Cette estampe vaut-elle encore le coup ?
L'œuvre « Jack & Jill » de Banksy, 2005 © MyArtBroker
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Dans le marché actuel des estampes, l'importance de l'état de conservation est souvent soulignée – un aspect essentiel bien que fréquemment négligé par les collectionneurs. Avec tant d'attention portée à la trajectoire du marché et à l'investissement, une question fondamentale demeure : que se passe-t-il après avoir acquis une estampe ?
Lors d'un achat, des facteurs tels que les taches, le jaunissement ou la rousseur doivent-ils être rédhibitoires, ou peuvent-ils être négligés si le prix est attractif ? L'impact de l'état des œuvres sur leur valeur sur le marché reste l'un des sujets les plus largement sous-estimés dans le monde de l'art aujourd'hui.
Lors d'une table ronde en direct, des experts en encadrement et en conservation ont examiné comment l'état des estampes influence leur valeur marchande, partageant des cas concrets qui révèlent quand un dommage peut être restauré, et quand il est préférable de renoncer complètement à un achat.
La mince frontière entre la collection et l'altération
L'état est un facteur essentiel dans la collection d'estampes, mais distinguer l'usure acceptable des dommages qui diminuent la valeur peut être subtil. Si des problèmes tels que le jaunissement, la décoloration ou les plis dans les marges peuvent souvent être traités, les conservateurs soulignent que la restauration ne peut pas rendre une estampe à son état d'origine, intact. Alors que l'intérêt pour les estampes ne cesse de croître, les experts insistent de plus en plus sur la nécessité d'avoir des attentes réalistes – en particulier pour les œuvres désormais classées comme « modernes » mais qui ont vieilli naturellement au fil des décennies.
« Quelque chose datant des années 1970 a plus de 50 ans aujourd'hui », explique Mhairi Boyle, d'Artworks Conservation. « Nous devons rappeler aux collectionneurs que le papier est fragile – il est souple, il bouge et il est incroyablement vulnérable aux dommages. » De plus, certaines imperfections peuvent enrichir la provenance d'une estampe, offrant un contexte historique plus profond que les collectionneurs peuvent juger précieux plutôt que nuisible.
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Un autre exemple nous vient de la série Anatomy de Jean-Michel Basquiat, une collection de sérigraphies noires de petit format sur papier Arches, un matériau réputé pour sa durabilité. Étant donné le faible nombre d'estampes signées de Basquiat, ses œuvres restent très rares, ce qui rend l'état encore plus préoccupant pour les collectionneurs. Greg Conn de The Urban Framer se souvient avoir manipulé l'une de ces estampes et y avoir découvert quelque chose d'inhabituel : des empreintes digitales recouvrant le centre de l'image. Compte tenu du soin méticuleux requis lors de la manipulation d'estampes d'art du bord, cela a soulevé une question intrigante : ces empreintes pouvaient-elles dater du propre atelier de Basquiat en 1982, ou avaient-elles été laissées par un propriétaire précédent ? Bien que de telles marques ne diminuent pas nécessairement la valeur marchande d'une estampe, elles introduisent une couche historique que les collectionneurs doivent mettre en balance avec un état irréprochable.
Problèmes d'état courants et leur impact sur la valeur
Si certaines marques peuvent ajouter à la provenance et enrichir l'histoire d'une œuvre, certains problèmes d'état peuvent faire ou défaire une vente lorsqu'une estampe est présentée aux enchères. Lors des ventes publiques, il faut souvent un œil averti pour discerner l'équilibre entre le vieillissement naturel et la possibilité de restauration. Comprendre ce qui peut être conservé par opposition à ce qui constitue un dommage irréversible est fondamental, et il existe des signes spécifiques que les collectionneurs peuvent rechercher lors de l'évaluation d'une estampe avant l'achat.
Pliures et déchirures : une préoccupation pour les collectionneurs ou un processus de vieillissement naturel ?
Les plis et les déchirures comptent parmi les défauts les plus examinés dans la collection d'estampes, car même la plus petite imperfection a un impact significatif sur la valeur marchande d'une œuvre. Mhairi souligne cette réalité en déclarant : « Même un petit pli peut faire chuter la valeur de quelque chose de 10 000 £. Bien sûr, les collectionneurs veulent tout en parfait état, surtout s'ils envisagent de revendre. »
Elle se souvient cependant avoir travaillé sur une estampe d'Andy Warhol pour un client, sur laquelle des plis avaient été atténués et des remplissages appliqués aux coins. Bien que le traitement ait considérablement amélioré l'état de l'estampe, l'objectif n'était pas de la ramener à un état neuf, mais de stabiliser et de préserver son intégrité.
