De SAMO aux prix d'adjudication de Sotheby's

Né le 22 décembre 1960 à Brooklyn, New York, Jean-Michel Basquiat est issu de la scène underground post-punk de la fin des années 1970. Il a commencé comme graffeur sous le pseudonyme SAMO avant de se tourner vers la peinture sur toile. Figure centrale de la scène artistique de New York dans les années 1980, Basquiat a collaboré avec de nombreux artistes, le plus célèbre étant Andy Warhol. Cependant, sa première collaboration, qui a donné naissance au tag SAMO, a été réalisée avec son ami et artiste Al Diaz.

L'œuvre de Basquiat est un kaléidoscope de ses expériences personnelles, des récits historiques et de la culture afro-caribéenne. Elle possède son propre langage symbolique et explore avec brio les thèmes opposant richesse et pauvreté, intégration et ségrégation, expériences intérieures et extérieures. Sa représentation de l'expérience noire, associée à sa critique des structures de pouvoir et des systèmes de racisme, est à la fois puissante et poignante, faisant de lui un commentateur sociopolitique essentiel de son époque.

L'œuvre de Basquiat marque un tournant fondamental dans l'évolution de l'art américain – notamment dans la manière dont elle aborde et explore la race et l'identité. Son influence a dépassé le monde de l'art, imprégnant la culture pop et inspirant une nouvelle génération d'artistes dans les domaines de l'art, de la musique et de la mode. Bien que la vie de Basquiat ait été tragiquement écourtée par une overdose d'héroïne en 1988 à l'âge de 27 ans, il a laissé derrière lui un héritage artistique qui résonne encore aujourd'hui, consolidant sa place au sommet de la culture pop et urbaine.

La vie personnelle énigmatique de Basquiat lui a permis d'intégrer le panthéon des idoles du XXe siècle. Pourtant, le mystère entourant Jean-Michel Basquiat ne concerne pas seulement l'homme ou le parcours fulgurant de sa carrière, mais surtout l'influence profonde et durable de ses œuvres.

Vers la fin des années 1970, les rues de New York sont devenues la toile d'un mystérieux nouveau tag de graffitis : SAMO©. Cet acronyme intrigant — abréviation de "Same Old Crap" (la même vieille rengaine) — était l'idée originale de deux adolescents, Jean-Michel Basquiat et Al Diaz. SAMO© était un commentaire sur les schémas stagnants et répétitifs de la société, et ce mouvement contre-culturel a préparé le terrain pour l'ascension de Basquiat dans le monde de l'art grand public.

SAMO© est né en réaction spontanée au désenchantement ressenti par Basquiat et Diaz face au climat sociopolitique, à la culture de consommation et aux institutions religieuses de leur époque. Au milieu du paysage urbain, dans le Lower East Side, SoHo et Tribeca, le duo projetait des messages cryptiques et poétiques. Ces épigrammes étaient souvent ironiques, remettant en question le statu quo et offrant une critique brute et sans filtre des normes sociétales. Le style de SAMO© était singulier, mariant l'immédiateté et la spontanéité de l'art de rue à des aphorismes stimulants qui brouillaient la frontière entre le graffiti et l'art majeur. Des messages tels que "SAMO© as an end to mindwash religion, nowhere politics, and bogus philosophy" ont capté l'attention du public, suscitant la curiosité quant à l'identité derrière ces mots.

En 1980, après un désaccord, Basquiat et Diaz décidèrent de « tuer » SAMO©, signalant la fin de ce chapitre par un dernier message de Basquiat, griffonné à plusieurs reprises sur les murs des immeubles du centre-ville : "SAMO© IS DEAD". Cela marqua la transition de Basquiat de l'art de rue vers le monde de l'art grand public, et il commença à peindre sur toile. Néanmoins, il a sans aucun doute transporté l'esprit de SAMO© dans sa peinture, avec son esprit, sa critique sociopolitique, sa franchise et son esprit de rébellion. Les thèmes qui imprégnaient les graffitis SAMO©, tels que l'inégalité sociale, la critique institutionnelle et l'angoisse existentielle, ont également continué de résonner dans les œuvres ultérieures de Basquiat. De même, le style de SAMO©, avec sa combinaison de texte et d'image, s'est reporté sur ses toiles. Les mots de ses graffitis étaient intrinsèques à l'œuvre d'art, un trait qui est resté constant tout au long de sa carrière de peintre.

L'héritage de SAMO© ne saurait être sous-estimé. Ce fut le tremplin pour l'un des artistes les plus influents de la fin du XXe siècle, mais, de manière essentielle, ce fut une déclaration et un mouvement, utilisant la force brute du graffiti pour défier la société et transformer les rues de New York en une toile invitant à la réflexion.

Les années 1980 furent une période dynamique et transformatrice pour la scène artistique de New York, caractérisée par une résurgence de la peinture figurative et un amalgame entre la « high culture » et la culture populaire. Au cœur de ce milieu artistique vibrant se trouvait Jean-Michel Basquiat, dont le talent et le charisme allaient le mener à une renommée internationale en quelques années seulement.

