La passion d'Andy Warhol pour le Far West

Les images sélectionnées pour « Cowboys And Indians » incluent des figures et des sujets emblématiques de l'Ouest américain qui, sous le regard de Warhol, deviennent des commentaires essentiels sur notre compréhension contemporaine de la mythologie de l'Ouest. Warhol fut influencé par les mythes de l'Ouest américain, qui lui furent transmis principalement par le cinéma et la télévision, tout comme à la majorité de ses jeunes pairs américains, ces enfants qui grandirent dans l'attente de découvrir les nouvelles aventures de Gene Autry ou de Roy Rogers sur le grand écran le samedi suivant. À certains égards, il ne s'est jamais départi de cette fascination, portant des santiags la plupart du temps. Bien qu'inspiré par les histoires et les légendes de l'Ouest et s'y étant probablement rendu quelques dizaines de fois, Warhol imaginait généralement les habitants et les lieux de l'Ouest depuis son atelier de New York. Ses séjours dans l'Ouest se résumaient souvent à assister à des vernissages et à mener ses activités professionnelles à Los Angeles et dans d'autres zones métropolitaines, notamment Dallas, Houston et Seattle.

La série « Cowboys and Indians » de Warhol, réalisée en 1986 et composée de 14 sérigraphies, comprend 10 estampes d'édition publiées dans le portfolio final, quatre épreuves d'essai supplémentaires ainsi que des peintures connexes représentant au moins trois sujets. Cet ensemble constitue une étape importante tant dans la carrière de l'artiste que dans l'histoire de l'art de l'Ouest américain. Comptant parmi les derniers projets majeurs achevés par l'artiste avant sa disparition, « Cowboys and Indians » a reçu peu d'attention de la part de la critique ou du public au moment de sa sortie et demeure l'un des aspects les moins étudiés de son œuvre.

Toutefois, en octobre 2024, la série « Cowboys and Indians » de Warhol a atteint des jalons notables lors de la vente aux enchères Editions & Works on Paper chez Phillips à New York. L'ensemble complet des dix sérigraphies a été adjugé 825 500 dollars, marquant le deuxième prix d'adjudication le plus élevé jamais enregistré pour ce portfolio et dépassant son estimation basse de 37 %. Il convient de souligner qu'une épreuve d'essai de Sitting Bull a atteint 190 500 dollars, soit plus de six fois son estimation basse, établissant un nouveau record d'adjudication pour cette estampe individuelle.

Tout au long de sa vie, Andy Warhol a été attiré par le mythe et l'attrait de l'Ouest américain. En 1963, au début de sa carrière d'artiste pop, Warhol s'approprie une photographie publicitaire d'un western montrant Elvis Presley brandissant un revolver pour l'intégrer à une peinture. Représentées à une échelle proche de la taille réelle, les images d'Elvis par Warhol confrontent audacieusement le spectateur aux légendes de l'Ouest. L'incursion de Warhol dans le mélange entre sujets western et style contemporain ne s'est pas arrêtée là ; il a continué à revisiter l'iconographie de l'Ouest tout au long de son œuvre au cours des décennies suivantes. En plus de répéter l'image d'Elvis en cow-boy moderne 95 fois, ce qui a donné lieu à 36 peintures uniques, Warhol a réalisé les portraits de plusieurs autres stars de films western. Il entretenait des liens amicaux avec plusieurs artistes western et amérindiens, dont certains qu'il a immortalisés sur la toile. Il a également peint une figure militante amérindienne, emblématique des droits civiques modernes pour les populations autochtones d'Amérique. En tant que cinéaste, il a réalisé au moins deux westerns. Il a également représenté la faune de l'Ouest américain et a créé une vaste série d'images de couchers de soleil.

La représentation de John Wayne par Warhol dans sa série Cowboys And Indians capture l'attrait énigmatique de l'un des symboles les plus durables de la virilité robuste et de l'héroïsme de l'Ouest hollywoodien. Dans cette série, Warhol, reconnu pour son exploration de la célébrité et de la culture des stars, porte son regard sur l'acteur légendaire, confirmant le statut de Wayne non seulement comme acteur, mais comme icône américaine.

