10 faits sur les Fleurs de Warhol

Depuis des siècles, peintres, graveurs, sculpteurs et dessinateurs se sont tournés vers la beauté et les merveilles du monde naturel. Des études délicates de fleurs dans les peintures de la Renaissance aux dessins botaniques du XIXe siècle, il existe une riche tradition de l'art imitant la nature.

Bien que Warhol ait peut-être été inspiré par les maîtres qui l'ont précédé, il s'écarte aussi élégamment de cette lignée en montrant ses fleurs encore vivantes, sur fond de prairie, plutôt que cueillies et artistiquement arrangées comme dans les natures mortes de l'histoire de l'art.

L'image originale de Flowers de Warhol était une photo couleur de sept fleurs d'hibiscus prise par Patricia Caulfield pour le magazine Modern Photography. Cependant, l'image de Warhol n'est pas un dérivé exact. En plus de convertir l'image en noir et blanc afin d'y ajouter ses propres couches de couleur à l'aide de la technique de la sérigraphie, il a également recadré l'image pour éliminer les fleurs incomplètes et a fait pivoter la fleur dans le coin supérieur afin de l'inscrire dans un carré. Un changement subtil, mais efficace, dans la composition qui en a fait l'image emblématique qu'elle est aujourd'hui.

Les modifications apportées par Warhol à la photographie originale de Caulfield n'étaient manifestement pas suffisantes pour éviter une violation du droit d'auteur, et en 1966, Caulfield remporta son procès contre Warhol et obtint 6 000 dollars US de dommages et intérêts.

Après avoir copié si longtemps les logos et les emballages de produits de consommation courante, ainsi que des photos de presse de célébrités, il est peut-être surprenant que ce soit une photographie de fleurs relativement inconnue qui soit à l'origine de la première infraction de plagiat de Warhol. Fait intéressant, c'est cette confrontation avec la loi qui a poussé Warhol à travailler lui-même la photographie, produisant des portraits Polaroid et des Still Lifes qui allaient devenir la source de ses sérigraphies dans les années à venir.

Il a transformé l’herbe en un vert électrique éclatant et les fleurs en nuances vives de rose, de jaune, d’orange et de bleu, le tout rendu dans la platitude caractéristique de sa technique de sérigraphie.

Ce faisant, Warhol réduit les fleurs à leurs éléments les plus essentiels, effaçant tout le détail et la profondeur de l’image originale afin de créer quelque chose de plus proche des images puissantes des dessins animés et de la publicité – sans parler des motifs de la mode des années 1960 – auxquels l’artiste faisait constamment référence tout au long de son œuvre.

Ce processus de réduction et d’abstraction a fait que les espèces de fleurs étaient rarement reconnues comme des hibiscus au départ, et de nombreux journaux commentant la première exposition les ont identifiées à tort comme des anémones, des capucines ou des pensées.

Commentant le succès de la composition, l’historienne de l’art Nina Zimmer a écrit : « Warhol a tellement réduit et radicalisé ses Flowers que le sujet banal s’était désormais transformé en un concept pictural puissant. Le format sans direction y a contribué : les images peuvent être lues dans tous les sens ; comme une Abstract Painting, le haut et le bas, la gauche et la droite, ont été révoqués. » Warhol s’est apparemment réjoui de cet effet et a demandé que les œuvres soient installées dans un mélange aléatoire, « dans tous les sens possibles ».

La série la plus notable de Warhol avant Flowers s'intitulait Death and Disaster et comprenait des œuvres marquantes telles que Electric Chair et Silver Car Crash, inspirées par des images poignantes de journaux et de magazines. Sans surprise, ces œuvres ne trouvèrent pas preneurs auprès des collectionneurs. L'artiste fut persuadé de passer à des sujets plus joyeux, comme les fleurs – ce qui s'avéra être un excellent choix, la première exposition de la série Flowers à la Leo Castelli Gallery affichant complet immédiatement.

Alors que les fleurs évoquent habituellement la beauté et la sérénité dans une peinture, ces fleurs peuvent être étrangement sombres et mélancoliques dans leur forme et leur ton. Dans certaines versions de l'œuvre, les pétales sont tachés de rouge et ressemblent à des mares de sang. Étant donné que Warhol a commencé sa série Flowers vers 1964, l'année suivant l'assassinat de JFK, certains ont émis l'hypothèse que le sous-courant inquiétant de la série a un lien avec le meurtre du président. Ce n'est certainement pas une interprétation invraisemblable, étant donné que Warhol a exploré les personnalités publiques de John et Jackie Kennedy, et n'hésitait pas à aborder les décès très notoires de personnalités publiques, comme il l'a fait dans ses portraits de Marilyn.

Dans d'autres versions, les couleurs claires ne servent qu'à souligner la fragilité et la nature éphémère de la vie, représentées par un court moment de floraison. De cette façon, les fleurs de Warhol, tout en semblant plus traditionnelles et esthétiquement attrayantes que son style habituel en surface, recèlent un message plus sombre que l'on retrouve également dans l'œuvre précédente de Warhol, la série Death and Disaster.

Aujourd'hui, Flowers demeure l'une des séries les plus populaires de Warhol, largement exposée et sans cesse reproduite dans des campagnes publicitaires, des shootings mode et la culture populaire. La juxtaposition du sujet naturel et du procédé mécanique de reproduction confère à l'œuvre une tension ludique qui captive le spectateur. Sa popularité sur le marché de l'art est également indéniable : des portfolios d'estampes se vendent des dizaines de milliers de dollars, tandis que des peintures originales de la série Flowers ont atteint plus d'un million de dollars US.

Warhol a commencé à créer des toiles et des estampes de Flowers dans des formats carrés de 48 et 24 pouces. Il est rapidement passé à des versions plus petites – de 5 pouces de côté, puis 8, et même 15 pouces – plus accessibles aux collectionneurs moins fortunés. Et bien que ce sujet ait été reproduit des centaines de fois dans la Factory de Warhol, chaque œuvre conserve l'attrait de l'image originale.

Outre sa série sur l’hibiscus, Warhol a également créé des œuvres représentant des marges et une variété de fleurs japonaises, dont des chrysanthèmes, ou kiku.

Alors que la fin des années 1960 et le début des années 1970 voient Warhol revenir au portrait et au commercial, il revient rapidement aux fleurs avec une série de 1982 intitulée Daisy. Ici, la tête de la fleur est coupée de sa tige et placée sur un fond de couleur unie. La couleur des pétales permet également l'ombre et la profondeur, et des lignes dessinées à la main ont été ajoutées à la fleur dans le style de séries telles que Love et Reigning Queens.

L'année suivante, Fujio Watanuki, un fervent partisan de l'avant-garde japonaise et fondateur du Gendai Hanga Center à Tokyo, invite Warhol à créer un nouveau corps d'œuvres inspirées par les fleurs japonaises. Il en résulte Kiku, une série saisissante centrée sur la fleur de chrysanthème, ou Kiku en japonais.