Après la dissolution de SAMO©, Basquiat a commencé à créer des œuvres sur toile et sur des matériaux récupérés, combinant l'énergie brute du street art avec les principes des beaux-arts. En juin 1980, Basquiat a tenu sa première exposition publique lors de l'exposition collective « The Times Square Show », marquant sa transition d'artiste de rue à figure reconnue du monde de l'art. Dès 1982, il exposait ses œuvres aux côtés d'artistes établis tels que Julian Schnabel et David Salle, et il était le plus jeune artiste à participer à la Documenta de Cassel, en Allemagne.

Cependant, sa montée rapide vers la célébrité n'a pas été sans difficultés. En tant que jeune artiste noir dans un monde de l'art majoritairement blanc, Basquiat a souvent été confronté au racisme et étiqueté comme artiste « primitif ». Il a abordé ces questions dans ses œuvres, créant des pièces qui exploraient les thèmes de la race, des inégalités, de la brutalité policière et du colonialisme.

Durant cette période, Basquiat a noué des liens avec plusieurs personnalités clés du monde de l'art. L'une des plus importantes fut celle avec le maître du Pop Art, Andy Warhol. Les deux artistes admiraient le travail de l'autre et ont rapidement entamé une collaboration amicale et productive. Leurs styles artistiques se complétaient, donnant lieu à un mélange unique de leurs esthétiques distinctives. Malgré leur différence d'âge, ils partageaient une connexion profonde, s'influençant mutuellement jusqu'à la mort de Warhol en 1987.

Une autre relation notable fut son amitié avec Keith Haring, un autre artiste qui avait également débuté sa carrière dans le milieu du street art. Les lignes audacieuses et les couleurs vibrantes de Haring, souvent utilisées pour transmettre des messages sociaux, trouvaient un écho chez Basquiat. Tous deux étaient des produits de leur époque et partageaient une compréhension commune de l'art comme moyen de commentaire social, ce qui a approfondi leur amitié et leur influence mutuelle.

Le passage de Basquiat sur la scène artistique de New York dans les années 1980, bien que bref, fut intensément productif. Son influence dépassa la peinture, modifiant la perception de l'art et brouillant les frontières entre le street art et la « high art ». Sa vie et son œuvre résument l'énergie, l'ambition et la turbulence de cette période de transformation dans l'histoire de l'art et de la culture.

L'art de Jean-Michel Basquiat est une fusion de dichotomies : Word And Image, culture savante et culture populaire, couleurs expressionnistes et traits bruts. Son style emblématique se caractérise par l'intégration de texte et de symbolisme, ce qui rend ses œuvres immédiatement reconnaissables et profondément marquantes.

Untitled (1982)

Son tableau sans doute le plus célèbre est Untitled (1982), qui présente une tête puissante, évoquant un crâne, sur un fond bleu vif. La tête est un kaléidoscope de couleurs et de motifs abstraits, superposé à un travail de ligne frénétique, presque agressif, qui semble dépeindre à la fois une agitation physique et psychologique. Au milieu de ce chaos, on trouve des bribes de texte signature de Basquiat – des mots comme « Teeth », « Asbestos » et « Milk » sont disséminés sur la toile, ajoutant à la narration cryptique du tableau. Cette œuvre cristallise l'exploration par Basquiat de thèmes tels que la mortalité, l'anxiété et la condition humaine ; cela se reflète dans le fait qu'il s'agit de l'œuvre la plus chère de Basquiat à ce jour, vendue pour 85,2 millions de livres sterling en 2017.

Une peinture qui illustre de manière similaire sa fusion de l'art textuel et visuel et de thèmes difficiles est Dustheads (1982). Elle représente Two Figures sur un fond noir, leurs corps remplis d'un mélange désordonné de couleurs. Le personnage rendu en rouge vif a les mains et les bras levés au-dessus de sa tête, ses yeux sont grands et intenses, comportant de multiples cercles, et il arbore un large sourire. Un second personnage, moins actif mais tout aussi saisissant, est également représenté avec des yeux agrandis remplis des mêmes cercles concentriques. La peinture est imprégnée d'un sentiment de désordre, d'immédiateté et de dynamisme. Il semblerait que Dustheads s'inspire d'individus de son cercle social connus pour consommer du PCP (communément appelé Angel Dust), et les figures de l'œuvre sont vraisemblablement sous l'influence de cette substance. Cette toile est un exemple de la capacité de Basquiat à créer un dialogue entre l'image et les aspects les plus sombres de la société, ainsi qu'un témoignage de ses techniques et de son approche thématique uniques.

L'œuvre de Basquiat abordait fréquemment des problèmes systémiques, notamment le racisme et les brutalités policières ; l'une de ces œuvres est Defacement (The Death of Michael Stewart), datant de 1983. Cette pièce n'était pas destinée à être vue publiquement au départ, mais constituait une réaction profondément personnelle à un événement tragique. Michael Stewart était un jeune artiste de graffiti noir décédé suite à une altercation avec la police des transports de la ville de New York en 1983. Basquiat et Stewart appartenaient tous deux aux mêmes cercles créatifs du centre-ville de New York, et la mort de Stewart a profondément affecté Basquiat.