Helena Poole, spécialiste de l'art moderne et contemporain chez MyArtBroker, confirme ce point de vue, en particulier concernant les œuvres de Warhol. Elle explique que de subtiles imperfections peuvent faire partie intégrante de la provenance et de l'histoire d'une estampe. « Nous devons toujours rappeler aux gens que nous traitons des œuvres d'art », déclare-t-elle. « Ce qui leur confère de la valeur, c'est le génie créatif derrière leur exécution : elles ont naturellement une vie en atelier, puis une vie au-delà. »
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Moisissures et taches
La préservation de l'intégrité d'une estampe est également la priorité lors des traitements comme l'élimination des taches ponctuelles et l'éclaircissement. L'objectif est d'améliorer sa longévité sans sur-restaurer ni altérer son caractère original. Mhairi explique ceci est crucial lors de la manipulation d'estampes datant de plusieurs décennies, particulièrement en ce qui concerne les problèmes tels que les moisissures (foxing) et les taches.
Helena et Mhairi s'accordent toutes deux sur le fait qu'aborder des problèmes comme les mouchetures précocement est essentiel pour préserver la longévité d'une estampe. Mhairi se souvient avoir travaillé sur une lithographie de David Hockney qui avait subi des traitements obsolètes d'élimination des taches, lesquels avaient involontairement provoqué une décoloration supplémentaire. Cependant, grâce à des techniques de conservation modernes, elle a réussi à inverser totalement les dommages. « J'ai réussi à éliminer complètement les taches en utilisant des méthodes actualisées, ce qui est rare – d'habitude, nous ne pouvons que réduire les taches, pas les faire disparaître. C'était un résultat assez exceptionnel. »
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En fin de compte, les problèmes de conditionnement exigent un équilibre délicat. L'essentiel pour les collectionneurs est de savoir quels défauts accepter et lesquels nécessitent une intervention professionnelle.
Le coût d'un encadrement inapproprié : esthétique contre préservation
L'encadrement, dans l'univers de la collection d'estampes, peut avoir une fonction à la fois esthétique et protectrice. La question est de savoir si les collectionneurs y pensent activement au moment de l'achat. Helena fait cependant remarquer que de nombreux acheteurs ont déjà une idée très précise de la manière et du lieu où ils comptent exposer une œuvre. « La plupart des collectionneurs savent déjà ce qu'ils veulent et où ils prévoient d'accrocher l'œuvre », explique-t-elle. Au-delà de l'esthétique, l'encadrement joue pourtant un rôle essentiel dans la protection des estampes contre les dangers environnementaux tels que l'exposition à la lumière, l'humidité et les polluants atmosphériques – tous susceptibles d'affecter considérablement la longévité d'une estampe si ces éléments ne sont pas gérés correctement.
Délavage et dommages causés par les UV
On ne saurait trop insister sur l'importance de l'encadrement pour protéger les estampes du délavage et des dommages causés par les rayons ultraviolets. Le papier est intrinsèquement fragile, et sans un encadrement adéquat, la détérioration peut être considérablement accélérée – particulièrement pour les œuvres aux couleurs riches. Les estampes d'artistes réputés pour leurs palettes audacieuses et leurs superpositions complexes en sérigraphie sont particulièrement vulnérables à l'exposition aux UV.
Greg souligne que l'art urbain (Street Art) est un exemple frappant d'ironie dans son évolution : passé d'une forme d'expression brute et extérieure à un médium très prisé en collection. « Les œuvres peintes à la bombe étaient initialement destinées à exister à l'extérieur, exposées aux éléments. Maintenant que les matériaux sont passés au format estampe, les collectionneurs s'attendent à ce qu'elles soient en parfait état », explique-t-il. Cependant, il est important de noter que les techniques de peinture au spray, qui laissent souvent des traces naturelles de texture, et les pigments – qu'ils soient à base d'acrylique, fluorescents ou néon – ne sont pas intrinsèquement stables aux UV, ce qui fait de leur conservation un défi majeur.
