Le Guide Ultime de Bridget Riley : Faits de A à Z

Bien que Riley soit née à Londres, elle a déménagé en Cornouailles avec sa mère et sa sœur au début de la Seconde Guerre mondiale. Le temps que Riley a passé près du littoral cornouaillais a joué un rôle essentiel dans le développement de son style artistique et de son langage visuel.

Lisez ce guide de A à Z sur Bridget Riley pour découvrir d'autres faits intéressants sur cette artiste pionnière.

En 1963, Riley a reçu le prestigieux Prix AICA (International Association of Art Critics) décerné par l'Association internationale des critiques d'art. Ce serait la première d'une longue série de récompenses pour Riley, suite à sa première exposition personnelle à la Gallery One, Londres, organisée par le marchand d'art Victor Musgrave en 1962.

Les premières œuvres de Riley se caractérisent par sa palette chromatique monochrome. Les œuvres que Riley a produites dans les années 1960 sont dominées par des motifs géométriques noirs et blancs qui produisent des effets désorientants sur l'œil, donnant l'impression que les motifs statiques sont en mouvement. Ce n'est qu'en 1967 que Riley s'est éloignée des toiles noires et blanches pour commencer à expérimenter avec la couleur.

Le style artistique de Riley a été fortement influencé par la période que l'artiste a passée en Cornouailles durant sa jeunesse. Riley a quitté Londres pour la Cornouailles pendant la Seconde Guerre mondiale et explique comment elle a été fascinée par les ciels et les mers changeants de la région. La stimulation visuelle suscitée par ces paysages naturels est ce que Riley s'efforce de reproduire dans ses propres œuvres.

En juillet et août 2015, une grande rétrospective des œuvres de Riley a été organisée au De La Warr Pavilion à Bexhill-on-Sea. L'exposition s'intitulait Bridget Riley: The Curve Paintings 1961–2014 et comprenait une sélection de plus de 30 peintures et études couvrant l'ensemble de la carrière de l'artiste. L'exposition se concentrait sur l'utilisation du motif de la courbe par Riley et sur son évolution au cours des 50 années durant lesquelles elle a été active en tant qu'artiste.

En 1961, Riley et son partenaire, Peter Sedgley, se sont rendus sur le plateau du Vaucluse, dans le sud de la France. Le duo est tombé sous le charme de la région et a acheté une ferme abandonnée qu'ils ont transformée en atelier.

Les premières œuvres de Riley se caractérisent par l'utilisation de formes géométriques qu'elle agence en motifs visuellement stimulants. L'artiste a acquis une renommée internationale dans les années 1960 suite à l'exposition de certaines de ses œuvres à In The Museum Of Modern Art à New York. L'exposition The Responsive Eye présentait certaines de ses peintures saisissantes, toutes réalisées en Black And White Sunny et représentant des motifs géométriques complexes de formes agencées de telle manière qu'elles donnaient l'impression de clignoter, de vibrer et de fusionner les unes avec les autres.

Il est clair qu'Henri Matisse a exercé une influence notable sur l'évolution du style artistique de Riley. Dans nombre de ses œuvres, l'artiste cherche à imiter les mouvements naturels comme les vagues déferlantes ou les bourrasques de vent. Pour y parvenir, Riley s'est inspiré des techniques utilisées par Matisse, lequel était réputé tant pour son usage audacieux de la couleur que pour son dessin fluide. D'autres artistes qui ont inspiré Riley incluent les Futuristes italiens et d'autres artistes français tels que Georges Seurat.

Intervals est une collection d'œuvres réalisées par Riley vers la fin de sa carrière artistique. Cette collection fait écho aux emblématiques Stripe de Riley, des estampes sur lesquelles l'artiste a commencé à travailler en 1971. Les œuvres de cette collection présentent des arrangements simples de lignes qui incitent le spectateur à observer attentivement les estampes et à réfléchir à leur composition et à leur agencement spatial. La stabilité de la forme rayée répétitive a permis à Riley d'explorer plus en profondeur les effets visuels de la couleur et des différentes combinaisons chromatiques.