Dans Defacement, Basquiat représente deux policiers blancs frappant une silhouette noire qui ressemble à un bonhomme bâton. Les visages des policiers sont déformés et démoniaques, soulignant la violence de leurs actes. La tête de la figure noire est encadrée par le bleu de l'uniforme de police, et des lignes l'entourant donnent une impression de rotation. Bien que cette œuvre ne soit pas aussi célèbre que certaines de ses autres pièces, elle est l'une des plus personnelles de l'artiste et constitue une représentation explicite de la brutalité policière dans l'ensemble de son travail.

Ces œuvres mettent en lumière le style artistique singulier de Basquiat, un mélange révolutionnaire et visuellement saisissant de texte, de symbolisme et de couleurs expressionnistes, sans oublier son intérêt pour des thèmes jusqu'alors marginalisés par l'art traditionnel : le racisme, la lutte des classes, le colonialisme, la toxicomanie et l'identité personnelle.

Le parcours de carrière de Jean-Michel Basquiat est une narration remarquable de l’ascension rapide d’un jeune talent, des rues rugueuses de New York jusqu’au prestige des maisons de vente aux enchères, offrant ainsi un prisme fascinant sur la dynamique du monde de l’art et le rôle du marché dans le succès global d’un artiste. Cela est particulièrement vrai dans le cas de Basquiat : le marché de l’art a joué un rôle essentiel dans son accession à la célébrité, car les collectionneurs, les galeristes et les maisons de vente ont reconnu la force de ses œuvres et le potentiel d’investissement bien avant les institutions traditionnelles. Il est l’un des rares artistes de sa génération à n’avoir jamais bénéficié d’une exposition majeure de son vivant, et le MoMA comme le Whitney ont tous deux rejeté ses œuvres durant les années 1980. Malgré cela, l’artiste a connu et continue de connaître un immense succès commercial, de son vivant comme aujourd’hui — en 2017, son œuvre Untitled (1982) s’est vendue chez Sotheby's pour la somme stupéfiante de 85,4 millions de livres sterling, un prix record pour un artiste américain aux enchères à l’époque. Beaucoup attribuent ce manque de représentation de Basquiat dans les grandes institutions artistiques au racisme et au snobisme.

Cependant, il est important de noter que les prix élevés atteints aux enchères ne sont pas seulement un témoignage des forces du marché, mais aussi une reconnaissance du talent brut de Basquiat et de la pertinence durable de ses thèmes tels que la race, le pouvoir et l’inégalité, qui continuent de résonner dans la société contemporaine. Faisant écho au succès commercial qu’il a connu de son vivant, il est aujourd’hui considéré comme l’artiste le plus collectionné par les athlètes, les acteurs, les musiciens et les entrepreneurs. Son parcours, de l’art de rue à Sotheby’s, témoigne de son talent extraordinaire et de la capacité de ses œuvres à transcender les frontières. Malgré sa courte vie, son influence se fait encore sentir dans l’art contemporain aujourd’hui, et son histoire ne parle pas seulement de l’ascension météorique d’un artiste ; elle évoque le pouvoir de l’art à engager, provoquer et, finalement, transcender ses origines.

L'impact de Jean-Michel Basquiat sur l'art contemporain et la culture dépasse largement sa vie tragiquement courte. Le mélange audacieux qu'il opérait entre culture populaire et haute culture, son usage d'une esthétique graffiti dans un contexte d'art noble et l'incorporation de texte dans ses peintures ont influencé d'innombrables artistes qui cherchent à repousser les limites artistiques traditionnelles. Ayant fait voler en éclats la frontière entre l'art de rue et l'art de galerie, il a ouvert la voie à des artistes comme Banksy et Shepard Fairey. Le premier a souvent choisi d'interagir avec l'œuvre de Basquiat, ayant créé deux murales au Barbican en 2017 qui font référence à son travail.

Au-delà du monde de l'art, l'influence de Basquiat s'étend au paysage populaire général, des éléments de son style et de ses thèmes apparaissant dans la mode, la musique et le cinéma. Ses œuvres ont été présentées sur des lignes de vêtements, des pochettes d'albums, et ont inspiré des films et des chansons. Sa vie et son travail sont devenus des symboles de la lutte pour la reconnaissance et le respect menée par les artistes de couleur, et il a été cité dans des chansons de Kanye West et Jay-Z, pour n'en nommer que quelques-uns.

Les leçons et les messages tirés de la vie et de l'œuvre de Basquiat sont nombreux. Son histoire est un rappel du pouvoir de l'art à transcender les barrières et à donner une voix aux récits marginalisés. Elle témoigne de la lutte que mènent les artistes de couleur pour obtenir reconnaissance et respect. Et, peut-être le plus important, elle est un appel à continuer de défier, de questionner et de perturber, tout comme Basquiat l'a fait à travers son art.

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