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Some
More New Prints

Tout au long de sa série Some More New Prints, David Hockney poursuit son ode au cubisme, jouant avec les perspectives multiples en hommage à Picasso et Braque, tout en défiant nos attentes vis-à-vis du genre en nous présentant un paysage cubiste de Californie du Sud plutôt qu'une scène de café parisien.

Some More New Prints Value (5 Years)

Avec un volume de 39 777 livres sterling sur les 12 derniers mois, la série Some More New Prints de David Hockney figure parmi les plus activement échangées sur le marché. Les prix ont varié de manière significative – de 665 à 44 536 livres sterling – sous l'impulsion de facteurs tels que l'état de conservation, la provenance et le timing du marché. Au cours des 12 derniers mois, le prix de vente moyen s'est établi à 13 259 livres sterling, avec un taux de croissance annuel moyen de 15,57 % pour l'ensemble de la série.

Some More New Prints Valeur de marché

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Signification et analyse

Avec Some More New Prints, Hockney poursuit un style à la limite de l’abstraction, initié avec sa série Some Very New Paintings de 1992. Nous sommes à nouveau confrontés à des paysages fantastiques flirtant avec l’abstraction, aux couleurs vives et aux textures variées, conférant aux œuvres cette profondeur et cette complexité que l’on retrouve habituellement dans ses créations sur toile.

Tout au long de cette série, Hockney continue son ode au cubisme, jouant avec des perspectives multiples en hommage à Picasso et Braque, tout en défiant nos attentes vis-à-vis du genre en nous présentant un paysage cubiste du sud de la Californie plutôt qu’une scène de café parisien.

Outre les multiples références au cubisme à travers ses perspectives déformées et fragmentées, les compositions rappellent également les audacieuses abstractions de Sonia Delaunay et celles de son contemporain, Howard Hodgkin. Comme pour Some New Prints, les œuvres de cette série évoquent les compositions colorées que Hockney a produites lorsqu’il a été sollicité pour concevoir les décors de l’opéra Die Frau Ohne Schatten. Il déclarait à ce sujet : « Ces travaux ont commencé simplement pour devenir de plus en plus complexes. J’ai rapidement réalisé que je créais des paysages intérieurs, utilisant différentes marques et textures pour instaurer un espace dans lequel le spectateur peut déambuler. »

Ces paysages intérieurs sont composés de vagues et d’aplats de couleur, ainsi que d’une gamme de tracés, allant de traits de crayon à un effet rappelant l’encre grattée, sans oublier des coups de pinceau plus épais démontrant l’ingéniosité caractéristique avec laquelle Hockney manipule son médium. Ici, le rugueux se mêle au lisse, et la planéité gagne en profondeur grâce aux dégradés et aux textures. Ces effets uniques sont obtenus par la combinaison de la lithographie et de la sérigraphie, permettant à Hockney d’expérimenter et de repousser encore plus loin les limites de l’estampe.

Going Round nous offre un style plus pictural, tandis que des œuvres comme Slow Rise intègrent des éléments monochromes rappelant sa série Home Made Prints, produite à l’aide d’un photocopieur de bureau. Gorge d’Incre introduit des éléments plus organiques dans la série, avec ses tons charnels et ses formes enveloppantes, alors que Above and Beyond possède une qualité presque pastorale, soulignée par ses lignes esquissées avec légèreté et sa composition plus apaisée.