Juin 2016 fut une date marquante pour Bridget Riley, car l'une de ses œuvres,

À l'époque, cette vente a établi le record de la vente la plus chère pour une œuvre de Bridget Riley aux enchères, bien qu'il ait depuis été dépassé par la vente de <="Gala" lors de la vente "Modern British Art Evening Sale" de Christie's à Londres en 2022. Cette dernière avait dépassé ses estimations avant-vente de 2,5 à 3,5 millions de livres sterling, pour atteindre le chiffre impressionnant de 4,4 millions de livres sterling.

Les expositions de Riley jalonnent toute sa carrière, de 1964 à 2021. L'exposition The Responsive Eye au Museum of Modern Art, New York, en 1964 a propulsé l'artiste sur la scène internationale. En 1999, la Serpentine a organisé une exposition retraçant les œuvres de Riley des années 1960 et 1970, qui comprenait également des œuvres nouvelles, telles que Serpentine (1999), que l'artiste avait réalisées spécifiquement pour cette exposition. Plus récemment, en 2019, la Hayward Gallery a présenté une rétrospective des œuvres de Riley, qui fut la plus vaste jamais consacrée à l'artiste à ce jour.

Lozenges est un ensemble d'œuvres produit entre 1998 et 2009, caractérisé par des plans captivants de couleurs et de formes géométriques imbriquées. Cette collection d'œuvres marque une rupture avec la palette chromatique stricte en noir et blanc de Riley et présente des combinaisons de couleurs vives, presque carnavalesques. Le mouvement ample des formes incurvées imite les ondulations de la nature, comme le roulis des vagues ou le mouvement des arbres sous l'effet du vent.

Le mouvement occupe une place centrale dans l'œuvre de Riley et l'artiste était fascinée par la manière dont il pouvait être rendu dans ses créations. Qu'il s'agisse de toiles qui fonctionnent comme des illusions d'optique ou d'estampes qui imitent les mouvements de la nature, les œuvres de Riley sont toujours dynamiques et imprégnées d'une sensation de mouvement.

Grâce à sa reconnaissance internationale et à l'influence qu'elle a exercée sur de nombreux grands artistes, Riley a été nommée au conseil d'administration de la National Gallery de Londres. Dans les années 1980, Riley a utilisé sa position de membre du conseil pour bloquer avec succès le projet de Margaret Thatcher de céder la propriété voisine à des promoteurs immobiliers. En parvenant à conserver le terrain, la National Gallery a pu agrandir et développer l'aile Sainsbury du musée.

Riley a été classée parmi les artistes de l'Op Art en raison de la manière dont elle explorait l'interaction entre la forme, la ligne et la lumière dans ses œuvres. L'Op Art, abréviation de « optical art » (art optique), désigne la façon dont les artistes utilisent les formes, les couleurs et les motifs pour créer des images qui semblent bouger. Les compositions précises de Riley sont fascinantes : les formes semblent vibrer, pulser et se fondre les unes dans les autres, évoquant une forte impression de mouvement malgré leur caractère techniquement statique.

En plus de produire des œuvres d'art optique (Op art), le style artistique de Riley a mûri et s'est développé au fil du temps à mesure qu'elle découvrait d'autres artistes et mouvements artistiques. Riley a clairement été influencée par l'artiste néo-impressionniste français, Georges Seurat. En particulier, Riley était fascinée par le pointillisme de Seurat, une technique développée par l'artiste français qui consistait à créer des tableaux à partir de petits points de couleur distincts qui s'assemblent en motifs pour former une image. En 2015, The Courtauld Gallery a organisé une exposition intitulée Bridget Riley: Learning from Seurat qui explorait comment le style de Riley avait été influencé par le pointillisme de Seurat.

En 1974, la reine Élisabeth II a nommé Riley Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique en reconnaissance de ses contributions remarquables à l'art, et en 1998, Riley est devenue l'une des 65 seules Compagnes d'Honneur du Royaume-Uni. Ces distinctions prestigieuses témoignent de l'impact majeur qu'elle a eu sur l'art britannique moderne. L'artiste continue d'inspirer les jeunes générations d'artistes, comme Damien Hirst et Rachel Whiteread.

