La collection d'art de David Bowie

Né David Robert Jones en 1947, Bowie a développé très tôt un intérêt pour les arts. Son demi-frère Terry, qui l'a initié au monde de la musique et de la littérature, l'a également présenté aux arts visuels. Ces premières découvertes ont joué un rôle essentiel dans le développement artistique de Bowie. Au milieu des années 1960, Bowie a commencé à fréquenter les galeries d'art et les musées de Londres, s'immergeant dans la scène artistique vibrante et variée de la ville. Ces expériences l'ont aidé à développer une passion profonde et durable pour l'art, qui allait au-delà de la simple appréciation pour inclure un désir de comprendre les motivations et les techniques des artistes qu'il admirait.

Bowie a été particulièrement influencé par les mouvements artistiques d'avant-garde de l'époque, notamment le Surréalisme et l'Expressionnisme allemand, ce qui se retrouve dans sa musique, sa mode et ses performances tout au long de sa carrière. On savait qu'il intégrait des éléments de ces mouvements dans ses œuvres, brouillant les frontières entre la musique, la performance et l'art visuel de manière innovante. Dans les années 1970, alors que la carrière musicale de Bowie décollait, sa collection d'œuvres d'art prenait également son envol. En voyageant à travers le monde en tournée, il passait une grande partie de son temps libre à visiter les galeries d'art et les musées locaux, amassant lentement une collection d'œuvres qui reflétait ses goûts larges et éclectiques.

La collection d'œuvres de Bowie comptait plus de 400 pièces et constituait un aspect important de sa vie en dehors de la musique. Elle s'étendait sur plusieurs disciplines et époques, englobant le design, l'art contemporain, le surréalisme, le modernisme, l'art brut et l'art africain. Il appréciait profondément le travail d'artistes à la fois bien établis et moins connus, ce qui témoigne de sa capacité infaillible à reconnaître le talent brut et l'originalité. Bien qu'il ait possédé des pièces notables de maîtres anciens tels que Le Tintoret et Rubens, la majeure partie de sa collection était constituée d'œuvres d'artistes britanniques du XXe siècle, comme Damien Hirst, Harold Gilman et Patrick Caulfield. Sa collection comprenait également des pièces de grands artistes internationaux comme Jean-Michel Basquiat, Pablo Picasso et Marcel Duchamp, des noms célèbres dans leurs mouvements artistiques respectifs – même s'il se hâtait de faire remarquer qu'il choisissait généralement des œuvres qui « semblaient constituer une évolution importante ou intéressante à un moment donné, ou qui typifiaient une certaine décennie, plutôt que d'opter pour des Hockneys ou des Freuds ou autres ».

Certains critiques ont exprimé que la collection de Bowie n'était peut-être pas aussi avant-gardiste que prévu, et se sont également étonnés du fait que Bowie ne possédait apparemment aucune œuvre d'Andy Warhol malgré sa fascination de longue date pour l'artiste.

La croisée de la musique et de l'art dans la vie de Bowie était le reflet profond de sa créativité multidimensionnelle : sa carrière de musicien et sa passion de collectionneur d'œuvres étaient intrinsèquement liées, chacune informant et enrichissant l'autre.

En 1995, Bowie a collaboré avec Hirst à une peinture intitulée Beautiful, Hallo, Space-boy Painting, qui a fini par faire partie de sa propre collection avant d'être vendue chez Sotheby’s en 2018. À propos de leur rencontre, Hirst a déclaré : « David était comme un enfant, avec une candeur enfantine, lorsqu'il est venu me voir à l'atelier et que nous avons réalisé ensemble une gigantesque peinture tournoyante. Il faut vivre l'instant présent, abandonner tous ses préjugés, se laisser aller, s'amuser et laisser l'univers faire son œuvre. C'était formidable de tourner avec lui. (...) [Bowie] comprenait l'art et l'aimait, il appréciait la tension, la couleur et l'aspect ludique des peintures tournoyantes, et je suppose que c'est pour cela qu'il a été ému de venir me trouver. » La peinture partage son titre avec l'une des propres chansons de Bowie.

Cette intersection entre les arts visuels et la musique est clairement visible dans le souci qu'avait Bowie pour les pochettes de ses albums, aussi éclectiques et iconiques que son personnage artistique. Chacune impliquait une collaboration avec des artistes singuliers qui ont joué un rôle essentiel dans sa présentation visuelle. Parmi les exemples notables, on trouve la pochette de l'album The Man Who Sold The World, conçue par Michael J. Weller, et celle de Diamond Dogs — une représentation controversée de Bowie mi-homme mi-chien par Guy Peellaert.

Au-delà de sa collection d'œuvres personnelle, Bowie a également joué un rôle dans le monde de l'art en général. Dans les années 1990, il a rejoint le comité éditorial de la revue d'art Modern Painters, où il a mené des entretiens avec des artistes et rédigé des critiques d'art. Lecteur assidu, il était connu pour avoir des opinions bien arrêtées et était souvent très précis dans ses analyses des œuvres.

Bowie était lui-même un peintre, reflétant les mêmes influences éclectiques, l'innovation et l'évolution stylistique qui ont marqué sa carrière musicale. Ses premières œuvres étaient fortement influencées par celles de l'artiste britannique David Bomberg. Beaucoup de ses tableaux présentent des figures déformées ou exagérées et des couleurs vives et audacieuses, faisant écho à l'intensité émotionnelle et au style avant-gardiste de ces mouvements. Les peintures de Bowie intègrent souvent du texte, des symboles et des éléments abstraits, suggérant des couches de sens et invitant à l'interprétation — ce qui témoigne de son admiration pour Basquiat. L'une des peintures les plus célèbres de Bowie est Self-Portrait, une œuvre qui reflète son intérêt pour la distorsion de la forme humaine et son usage de couleurs vibrantes pour exprimer des états émotionnels. Ce autoportrait, avec son visage évoquant un masque et ses yeux intenses et discordants, rappelle son alter ego, Ziggy Stardust, suggérant la porosité entre l'art de Bowie et sa musique.

Tout au long de sa vie, Bowie est resté relativement discret concernant ses peintures. Bien qu'il ait exposé ses œuvres dans quelques galeries et musées, il semblait souvent plus à l'aise de laisser sa musique, plutôt que ses arts visuels, occuper le devant de la scène. Néanmoins, ses tableaux offrent un aperçu fascinant de son processus créatif et de l'étendue de sa vision artistique.

La collection d'art éclectique et variée de Bowie, tout comme sa musique, témoigne de sa curiosité insatiable, de sa créativité sans limites et de son engagement de toute une vie envers les arts. La collection de Bowie n'était pas seulement un ensemble d'œuvres qui lui plaisaient esthétiquement, mais le reflet de son parcours personnel en tant qu'artiste, un miroir de son innovation musicale et un hommage à son profond respect pour les autres créateurs. Son amour pour les œuvres d'artistes tels que Basquiat et Hirst, entre autres, dénote sa profonde appréciation pour un large éventail d'expressions artistiques et sa capacité à discerner les talents visionnaires. De même, sa propre production artistique – ses pochettes d'album, ses peintures et l'intersection de sa musique et de ses arts visuels – révèle un artiste complexe et aux multiples facettes qui n'a cessé de repousser les limites et les normes. En ce sens, l'héritage de Bowie en tant que mécène passionné des arts est aussi influent que sa musique.