paysages cinématographiques de Lynch font écho à cette atmosphère oppressante, où les personnages et les environnements fusionnent, créant des mondes qui reflètent le trouble intérieur et la terreur existentielle. Les deux artistes confrontent le spectateur à un monde aussi menaçant que fascinant, où les frontières entre le familier et l'horrible s'estompent.

Bacon et Lynch partagent une capacité à transformer la beauté en terreur, nous attirant dans un royaume surréel qui explore la fragilité de l'existence humaine. Plutôt que de simplement imiter l'esthétique de Bacon, Lynch transpose les principes de Bacon – la tension, l'isolement et les perturbations inexprimées du subconscient – dans le langage du cinéma, créant ainsi son propre dialecte visuel qui est à la fois un hommage à Bacon et une exploration propre de l'obscurité. Ensemble, ils façonnent un récit où l'existence humaine est aussi fragile que résolue.

Le corps humain vulnérable

Le philosophe Gilles Deleuze analyse l'œuvre de Bacon dans Francis Bacon : Logique de la sensation, affirmant que la forme humaine devient un champ de bataille fait d’agonie et de désarroi, un spectacle brut de la souffrance existentielle. Dans des tableaux comme Étude pour un portrait et Trois études pour figures à la base d'une crucifixion, les figures de Bacon sont tordues et compressées, leurs corps se trouvent déformés au-delà des limites anatomiques, comme pour capturer visuellement les profondeurs du désespoir et de la vulnérabilité humaines. Ces figures déformées incarnent un torrent de douleur non filtré, devenant des symboles viscéraux du tourment inexprimable qui réside en nous. Le choix de Bacon d'exagérer et de déformer la chair avec une telle brutalité invite le spectateur à une contemplation sans détour de la fragilité humaine et d’un sentiment d'angoisse qui défie toute contenance. Ici, la chair elle-même devient le réceptacle des troubles intérieurs de l’âme, où la souffrance est extériorisée sans concession.

Échos des figures de Bacon dans les personnages de Lynch

Lynch puise profondément dans ce lexique visuel dérangeant, façonnant des personnages qui rappellent les corps torturés de Bacon, en leur insufflant un sentiment obsédant de difformité et d'emprisonnement psychologique. Dans Eraserhead (1977) et The Elephant Man (1980), les protagonistes de Lynch incarnent un sens presque baconien du grotesque et du vulnérable. Henry, le personnage principal d’Eraserhead, devient l’emblème de la terreur existentielle ; sa souffrance silencieuse et tourmentée rappelle les figures spectrales de Bacon, tandis que John Merrick dans The Elephant Man révèle le désespoir d'un corps et d'une âme rejetés par la société. Ces personnages portent la réinterprétation cinématographique par Lynch des formes déformées de Bacon ; chaque figure dépeint une agonie à la fois visible et psychologique, oscillant souvent entre la réalité et le cauchemar.

Lynch fait plus qu'un simple hommage ; il canalise la stratégie de Bacon qui consiste à utiliser le corps comme lieu de traumatisme et d'isolement, conférant à ses personnages un tourment incarné qui palpite à l'écran. À travers l'objectif de Lynch, la déformation physique fusionne avec l'aliénation émotionnelle, et ses personnages deviennent des toiles sur lesquelles leurs luttes intérieures sont projetées, à l'image des corps fracturés de Bacon. Dans leurs œuvres respectives, la frontière entre le corps et l'esprit s'estompe, exposant un réalisme psychologique qui confronte les profondeurs du désespoir, de la résilience et de la beauté terrifiante de notre propre fragilité.

Bacon percevait l'horreur comme quelque chose de profondément ancré dans la psyché, utilisant une exagération grotesque pour briser le vernis de la civilité et exposer ce qui se cache en dessous. Son art est une confrontation avec l'horreur dans sa forme la plus brute, plongeant dans le viscéral et le grotesque pour dépouiller la condition humaine jusqu'à son noyau. Ses peintures ne décrivent pas simplement l'horreur ; elles l'incarnent, présentant des corps déformés et des expressions d'agonie qui semblent hurler depuis les profondeurs. Dans des œuvres comme Étude d'après le portrait du Pape Innocent X de Vélasquez, Bacon saisit la terreur non seulement de la douleur physique, mais aussi de la désintégration psychologique, la chair semblant fondre, se tordre ou s'emprisonner dans un cycle de tourment incessant. Il invite le spectateur à contempler le grotesque d'une manière qui dépasse la simple répulsion, nous attirant vers une esthétique de l'horreur à la fois fascinante et profondément troublante.

Là où les toiles de Bacon présentent des moments d'horreur statiques, les films de Lynch animent cette horreur, l'étendant dans le flux du temps et du son, où elle devient une expérience continue et inéluctable. La représentation de l'horreur par Lynch ne vise pas le gore, mais plutôt une intensité surréaliste et onirique qui rend la peur presque belle, plongeant le public dans ce qui ressemble à une méditation sombre et tortueuse sur la psyché humaine. Par cette transformation, Lynch fait écho à la capacité de Bacon de rendre l'horreur à la fois obsédante et irrésistible, invitant les spectateurs non pas à fuir la peur, mais à se l'approprier. En entraînant le public dans des mondes où le grotesque est à la fois familier et étranger, Lynch étend l'esthétique de Bacon en une expérience immersive, où l'horreur devient un langage en soi. Ce faisant, Lynch n'hérite pas seulement de l'horreur de Bacon ; il se l'approprie, transformant le grotesque surréaliste en un médium de poésie cinématographique.

Le langage visuel troublant de Bacon a laissé une empreinte durable sur les mondes du surréalisme, de l'horreur et du cinéma psychologique. Des cinéastes, dont Christopher Nolan et Ridley Scott, se sont inspirés de sa vision pour explorer les profondeurs psychologiques et les paysages surréalistes. Nolan a révélé que l'interprétation emblématique du Joker par Heath Ledger dans The Dark Knight (2008) était en partie inspirée d'un triptyque de Bacon, le maquillage du Joker étant basé sur les « distorsions floues » des visages peints par Bacon. Alien (1979) de Scott s'est également inspiré de Bacon ; la créature jaillissant de la poitrine d'un membre de l'équipage a été modelée sur les figures monstrueuses du triptyque de Bacon de 1944, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion.

Lynch reconnaît ouvertement Bacon comme une influence formatrice, considérant l'exploration de l'émotion humaine par Bacon comme une référence essentielle pour ses propres œuvres. Dans un entretien avec Cahiers du Cinéma, Lynch a exprimé son admiration pour l'intensité avec laquelle Bacon saisit l'essence du tourment psychologique et de la vulnérabilité physique, une intensité que Lynch s'est efforcé d'évoquer dans ses propres films. Pour Lynch, l'héritage de Bacon n'est pas seulement un legs artistique, mais une source d'inspiration constante qui alimente son exploration du surréalisme et de l'angoisse existentielle à l'écran.