Riley a étudié au Royal College of Art de 1952 à 1955, après avoir obtenu son diplôme de licence à Goldsmiths. Parmi les autres anciens élèves notables du Royal College of Art des XXe et XXIe siècles figurent les sculpteurs Barbara Hepworth et Henry Moore, ainsi que les peintres Frank Auerbach et David Hockney. Après ses études, Riley a travaillé comme professeure d'art, ce qui lui a permis de consacrer du temps à perfectionner ses propres compétences artistiques.

SPACE est l'acronyme de Space Provision Artistic Cultural and Educational (Soutien Artistique, Culturel et Éducatif de l'Espace) et a été créé en 1968 par Riley, l'artiste Op Peter Sedgley et le journaliste Peter Townsend, dans le but d'offrir aux artistes des ateliers à des prix abordables. SPACE est aujourd'hui l'organisation d'ateliers d'artistes la plus ancienne en activité continue à Londres et, en plus de fournir des espaces de travail aux artistes, elle organise des expositions, des résidences internationales et dispose d'une plateforme d'apprentissage et de participation pour soutenir la communauté locale.

En 2003, la Tate Britain a organisé une rétrospective majeure de Riley, intitulée Bridget Riley, qui retraçait l'impressionnante carrière de l'artiste et présentait des exemples clés de chaque phase de son travail. L'exposition a illustré l'évolution du style de l'artiste au fil du temps, notamment la manière dont elle est passée des toiles monochromes en noir et blanc à ses expérimentations avec des couleurs vives. L'exposition était assurée par Paul Moorhouse, en étroite collaboration avec Riley.

Untitled (Diagonal Curve) (1966) est l'œuvre de Riley qui s'est vendue le plus cher. L'œuvre est constituée d'ondulations noires et blanches qui semblent onduler sur la toile. L'assemblage vertigineux de lignes paraît osciller, imprégnant l'œuvre d'une sensation de mouvement. Cette pi est l'une des dernières expérimentations de Riley en noir et blanc. À la fin des années 1960, l'artiste a abandonné sa palette monochrome au profit d'expérimentations audacieuses avec la couleur.

En 1968, Riley a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise, une exposition culturelle internationale qui se tient chaque année à Venise, en Italie. Chaque année, plusieurs prix sont décernés, et Riley fut la première femme à recevoir le prestigieux Prix international de peinture. Parmi les autres lauréats notables de ce prix figurent le peintre allemand Max Ernst (1954) et le peintre français Henri Matisse (1950).

Waves est une collection d'œuvres sur lesquelles Riley a travaillé dans les années 1970 et 1980. L'ensemble est composé d'œuvres qui représentent toutes des motifs de lignes ondulées évoquant une sensation de mouvement. Contrairement à la collection Stripes, dans laquelle Riley produit des œuvres basées sur des lignes verticales et horizontales rendues dans des couleurs vives, dans Waves, Riley privilégie une sélection de teintes mélangées afin d'expérimenter avec la tonalité et son effet sur la perception.

Les œuvres de Riley sont qualifiées de pièces collaboratives en raison de l'incroyable capacité de l'artiste à entraîner le spectateur dans ses créations, le captivant et l'incitant à explorer les œuvres avec curiosité et réflexion.

Née en 1931, Riley crée des œuvres depuis plus de 70 ans. Au fil de sept décennies, l'artiste a affiné son style visuel et développé une philosophie personnelle : la complexité se cache sous la surface de la simplicité, à condition que l'on prenne le temps de la remarquer.

Zig, également connue sous le nom de collection Rhomboid, est un ensemble d'œuvres produites par Riley dans les années 1980 et 1990. Cette collection illustre la manière dont l'artiste a commencé à fusionner ses emblématiques rayures horizontales issues de sa collection Stripes avec de courts éléments diagonaux. Si la collection Stripes de Riley se caractérisait par l'harmonie et l'ordre, les œuvres de la collection Zig sont plus dynamiques et complexes, car Riley souhaitait explorer la manière dont les couleurs pouvaient interagir les unes avec les autres grâce à l'utilisation des formes et de leur composition.