Mhairi souligne également les défis que pose la préservation des matériaux modernes, affirmant : « Les encres métalliques et néon sont également difficiles à reproduire, nous testons donc chaque couleur avec soin. » Ces matériaux nécessitent des techniques de conservation spécialisées, car l'exposition aux UV peut entraîner une décoloration irréversible, les pigments – en particulier ceux utilisés à des époques plus récentes – se dégradant naturellement avec le temps. Cette problématique prend de plus en plus d'ampleur chez les professionnels de la conservation, de nombreux collectionneurs croyant à tort que le verre anti-UV seul suffit à prévenir la détérioration.
Techniques d’encadrement
Avec l’art urbain, de nombreux artistes de rue n’avaient jamais prévu la trajectoire fulgurante que prendraient leurs estampes. Le passage d’œuvres éphémères à des objets de collection de grande valeur est d’autant plus inattendu. Greg explique que les premières estampes de Banksy, par exemple, étaient souvent enfermées dans de simples cadres à pince, offrant peu ou pas de protection. Cependant, à mesure que les collectionneurs se sont familiarisés avec les techniques d’encadrement d’archives, les estampes plus récentes – surtout celles à bords dentelés – sont désormais mieux conservées. Ce changement témoigne d’une prise de conscience croissante des méthodes de conservation. « Les gens comprennent enfin la valeur d’un encadrement d’archives et réalisent que dépenser 20 livres sterling pour un cadre basique dans un magasin de quartier ne suffit pas lorsqu’il s’agit de préserver une estampe de valeur ».
Parmi ces méthodes de conservation, le montage flottant est devenu la norme dans le secteur. Cette technique de conservation empêche toute pression sur les bords tout en permettant à l’œuvre d’« respirer », ce qui réduit le risque de déformation ou de décoloration avec le temps. « 95 % des œuvres que nous encadrons sont montées en flottant, en utilisant des matériaux sans acide ni lignine et en fixant les estampes avec des charnières en cellulose de méthyle ou en pâte de blé japonais. Cela garantit que l’œuvre reste protégée tout en préservant son intégrité », explique Conn. Les collectionneurs reconnaissant de plus en plus l'encadrement comme un investissement essentiel, ces techniques de conservation façonnent désormais la manière dont les estampes de grande valeur sont préservées pour les générations futures.
Les vérifications de qualité que la plupart des vendeurs oublient
Pourquoi l'état « neuf » n'est pas toujours synonyme d'aptitude au marché
Il est facile de penser qu'une estampe bien encadrée, présentée dans un passe-partout de qualité galerie, constitue un achat sûr. Pourtant, de nombreuses œuvres dites « neuves » (mint) cachent des défauts qui n'apparaîtront qu'au moment de la revente ou lors des vérifications par un conservateur. Des surfaces trop nettoyées aux saignements d'adhésif en passant par les ombres révélatrices laissées par le ruban adhésif, les signaux d'alerte les plus importants sont souvent dissimulés derrière le panneau de fond ou scellés sous verre.
Les vendeurs peuvent sous-estimer l'impact à long terme des encadrements faits maison ou des œuvres mal conservées, même les estampes qui n'ont jamais quitté leur emballage d'origine. Les problèmes cachés, tels que la brûlure acide du panneau arrière, les marques de pression dues à un montage trop serré, ou les ondulations causées par l'humidité suite à un stockage sous les combles, peuvent dévaloriser une estampe bien plus qu'un simple pli de surface.
Un acheteur avisé demandera : Cette œuvre a-t-elle été restaurée ? Ce blanchiment provient-il d'un excès d'éclaircissement ? Le feuillet a-t-il été rogné ? Les vendeurs doivent être tout aussi préparés, munis de dossiers photographiques, des spécifications de l'encadrement et d'un rapport de conservation. Sur le marché actuel, une provenance irréprochable et la transparence sont tout aussi cruciales que l'état lui-même pour préserver le potentiel de revente.
