10 faits sur les Fleurs de Warhol

Depuis des siècles, les peintres, graveurs, sculpteurs et dessinateurs ont orienté leur regard vers la beauté et les merveilles du monde naturel. Des études délicates de fleurs dans les tableaux de la Renaissance aux dessins botaniques du XIXe siècle, existe une riche tradition où l'art imite la nature.

Si Warhol a pu s'inspirer des maîtres qui l'ont précédé, il s'écarte aussi avec élégance de cette lignée en montrant ses fleurs encore vivantes, sur fond de prairie, plutôt que cueillies et arrangées avec soin comme dans les natures mortes de l'histoire de l'art.

L'image originale pour les Flowers de Warhol était une photographie couleur de sept hibiscus prise par Patricia Caulfield pour le magazine Modern Photography. Cependant, l'image de Warhol n'en est pas un dérivé exact. Outre la conversion de l'image en noir et blanc pour y ajouter ses propres couches de couleur grâce à la technique de la sérigraphie, il a également recadré l'image pour éliminer les fleurs incomplètes et a fait pivoter la fleur dans le coin supérieur afin d'inscrire l'image dans un format carré. Un changement subtil, mais efficace, dans la composition qui a fait de cette œuvre l'image iconique qu'elle est aujourd'hui.

Les modifications qu'Andy Warhol a apportées à la photographie originale de Caulfield n'ont manifestement pas suffi à éviter une violation du droit d'auteur. En 1966, Caulfield a remporté son procès contre Warhol et a obtenu 6 000 $ US de dommages et intérêts.

Après avoir copié si longtemps les logos et les emballages de produits ménagers, ainsi que des images de presse de célébrités, il est peut-être surprenant que ce soit une photographie de fleurs relativement méconnue qui soit à l'origine de la première infraction de plagiat de Warhol. Fait intéressant, ce sont ces démêlés avec la justice qui ont poussé Warhol à travailler lui-même la photographie, produisant des portraits Polaroid et des Still Lifes qui deviendraient la source de ses sérigraphies dans les années à venir.

Il a donné au gazon un vert électrique éclatant et aux fleurs des nuances vives de rose, de jaune, d'orange et de bleu, le tout rendu dans la platitude caractéristique de sa technique de sérigraphie.

Ce faisant, Warhol réduit les fleurs à leurs éléments les plus essentiels, effaçant tout le détail et la profondeur de l'image originale afin de créer quelque chose qui ressemble davantage aux images percutantes des dessins animés et de la publicité – sans oublier les motifs de la mode des années 1960 – que l'artiste référençait constamment dans toute son œuvre.

Ce processus de réduction et d'abstraction a fait que les espèces de fleurs étaient rarement identifiées comme des hibiscus au départ, et de nombreux journaux commentant la première exposition les ont confondues avec des anémones, des capucines ou des pensées.

Commentant le succès de la composition, l'historienne de l'art Nina Zimmer a écrit : « Warhol a tellement réduit et radicalisé ses Flowers que le sujet banal s'est transformé en un puissant concept pictural. Le format déstructuré y a contribué : les images peuvent être lues dans tous les sens ; comme une Abstract Painting, le haut et le bas, la gauche et la droite, ont été abolis. » Warhol se réjouissait apparemment de cet effet et demandait que les œuvres soient installées dans un mélange aléatoire, « quel que soit le sens ».

La série la plus marquante d'Andy Warhol avant Flowers s'intitulait Death and Disaster. Elle comprenait des œuvres percutantes telles que Electric Chair et Silver Car Crash, qui puisaient leur inspiration dans des images poignantes issues de journaux et de magazines. Il n'est guère surprenant que ces pièces n'aient pas trouvé preneur auprès des collectionneurs. L'artiste fut alors convaincu d'aborder des sujets plus joyeux, comme les fleurs — un choix judicieux qui s'avéra payant, puisque la première exposition de la série Flowers à la Leo Castelli Gallery s'est vendue intégralement immédiatement.

Alors que les fleurs expriment habituellement la beauté et la sérénité dans un tableau, ces fleurs peuvent prendre une forme et une tonalité étrangement sombres et mélancoliques. Dans certaines versions de l'œuvre, les pétales sont tachés de rouge et ressemblent à des mares de sang. Étant donné que Warhol a commencé sa série Flowers vers 1964, soit l'année suivant l'assassinat de JFK, certains ont émis l'hypothèse que le sous-texte inquiétant de la série pourrait être lié au meurtre du président. Ce n'est certainement pas une interprétation improbable, sachant que Warhol a exploré les figures publiques de John et Jackie Kennedy, et n'a jamais hésité à aborder des morts tristement célèbres de personnalités, comme il l'a fait dans ses portraits de Marilyn.

Dans d'autres versions, les couleurs plus claires ne font que souligner la fragilité et le caractère éphémère de la vie, représentés par un bref instant d'éclosion. De cette manière, les Flowers de Warhol, tout en paraissant plus traditionnelles et esthétiquement plaisantes à première vue que son style habituel, cachent un message plus sombre que l'on retrouve également dans une œuvre antérieure de Warhol, la série Death and Disaster.

Aujourd'hui, Flowers demeure l'une des séries les plus populaires de Warhol, largement exposée et reproduite à l'infini dans les campagnes publicitaires, les séances de mode et la culture populaire. La juxtaposition du sujet naturel et du procédé mécanique de sa reproduction confère à l'œuvre une tension ludique qui incite le spectateur à revenir. Leur popularité sur le marché de l'art est également incontestable : des portfolios d'estampes se vendent pour des dizaines de milliers de dollars, tandis que les peintures originales de la série Flowers ont atteint des prix dépassant le million de dollars US.

Warhol a commencé à créer des toiles et des estampes de la série Flowers dans des formats carrés de 48 et 24 pouces. Il est rapidement passé à des versions plus petites – de 15 à 8, voire 5 pouces carrés – plus accessibles aux collectionneurs moins établis. Et bien que ce sujet ait été reproduit des centaines de fois dans la Factory de Warhol, chaque œuvre conserve l'attrait de l'image originale.

En plus de sa série sur les hibiscus, Warhol a également réalisé des œuvres représentant des marguerites et une variété de fleurs japonaises, notamment des chrysanthèmes, ou kiku.

Si, à la fin des années 1960 et au début des années 1970, Warhol s'est recentré sur le portrait et le commercialisme, il est rapidement revenu aux fleurs avec une série datant de 1982 intitulée Daisy. Ici, la tête de la fleur est séparée de sa tige et placée sur un fond de couleur unie. La couleur des pétales permet également de créer de l'ombre et de la profondeur, et des lignes dessinées à la main ont été ajoutées à la fleur dans le style de séries telles que Love et Reigning Queens.

L'année suivante, Fujio Watanuki, un partisan de longue date de l'avant-garde japonaise et fondateur du Gendai Hanga Center à Tokyo, a invité Warhol à créer un nouveau corpus d'œuvres inspirées par les fleurs japonaises. Il en résulte Kiku, une série magnifique centrée sur la fleur de chrysanthème, ou Kiku en japonais.