Les estampes, qui témoignent de la fascination de Warhol pour l'intersection entre mythe et réalité au sein de la culture américaine, présentent John Wayne dans une posture typique de ses rôles de western. Le choix de Wayne par Warhol est particulièrement notable ; il incarne le cow-boy archétypal, figure profondément ancrée dans le folklore américain et synonyme du Far West. Le portrait de Warhol dépasse la simple représentation de célébrité ; il plonge au cœur de l'essence de ce que John Wayne a représenté pour le public américain et du mythe de l'Ouest américain.

Warhol emploie des couleurs éclatantes et des contours marqués, un choix stylistique qui, tout en modernisant l'image, lui confère une dimension intemporelle. En particulier dans le cadre de l'« itération unique de l'estampe », qui dote le sujet d'un nouveau foulard vert, la palette des estampes de John Wayne exerce un impact visuel saisissant sur le spectateur. Comme l'explique Richard Polsky : « le vêtement vert crée une sorte d'effet "coup de fouet" qui capte l'attention et invite à prolonger le regard. »

Les sérigraphies d'Annie Oakley réalisées par Warhol s'imposent comme un vibrant hommage à l'une des figures les plus emblématiques de l'Ouest américain. Célèbre pour son adresse au tir et son rôle déterminant dans le spectacle « Buffalo Bill’s Wild West », Oakley est réinterprétée dans cette œuvre à travers le prisme singulier du pop art warholien.

« Annie Oakley (F. & S. II.378) » transcende la simple représentation pour explorer la complexité des mythes et des réalités qui définissent les icônes culturelles américaines. En choisissant Oakley, Warhol ne se contente pas de reconnaître en elle un symbole par excellence du Far West ; il souligne également son rôle unique de femme s'étant imposée dans un domaine traditionnellement masculin. Ce choix reflète l'intérêt de l'artiste pour les personnalités qui ont à la fois façonné et transcendé leur contexte culturel.

La sérigraphie présente Oakley dans un style stylisé, caractéristique de l'approche de Warhol, avec des couleurs vives contrastant nettement avec l'imagerie historique en noir et blanc. Cette juxtaposition permet de moderniser Oakley, la présentant non plus seulement comme une figure historique, mais comme une icône intemporelle, pertinente pour le public contemporain. L'usage de l'imagerie répétitive, marque de fabrique du style de Warhol, insiste sur la notion de célébrité et sur la marchandisation de la notoriété, des phénomènes qu'Oakley a elle-même expérimentés de son vivant.

Par ailleurs, la représentation de Sitting Bull par Warhol demeure un portrait poignant et complexe de l’héritage amérindien et de sa place dans la culture populaire. Sitting Bull, chef révéré et symbole de résistance au sein de la tribu des Lakota Sioux, est immortalisé à travers le style Pop Art singulier de Warhol, qui à la fois célèbre et interroge les récits entourant ces figures iconiques.

Dans cette sérigraphie, répertoriée sous la référence F&S II.376, Warhol s'approprie une photographie historique de Sitting Bull, la transformant par ses lignes audacieuses et ses couleurs vives caractéristiques. Cette intervention artistique permet de recontextualiser l'image de Sitting Bull, connue principalement par le prisme de la photographie du XIXe siècle, au sein d'une forme d'art contemporain. L'usage de la couleur et la répétition chez Warhol ne redonnent pas seulement vie à l'image : ils commentent également la marchandisation et la réinterprétation constante des représentations amérindiennes dans la culture américaine.

Cette œuvre résonne avec des implications plus profondes quant à la manière dont les chefs autochtones sont dépeints dans l'histoire et les médias populaires américains. Le choix de Sitting Bull par Warhol, juxtaposé à des figures comme John Wayne dans la même série, invite à une réflexion sur les dichotomies de l'héroïsme et de la vilenie telles qu'elles sont traditionnellement traitées dans les récits du genre Western. Elle souligne le contraste entre la fabrication hollywoodienne de l'Ouest et la réalité historique des peuples autochtones.

