Les artistes qui ont inspiré Jasper Johns

Le partenariat créatif entre Johns et Rauschenberg a marqué une période de transformation dans l'art moderne, faisant le pont entre les frontières traditionnelles et remettant en question les conventions de l'Expressionnisme abstrait. Se rencontrant dans la scène artistique effervescente de New York au début des années 1950, Johns et Rauschenberg partageaient un désintérêt mutuel pour le style émotif et introspectif des expressionnistes abstraits. Rauschenberg, connu pour ses Combines novatrices, des œuvres qui fusionnaient peinture et sculpture en incorporant des objets du quotidien et des Found Objects, a offert à Johns un nouveau vocabulaire artistique. Inspiré par la vision de Rauschenberg, Johns a commencé à introduire des symboles familiers et emblématiques, tels que des drapeaux et des cibles, dans ses œuvres, les réimaginant non pas comme des formes abstraites, mais comme des symboles culturels porteurs d'une signification à la fois personnelle et collective.

Grâce à leurs échanges, Rauschenberg a encouragé Johns à se concentrer sur des objets largement reconnaissables, invitant le spectateur à s'engager avec l'art comme une expérience partagée plutôt qu'une expérience insaisissable et profondément personnelle. Leur influence collaborative a contribué à façonner ce qui allait être connu sous le nom de Néo-Dada et Proto-Pop, des mouvements qui ont remis en question la solennité de l'Expressionnisme abstrait et préparé le terrain pour l'exploration de l'imagerie du quotidien par le Pop Art. Ensemble, Rauschenberg et Johns ont créé un art ancré dans le monde réel, modifiant à jamais la manière dont les artistes et le public se rapportent à l'art et repoussant les limites de ce que l'art pouvait signifier.

Duchamp, pionnier de l'avant-garde et figure centrale du mouvement Dada, a profondément influencé l'approche conceptuelle de Johns en matière d'art. Le concept révolutionnaire de Duchamp du « ready-made » – ces objets manufacturés ordinaires présentés comme de l'art pour défier l'esthétique traditionnelle et questionner la nature même de l'œuvre – a trouvé un écho puissant chez Johns. Le réexamen radical opéré par Duchamp, qui voyait l'art comme une quête mentale et intellectuelle plutôt que comme un simple plaisir visuel, a encouragé Johns à intégrer des symboles du quotidien, tels que les nombres et les cartes, comme composantes essentielles de ses œuvres. Il ne s'agissait pas d'icônes abstraites, mais de références culturelles profondément ancrées invitant à la réflexion et à l'introspection.

La rencontre avec Duchamp en 1960 fut un moment charnière pour Johns, réaffirmant son engagement à créer des œuvres qui sollicitent l'intellect du spectateur autant que son regard. Dans des pièces comme According to What (1964), Johns rendait hommage à l'héritage de Duchamp, incorporant des éléments qui invitent à l'interprétation et à la méditation, à l'image de la célèbre Tu m’ (1918) de Duchamp. Cette œuvre illustre la volonté de Johns de remettre en question les certitudes du public concernant l'art, la perception et la signification. Comme l'a lui-même noté Johns, la plus grande réussite de Duchamp a peut-être été sa capacité à « introduire le doute dans l'air qui entoure l'art », un principe que Johns allait adopter et placer au centre de son propre travail.

Les théories révolutionnaires de John Cage sur le hasard et l'indétermination ont durablement marqué Jasper Johns, l'incitant à reconsidérer le rôle du contrôle et de la spontanéité dans ses œuvres. Les compositions musicales avant-gardistes de Cage, qui intégraient fréquemment des éléments de hasard, ont poussé Johns à explorer des moyens d'introduire de l'imprévu dans son processus créatif. Alors que Johns travaillait généralement avec précision, l'influence de Cage l'a inspiré à lâcher une partie du contrôle et à accepter l'imprévisibilité, ouvrant ainsi ses œuvres à une nouvelle dimension de liberté et de profondeur.

En réponse aux idées de Cage, Johns a adopté les techniques de l'encaustique, utilisant des couches de cire chauffée et d'autres matériaux pour introduire une part de hasard dans ses peintures. Cette méthode permettait des textures et des superpositions inattendues, créant une surface multidimensionnelle qui brouillait la frontière entre la peinture et l'objet. La philosophie de Cage a également alimenté l'intérêt de Johns pour le rejet de l'ego de l'artiste, le distançant de l'intensité émotionnelle de l'Expressionnisme Abstrait au profit d'une approche plus délibérée et axée sur la matière. Cette acceptation de l'imperfection et de l'inattendu a permis à Johns de créer des pièces qui captivent les spectateurs de manière unique, et de découvrir de nouveaux détails à chaque confrontation.

Merce Cunningham, chorégraphe visionnaire et ami de longue date de Johns, a eu une influence tout aussi transformatrice sur les idées de ce dernier concernant l'espace, le rythme et l'absence de narration. L'approche révolutionnaire de Cunningham de la danse, qui rejetait le récit conventionnel au profit de l'exploration du mouvement et de l'espace en soi, a invité Johns à considérer sa propre œuvre comme une scène où les symboles et les formes coexistent avec un sens de l'autonomie. Tout comme Cunningham laissait ses danseurs évoluer indépendamment, sans être contraints par des récits figés, Johns disposait des images familières comme les drapeaux et les cibles sur ses toiles, créant des compositions qui résistent à une interprétation unique et permettent plutôt à chaque spectateur d'en tirer ses propres significations.

La nature collaborative de Cunningham et sa volonté de travailler avec des artistes de diverses disciplines, de musiciens comme Cage à des artistes visuels comme Rauschenberg, ont influencé Johns à percevoir l'art comme un jeu d'interaction entre formes et idées plutôt que comme des expressions isolées. À travers ce prisme, Johns a commencé à explorer l'équivalent visuel de la chorégraphie, en utilisant la répétition et le rythme dans des motifs récurrents. Tout comme les spectacles de Cunningham, qui intégraient le hasard et des motifs subtils, l'œuvre de Johns invite les spectateurs à naviguer dans ses compositions de manière intuitive et ouverte. Cet arrangement dynamique des symboles et des formes permet à chaque membre du public d'entrer en contact avec l'œuvre selon sa propre perspective, reflétant la souplesse et l'indépendance au cœur de la philosophie de danse de Cunningham.

En revisitant l'œuvre de Johns et ses influences, nous découvrons un artiste qui a navigué aux intersections dynamiques de la collaboration, de la philosophie et de la forme pour remodeler le paysage de l'art moderne. Johns ne se contentait pas de créer des images ; il redéfinissait la relation entre l'artiste, l'œuvre et le spectateur, mettant chacun au défi de s'engager avec l'art d'une manière plus profonde. De la remise en question de la finalité de l'art par Duchamp à l'adoption du quotidien par Rauschenberg, Johns a absorbé et transformé ces influences, construisant un héritage qui a poussé l'art vers de nouveaux territoires de sens et de réflexion. À une époque marquée par de rapides mutations culturelles, l'art de Johns témoigne du pouvoir transformateur de la curiosité intellectuelle et de l'esprit collaboratif, nous rappelant que l'art consiste autant à provoquer des questions qu'à apporter des réponses. Son héritage perdure, non seulement dans les symboles qu'il a animés, mais aussi dans l'inspiration durable qu'il a laissée aux artistes, les incitant à considérer leur travail comme faisant partie d'un dialogue plus vaste et en constante évolution avec le monde.