Œuvres de grand format et les défis de l'encadrement
Victoria Haddock, conservatrice d'archives chez Plowden & Smith, souligne les complexités liées à l'encadrement des œuvres de grand format, qui exigent souvent un positionnement stratégique des charnières et des cartons de montage renforcés pour équilibrer le poids de la pièce. « L'encadrement nécessite une planification minutieuse, surtout avec les œuvres surdimensionnées. Les charnières doivent être placées discrètement sous un passe-partout tout en garantissant un alignement parfait sur toute la surface de l'œuvre. C'est particulièrement délicat lorsqu'on travaille avec du verre de grande taille, car le poids et la structure du cadre doivent être capables de soutenir l'œuvre sans provoquer de déformation. »
Pendant ce temps, Helena aborde le point de vue du collectionneur, soulignant que de nombreux nouveaux acheteurs préfèrent reframer les œuvres pour qu'elles correspondent à leur intérieur. « À moins que le cadre ne fasse partie de la provenance de l'œuvre — comme un cadre d'artiste — les collectionneurs souhaitent souvent avoir la liberté de le modifier. Bien que des matériaux de haute qualité doivent toujours être encouragés, il est compréhensible que les gens veuillent personnaliser la manière dont ils présentent leurs œuvres. » Cependant, elle insiste sur le fait que les considérations logistiques doivent être prises en compte, car tous les collectionneurs ne réalisent pas pleinement les complexités liées à l'encadrement d'archives.
La Règle d'Or : Un Bon Encadrement est un Investissement
L'une des erreurs les plus fréquentes des collectionneurs est de sous-estimer l'importance de l'encadrement. Comme le rappelle Greg, « Les gens hésitent souvent à dépenser 4 500 £ pour encadrer une estampe achetée 1 000 £, mais si l'on considère la plus-value de ces œuvres au fil du temps, il est clair pourquoi un encadrement approprié est essentiel. » Il souligne en outre que de nombreux collectionneurs regrettent aujourd'hui d'avoir lésiné sur l'encadrement, en particulier ceux qui avaient acheté des estampes de Banksy pour 35 £, pour constater plus tard qu'un mauvais stockage ou des matériaux de mauvaise qualité avaient causé des dommages importants.
Fondamentalement, l'encadrement relève autant de la conservation que de la présentation. Qu'un collectionneur cherche à protéger un investissement, à rehausser l'attrait esthétique d'une œuvre ou à assurer sa pérennité pour les générations futures, un encadrement de haute qualité, de qualité conservation, est une considération essentielle — et qu'il ne faut pas négliger.
Peut-on le restaurer ? Comprendre ce qui est réparable et ce qui est permanent
L'encadrement et la conservation soulèvent souvent des questions sur ce qui doit être réparé, préservé ou laissé intact, surtout lorsque certaines marques font partie de l'histoire d'une œuvre. Le défi consiste à déterminer quand une intervention est nécessaire, car chaque cas dépend de l'artiste, des matériaux utilisés et de l'impact général sur l'intégrité de la pièce. Comprendre ces nuances est essentiel pour prendre des décisions éclairées en matière de conservation.
Helena explique, par exemple, que les artistes expérimentent avec une vaste gamme de matériaux depuis des décennies, choisissant parfois des supports éphémères ou instables. « Prenons, par exemple, les œuvres réalisées à la machine à fax par David Hockney dans les années 1980, ou ses premières pièces photographiques qui se sont considérablement décolorées avec le temps. Si certains de ces choix matériels étaient expérimentaux, d’autres reflétaient simplement la technologie disponible. » Modifier significativement ces estampes en utilisant des méthodes modernes ne ferait pas que compromettre l'intention artistique : cela brouillerait également l'authenticité de leur date de création originale.
