Zoom sur les premières lithographies de David Hockney

La lithographie est une technique de gravure basée sur le principe que l'huile et l'eau ne se mélangent pas. L'artiste dessine une image avec une pierre à lithographie ou une encre grasse sur une plaque de calcaire ou de métal polie. La pierre est ensuite traitée chimiquement, humidifiée à l'eau, puis roulée avec une encre à base d'huile qui n'adhère qu'au dessin gras. Enfin, du papier est pressé contre la pierre pour transférer le dessin encré à l'envers, ce qui produit l'estampe. La lithographie est planographique, ce qui signifie que la surface d'impression est plate, permettant à l'artiste de dessiner avec une liberté naturelle, presque comme s'il travaillait directement sur papier.

La lithographie a permis à Hockney de capturer avec aisance ses traits spontanés et ses esquisses tonales, préservant ainsi les caractéristiques de ses dessins. De plus, la capacité de la lithographie à produire des nuances subtiles et des superpositions de couleurs correspondait à la prédilection de Hockney pour la couleur et les motifs. La franchise et la polyvalence de ce médium encourageaient son processus de dessin naturel, faisant de la lithographie un terrain fertile pour la créativité naissante de Hockney.

Lorsque Hockney a découvert la lithographie à la Bradford School of Art, les sujets étaient directement tirés de son environnement immédiat. Woman with a Sewing Machine (1954) représente sa mère, Laura, assise dans la maison familiale ; la composition laissait déjà entrevoir la fascination de Hockney pour les intérieurs, les rituels quotidiens et les rythmes de la vie ordinaire. L'estampe la plus ambitieuse de cette période à Bradford est Fish and Chip Shop (1954), qui dépeint l'intérieur d'un commerce local avec le personnel derrière le comptoir et Hockney lui-même attendant sa commande. Chaleureuse et empreinte d'une douce ironie, elle transforme un décor familier de la classe ouvrière en une scène qui révèle la richesse du quotidien. Ces premières lithographies montrent un dessinateur qui parvenait déjà à transformer l'expérience personnelle en art par le biais de l'estampe.

Au-delà de ses scènes domestiques et locales, les premières lithographies de Hockney montrent déjà comment il teste la quantité de sens qu'une image simplifiée peut véhiculer. Dans Self-Portrait (1954), l'une de ses premières lithographies réalisées à Bradford, Hockney se présente de face, les bras croisés, les lunettes fixées fermement sur le spectateur. L'image est dessinée presque entièrement en lignes claires et assurées, avec très peu de hachures. Néanmoins, elle projette un sentiment marqué de confiance et de lucidité. Plutôt que d'offrir un portrait psychologique subtil, elle fonctionne comme une déclaration du jeune artiste, se présentant directement au regardeur.

D'autres lithographies de 1954–55 présentent cet espace peu profond et ces compositions étroitement maîtrisées. Les figures sont assises près de la surface de l'image, tandis que les arrière-plans sont réduits à quelques lignes ou formes structurelles. Cet aplat est une décision délibérée, permettant à Hockney de se concentrer sur l'observation attentive, le geste et le rythme visuel, plutôt que sur la création de profondeur.

Dans cette approche épurée, Hockney commence déjà à suggérer une narration. Le sens émane de la façon dont les figures se tiennent, de leur proximité et de la nature de leurs relations, plutôt que d'une action manifeste. Même à ce stade précoce, il est attentif à la manière dont les images peuvent suggérer des rôles sociaux, une identité ou une tension. Ces idées seront bientôt développées au Royal College of Art, où la lithographie et la gravure deviendront des outils pour une narration et une satire plus explicites. Ces premières lithographies marquent l'émergence d'un langage graphique bâti sur la ligne précise et la suggestion narrative – une approche qui restera centrale dans l'œuvre de Hockney, tant dans ses estampes que dans ses peintures.

Lorsque Hockney a rejoint le Royal College of Art en 1959, sa pratique de l'estampe s'est rapidement développée. Bien que la gravure à l'eau-forte soit devenue la technique dominante durant ces années, la lithographie a continué à jouer un rôle de soutien important dans l'élaboration de sa pensée. Le RCA encourageait l'expérimentation technique, et Hockney passait avec aisance d'un procédé à l'autre, permettant aux idées développées dans un médium d'en informer un autre. L'accent mis par la lithographie sur le dessin, l'aplatissement et le trait direct a renforcé son approche instinctive du dessin, même lorsqu'il explorait les possibilités plus complexes de l'intaille.

On peut observer ce chevauchement entre les techniques dans les premières estampes de Hockney du début des années 1960, même lorsqu'il ne travaillait plus directement en lithographie. Dans des œuvres telles que A Rake’s Progress (1961-63), les images sont construites autour de contours nets, d'un espace aplati et de scènes lisibles. Les personnages sont disposés de manière à ce que le spectateur puisse rapidement comprendre ce qui se passe, plutôt que d'être perdu dans les détails. Cette approche reflète les habitudes qu'Hockney a développées grâce à la lithographie, où dessiner clairement et directement est essentiel.

Même lorsqu'il associait des images à du texte écrit, comme dans Myself and My Heroes (1961), le texte fonctionne comme partie intégrante de l'image plutôt que comme explication. Ces estampes montrent que la lithographie a contribué à façonner la manière dont il utilisait la ligne, l'espace et la narration à travers différentes techniques d'estampe alors qu'il cherchait à se représenter lui-même, ses expériences et le monde qui l'entourait.

Bien que la lithographie soit entrée dans la pratique de Hockney alors qu'il était étudiant, il n'a jamais abandonné ce médium. Au contraire, il y est revenu à des moments clés de sa carrière, l'utilisant parallèlement à la gravure, à la photographie, et plus tard aux outils numériques pour repenser la construction et la lecture des images. À la fin des années 1960 et dans les années 1970, la lithographie est devenue un espace permettant davantage de jeux autour de la couleur, du cadrage et de la relation entre l'image et la surface.

Des œuvres telles que Pool Made With Paper And Blue Ink For Book (1980) montrent comment Hockney a adapté la lithographie à l'évolution de son langage visuel. Ici, la couleur et l'espace ouvert dominent, mais les qualités fondamentales du médium – clarté, immédiateté et la traduction directe du dessin en estampe – restent centrales. La lithographie a permis à Hockney d'explorer la répétition et la variation, testant comment de légers changements de couleur ou de composition pouvaient modifier l'humeur d'une image, une préoccupation qui fait écho à son intérêt précoce pour la structure et le rythme visuel.

À partir des années 1980, la lithographie est également devenue un moyen de revisiter des motifs établis. Des portraits comme Red Celia (1984) montrent comment le médium pouvait supporter des couleurs plus audacieuses et des formes simplifiées tout en conservant une spécificité ancrée dans le dessin. Ces lithographies plus tardives sont plus vastes que les œuvres de Bradford, mais elles reposent sur les mêmes bases, renforçant l'intérêt durable de Hockney pour la manière dont les images communiquent clairement et immédiatement.

Les lithographies de Hockney illustrent comment ce médium lui a fourni un cadre constant pour explorer la ligne, l'espace, la répétition et la clarté. La discipline de dessiner directement sur la pierre a façonné sa compréhension de la communication visuelle, une approche qu'il a transposée dans ses peintures, sa photographie et ses médias numériques ultérieurs.