Frieze London & Frieze Masters 2025 : Ventes, tendances et aperçus du marché

En vérité, c'est un peu des deux. Cette semaine, Frieze est le marché : un baromètre, un lieu de rencontre, et une tendance en soi. Que vous soyez galeriste, collectionneur, conseiller, conservateur ou que vous gravitiez dans les environs, une force d'attraction entraîne tout le monde vers cet événement. Tout le monde veut en faire partie, et chaque marchand a sa propre stratégie. Certains présentent leurs œuvres sous le chapiteau, d'autres choisissent de ne pas y participer – mais tous contribuent à l'ambiance.

Saatchi Yates, par exemple, n'a pas de stand depuis 2023, mais leur récente exposition Marina Abramović – organisée juste avant la foire – a fait la couverture de l'édition Frieze de The Evening Standard. La présence prend une autre forme aujourd'hui, tout comme le marché de l'art en général, et elle n'exige pas toujours un stand.

Frieze demeure le moment où le monde de l'art londonien semble concentré, exposé, et légèrement tendu – non pas en marge du marché, mais entièrement en son sein.

Réalisme issu des classes laborieuses et retour aux récits matériels

Durant Frieze London 2025, les stands présentaient des artistes qui mettaient au premier plan le travail, la forme et la texture comme vecteurs de sens – signalant un changement de ton dans de nombreuses présentations.

Dans la section Focus, la présentation solo d'Alex Margo Arden par Ginny on Frederick, intitulée Accounts, 2025, était remarquable. Utilisant des mannequins de musée récupérés et une corde de tir à la corde, Arden mettait en scène une vision surréaliste et sombrement comique de la fatigue bureaucratique qui incarnait une sorte de réalisme issu des classes laborieuses – théâtral mais profondément humain. L'œuvre captait une humeur plus large qui a traversé la foire : de l'art qui embrasse l'endurance, l'humour et la matérialité de la vie quotidienne.

Chez Firth Street Gallery, les riches collages en velours de Małgorzata Mirga-Tas issus de sa série Siukar Manusia prolongeaient cette conversation. Représentant les Roms de première génération résidant dans le quartier de Nowa Huta à Cracovie, ces œuvres déconstruisaient les stéréotypes anti-Rom par des images vibrantes et affirmatives. Leurs surfaces cousues à la main, issues de traditions domestiques, illustraient une focalisation matérielle plus large dans la pratique contemporaine, où le tissu et la texture portent une charge à la fois esthétique et politique.

Do Ho Suh et l'essor des éditions sur le marché de l'art contemporain

L'intersection entre le tactile et le collectionnable était d'autant plus évidente chez Lehmann Maupin, où le stand de Do Ho Suh est devenu l'un des plus visités de la foire. Dans une présentation solo de ses œuvres nouvelles et récentes, les collectionneurs ont découvert des sculptures en polyester translucide, éditées, issues de trois nouvelles séries dans la pratique de l'artiste. Répliques en tissu minutieuses d'objets domestiques – poignées de porte, une chaudière, même une salle de bain entière – elles exploraient la mémoire et l'identité dans les espaces partagés, se référant peut-être subtilement à la Pop Art par leur traduction du quotidien en forme et en couleur.

« Cette semaine a été une célébration de nos artistes basés à Londres », a déclaré la partenaire Isabella Icoz, évoquant l'élan suscité par l'exposition personnelle de Suh à la Tate Modern, Walk the House. Plus de 15 œuvres ont été vendues le jour VIP, avec des prix commençant autour de 50 000 £.

L'attrait des éditions de Suh ne réside pas seulement dans leur fabrication méticuleuse, mais dans la manière dont elles repoussent les limites du collectionnable. Dans un marché qui privilégie de plus en plus le caractère tactile, la connexion émotionnelle et l'accessibilité, les œuvres éditées comme celles de Suh offrent ces trois éléments – combinant force conceptuelle avec un format qui invite à une participation plus large. C'est un modèle qui continue de gagner du terrain sur le marché de l'art contemporain, artistes et collectionneurs reconnaissant la valeur créative et commerciale du travail en série.

Ailleurs, chez Thaddaeus Ropac et Sprüth Magers, les œuvres de Gilbert & George étaient tarifées entre 50 000 £ et 250 000 £, coïncidant avec leur exposition personnelle à la Hayward Gallery. Comme l'ont noté Monika Sprüth et Philomene Magers, « Londres s'est de nouveau affirmée comme un centre majeur pour le marché de l'art » – une observation pertinente dans une année définie par des liens institutionnels solides et un réajustement des priorités à travers la foire.

Pace et Gagosian mènent avec une vision immersive

Vers l'arrière de la tente, où résident désormais les méga-galeries, la présentation solo de William Monk par Pace Gallery a offert l'une des expériences les plus contemplatives de Frieze London 2025. Ses toiles monumentales, irradiantes d'un rythme cosmique et d'une couleur atmosphérique, trouvaient un équilibre entre abstraction et gravité émotionnelle. Ces œuvres étaient spectaculaires – un rappel que la peinture axée sur le processus commande toujours l'attention lorsqu'elle fusionne ambition et intimité. Pourtant, vers la fin de la semaine, des rumeurs suggéraient que plusieurs pièces restaient disponibles – un signal éloquent d'un marché délibéré plutôt qu'impulsif, même lorsque l'intérêt est vif.

Le stand dédié de Gagosian pour Lauren Halsey a orienté cette ambition dans une direction différente. Des reliefs sculptés en bois à grande échelle, une sculpture au néon centrale et des intérieurs tapissés ont transformé le stand en un environnement autonome – une sorte de manifeste bâti. Toujours innovante et souvent vendue avant même l'ouverture de la foire, la présentation de Gagosian mélangeait matériaux, échelles et médiums en phase avec les tendances dominantes de cette année. L'installation d'Halsey – architecturale, afrofuturiste et matériellement hybride – a capturé le ton déterminant de la semaine : immersif, humain et visuellement imposant.

Le changement sans doute le plus notable cette année concernait ce qui n'était pas exposé. Lors de Frieze 2023, alors que le marché commençait à se tasser, de nombreuses galeries avaient misé sur des artistes artistes blue chip avec une valeur de revente prouvée – Warhol, Lichtenstein et Hirst entre autres. Cette année, ces piliers étaient largement absents. Plutôt que de jouer la sécurité avec des noms testés par le marché, les galeries se sont tournées vers le processus, le récit et la matérialité.

Cela ressemblait à une recalibration : la profondeur plutôt que le nom, la matière plutôt que le mythe.