Dans un autre cas où une conservation minutieuse était réalisable, Mhairi décrit le traitement d'estampes de Tracey Emin sur papier Japon, un support délicat où un papier chinois fin est collé à un support occidental plus épais. Avec le temps, un mauvais stockage ou l'humidité avait affaibli la colle, provoquant une séparation sur les bords. Le processus de conservation a impliqué de détacher et de rattacher soigneusement les couches – une technique très complexe qui exigeait une précision exceptionnelle. »
Considérations éthiques en matière de conservation
Au-delà des défis techniques de la conservation, les considérations éthiques jouent un rôle essentiel pour déterminer comment – et si – une estampe doit être restaurée. Dans certains cas, les dommages physiques proviennent de l'environnement de l'atelier de l'artiste lui-même, ce qui soulève des questions sur l'ampleur d'intervention appropriée. Helena souligne ce point de vue, déclarant : « Nous aimons ces œuvres parce qu'elles ont eu une vie. Elles ont été créées dans l'atelier, ont vécu avec leurs propriétaires, et elles passent maintenant au prochain collectionneur. L'objectif n'est pas toujours d'effacer le passé, mais de s'assurer que l'œuvre reste intacte pour l'avenir. »
Le défi, comme l'explique Victoria, est de naviguer sur la ligne ténue entre la conservation et l'intention artistique. « Parfois, les choix de l'artiste lui-même sont ce qui cause les dommages. Vous pouvez voir une estampe dans son cadre d'origine et supposer qu'il a été choisi délibérément — mais si ce cadre nuit en réalité à l'œuvre ? Comment le modifier pour la protéger tout en respectant la vision de l'artiste ? » Ces dilemmes exigent une réflexion approfondie, garantissant que les efforts de conservation préservent l'intégrité de l'œuvre sans lui ôter sa signification historique ou créative.
L'art urbain présente un autre défi unique. Greg se souvient d'une œuvre originale de Banksy sur laquelle il a travaillé, qui a été récupérée d'une benne à ordures — initialement vendue pour quelques milliers de livres, mais aujourd'hui estimée à plusieurs millions. Il nous invite à réfléchir : « Compte tenu des origines de l'œuvre, certains collectionneurs pourraient souhaiter qu'elle soit restaurée, mais le devrait-on ? Le fait qu'elle provienne d'une benne fait partie de son histoire. »
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Restauration ou signal d'alarme ? Poids de la décision de réparer des estampes
Les collectionneurs sont souvent confrontés à la décision d'investir dans la conservation, en pesant des facteurs tels que la valeur de revente et le budget. Si une préservation minutieuse peut prolonger la durée de vie d'une estampe, une restauration excessive peut parfois se révéler contre-productive. Dans certains cas, comme le souligne Helena, les œuvres trop restaurées peuvent susciter des interrogations sur le marché. « Si une estampe paraît trop immaculée, cela peut parfois soulever des inquiétudes chez les professionnels qui évaluent sa légitimité et son historique. » Quelle que soit la situation, solliciter l'avis d'experts et appliquer des techniques de conservation adéquates restent essentiels pour préserver la valeur d'une estampe.
Lorsqu'il s'agit d'envisager une restauration, les collectionneurs peuvent prendre des mesures proactives. Mhairi souligne l'importance d'inspecter l'état d'une estampe, notamment en ouvrant un cadre – qu'elle ait été achetée aux enchères ou par l'intermédiaire d'une galerie – afin de vérifier l'existence de problèmes cachés tels que des taches, un brunissement ou la présence de parasites. De plus, il est essentiel de demander et de bien comprendre le rapport d'état avant l'achat. Victoria met en lumière une sensibilité accrue chez les acheteurs, notant : « Les collectionneurs sont de mieux en mieux informés ; beaucoup demandent désormais un rapport d'état avant de placer une enchère. »
Victoria évoque également l'incertitude entourant les matériaux plus récents qui pourraient nécessiter des restaurations, en particulier les estampes numériques, et la manière dont ils vieilliront avec le temps. « Pour les œuvres numériques de Hockney, par exemple, nous ne savons toujours pas totalement comment la qualité du papier va se conserver ; c’est quelque chose que les restaurateurs devront surveiller. » Bien que la restauration puisse prolonger la durée de vie d'une estampe, une intervention excessive peut nuire à son authenticité et à sa perception sur le marché.
Les artistes ont longtemps expérimenté différents matériaux, que ce soit pour l'expression artistique ou l'accessibilité, et cette pratique se poursuivra sans aucun doute. Cependant, aucun artiste ne peut prédire la trajectoire à long terme de son marché. De nombreuses estampes autrefois considérées comme peu coûteuses atteignent désormais des valeurs à six chiffres, ce qui souligne l'importance de la conservation. Pour les collectionneurs, adopter une approche proactive est essentiel : poser les bonnes questions, investir dans un encadrement approprié et garantir des conditions de stockage optimales. Comme le dit si bien Greg : « Si vous l'aimez, protégez-le. » À mesure que les matériaux évoluent, le défi demeure de trouver un équilibre entre l'intention artistique et les meilleures pratiques de conservation, afin de préserver à la fois la longévité et la valeur marchande des estampes.