En 1963, Andy Warhol entreprend un voyage à travers les États-Unis pour se rendre à Los Angeles à l'occasion d'un vernissage, marquant ainsi l'une de ses premières rencontres avec l'Ouest américain.

Cinq ans plus tard, en 1968, Andy Warhol tourne son regard vers l'Ouest et réalise Lonesome Cowboys au Rancho Linda Vista à Oracle, en Arizona, ainsi que sur le site emblématique d'Old Tucson, célèbre pour avoir servi de décor à de nombreux westerns. Son lien avec cette région se renforce lorsqu'il acquiert un terrain de 40 acres près d'Aspen, au cœur des montagnes Rocheuses du Colorado. Ses journaux intimes révèlent qu'il séjournait fréquemment dans le Colorado, immortalisant ses voyages en photographie, s'adonnant au ski et à la motoneige, des moments documentés par ses amis et collaborateurs.

Le magnétisme artistique d'Andy Warhol ne s'est pas limité à la côte Ouest ; il a été sensible à l'attrait de Taos, au Nouveau-Mexique, véritable refuge d'artistes, et nourrissait une fascination romantique pour le Texas et ses habitants. Il a même suggéré à une époque qu'un musée consacré à sa carrière serait plus à sa place au Texas que dans les environnements urbains auxquels il était habitué à Pittsburgh et à New York.

Cet attachement à l'Ouest américain s'étendait à ses habitudes de collectionneur. Warhol a constitué une collection personnelle remarquable, incluant des paysages de l'Ouest signés par des artistes tels qu' Albert Bierstadt et Maxfield Parrish, des peintures contemporaines de Fritz Scholder et R. C. Gorman, ainsi qu'une huile sur toile saisissante représentant un Indien à cheval.

Le genre de l'art de l'Ouest englobe généralement un style figuratif qui capture l'essence de la région au-delà du 100e méridien. Les premiers artistes-explorateurs euro-américains ont documenté les paysages grandioses, bien qu'« exotiques », de l'Ouest et ses habitants autochtones. Si l'authenticité et le souci du détail ont souvent servi de critères fondamentaux dans l'évaluation de l'art de l'Ouest américain, de nombreux artistes, dont Warhol, ont dépeint la région comme un univers pittoresque et romantique.

Des artistes pionniers tels que Karl Bodmer, George Catlin, Alfred Jacob Miller et John Mix Stanley ont documenté les peuples autochtones, bien qu'ils fussent convaincus que ces cultures disparaîtraient en une ou deux générations. Cette idée reçue s'est reflétée plus tard dans l'encyclopédie photographique des Amérindiens d'Edward S. Curtis. De tels stéréotypes et malentendus culturels persistent depuis des siècles et se retrouvent tant dans l'œuvre de Warhol que dans les exemples historiques de l'art de l'Ouest.

Au fil du temps, ces œuvres, associées aux apports d'écrivains et de cinéastes, ont façonné le légendaire Ouest américain, imprégné d'une imagerie iconique et mythique, renforcée par la puissance de la répétition. Les auteurs William H. Goetzmann et William N. Goetzmann soutiennent que cette tradition continue de façonner l'art occidental, les artistes contemporains reprenant volontiers des archétypes et subvertissant ainsi l'exigence conventionnelle d'une originalité absolue dans le domaine des arts.

Pour l'historienne de l'art Patricia Broder, il est tout naturel que des artistes pop comme James Rosenquist, Andy Warhol et Roy Lichtenstein aient puisé leur inspiration dans les icônes de l'Ouest. Ces artistes perçoivent l'Ouest moderne comme le berceau de la culture de masse, rendant hommage à l'Indien et au cow-boy en tant que symboles américains par excellence. Si l'univers artistique d'autrefois appartient désormais à l'histoire, les artistes contemporains explorent de nouvelles voies pour exprimer la richesse esthétique de l'Ouest moderne.