Peinture du temps : Comment Frank Auerbach saisit le passage de la mémoire

Né à Berlin en 1931 de parents juifs, les années de formation d'Auerbach furent profondément marquées par la perte et le déplacement. À l'âge de sept ans, il fut envoyé en Angleterre pour échapper à la persécution nazie, une séparation rendue définitive par la mort ultérieure de ses parents à Auschwitz. Cette expérience précoce de traumatisme et de déracinement est devenue une influence majeure sur sa vision artistique. Les œuvres d'Auerbach témoignent d'une exploration constante des thèmes de la mémoire, de la résilience et de l'impermanence de l'existence, sur fond d'un monde d'après-guerre aux prises avec la destruction et le renouveau.

Les portraits d'Auerbach présentent une immersion intime dans la mémoire, mettant en scène des modèles issus du noyau de sa vie personnelle. On y trouve son épouse, Julia, le modèle fidèle Juliet Yardley Mills (J.Y.M.) et son amie proche Estella Olive West (E.O.W.), dont les séances de pose répétées ont contribué à la profondeur et à la continuité de son exploration artistique. Ces modèles s'engageaient dans un échange artistique prolongé, devenant ainsi des collaborateurs dans son processus rigoureux visant à révéler leur essence. Chaque peinture reflète une distillation lente, presque méditative du caractère, élaborée au fil d'innombrables séances. De même, les paysages urbains de Londres réalisés par Auerbach saisissent les transformations de la ville après la guerre, tissant son lien personnel avec ses rues et ses cicatrices dans un récit plus vaste du changement et de la résilience. Ces œuvres parlent autant de l'attachement profond d'Auerbach au lieu que de l'identité évolutive de la ville.

Équilibrer la permanence et l'impermanence

Le processus artistique d'Auerbach est un dialogue incessant avec le temps, une méditation extraordinaire sur sa nature éphémère et durable. Son approche du dessin comme de la peinture repose sur des cycles intenses de création et de destruction, transformant ses surfaces en témoignages superposés de persistance et de changement. Dans ses dessins, généralement réalisés au fusain avec des touches occasionnelles de craie, le processus d'effacement et de réapplication acquiert une matérialité qui use le papier jusqu'à sa quasi-désintégration. Auerbach collait des feuilles de papier ensemble pour les renforcer, les réparant, les rapiéçant et lissant la surface à plusieurs reprises tandis qu'il griffait à travers les couches et que les bords s'effilochaient. Avec le temps, la surface devenait un champ de bataille, marqué par des éraflures, des déchirures et des plis ; une histoire matérielle de ses luttes créatives. Loin d'être accessoires, ces surfaces usées deviennent essentielles à la puissance expressive des œuvres d'Auerbach. Il considérait les marques, les réparations et les abrasions comme le reflet de l'intensité de son processus, décrivant les dessins comme « sortant de la bataille pour devenir une image qui se défend seule ». Des amis, des amants et des proches émergent de ces surfaces retravaillées et réimaginées avec une présence viscérale, leurs portraits imprégnés d'une résilience qui transcende la ruine du papier. Sa pratique incessante de travailler et retravailler ses toiles transforme l'acte de création en un processus profondément immersif, où chaque surface porte le résidu des itérations précédentes, créant un palimpseste visuel où les traces de ce qui fut précède l'ombre de la composition finale.

Dans ses peintures, la méthode d'Auerbach consistant à superposer un empâtement épais fait écho à cette interaction entre destruction et création. Construites sur des mois, voire des années, ses toiles portent la mémoire d'innombrables versions, formant des surfaces denses et sculptées qui semblent ancrer le temps lui-même. Ces couches tactiles affirment un sens de permanence, ancrant l'œuvre dans la matérialité et offrant un aperçu du labeur intense nécessaire à leur réalisation. En même temps, l'image finale conserve une impression de provisoire, comme si elle était encore en mouvement, capturant les moments éphémères de ses interactions avec les modèles ou la lumière changeante d'un paysage urbain.

La capacité d'Auerbach à équilibrer la matérialité et la fugacité crée une tension fascinante dans ses œuvres. Ses peintures et dessins ne figent pas le temps, mais incarnent son passage, superposant mémoire et expérience dans leur trame. Grâce à ses techniques uniques, Auerbach transforme ses surfaces en espaces dynamiques où permanence et impermanence coexistent, invitant les spectateurs à appréhender le temps comme une expérience vécue, superposée et profondément humaine.

Figure influente de la School of London, Auerbach a tissé des liens étroits avec des artistes comme Leon Kossoff, Lucian Freud et Francis Bacon, façonnant une époque dynamique de la peinture figurative. Au-delà de son cercle immédiat, l'influence profonde d'Auerbach s'étend à une nouvelle génération de peintres, dont Jenny Saville, Cecily Brown, Adrian Ghenie et Antony Micallef, qui continuent d'explorer les complexités du Human Body et de la chair. L'observation acharnée d'Auerbach et son expérimentation avec les matériaux ont inspiré ces artistes à se pencher sur les aspects personnels et universels de leurs œuvres, assurant ainsi que son héritage demeure une pierre angulaire de l'art contemporain.

Les toiles d'Auerbach restent pertinentes car elles évoquent des expériences humaines universelles : le passage du temps, la fragilité de la mémoire et la résilience de l'esprit humain. Sa capacité à imprégner ses œuvres de couches d'émotion et d'histoire les rend intemporelles, invitant le spectateur à s'immerger dans la richesse de la vie et ses moments fugaces. Dans l'art d'Auerbach, le passé n'est jamais loin ; il est palpable, présent, tissé dans chaque coup de pinceau.