La collection d'œuvres de David Bowie

Né David Robert Jones en 1947, Bowie manifeste très tôt un intérêt pour les arts. Son demi-frère Terry, qui l'initie à la musique et à la littérature, le sensibilise également aux arts visuels. Ces premières confrontations jouent un rôle essentiel dans le développement artistique de Bowie ; au milieu des années 1960, il commence à fréquenter les galeries et les musées londoniens, s'imprégnant de la scène artistique vibrante et éclectique de la capitale. Ces expériences forgent chez lui une passion profonde et durable pour l'art, dépassant la simple appréciation pour nourrir une volonté de comprendre les motivations et les techniques des artistes qu'il admire.

Bowie a été particulièrement influencé par les mouvements d'avant-garde de son époque, notamment le surréalisme et l'expressionnisme allemand, dont l'empreinte marque sa musique, ses choix vestimentaires et ses performances tout au long de sa carrière. Connu pour intégrer les codes de ces mouvements à son propre travail, il est parvenu à brouiller les frontières entre musique, performance et arts visuels de manière novatrice. Dans les années 1970, tandis que sa carrière musicale prenait son essor, sa passion pour la collection d'œuvres s'est intensifiée. Au fil de ses tournées mondiales, il consacrait une grande partie de son temps libre à visiter des galeries et des musées locaux, constituant patiemment une collection reflétant la diversité et l'éclectisme de ses goûts.

La collection d’œuvres d’art de Bowie comptait plus de 400 pièces et constituait un aspect essentiel de sa vie en dehors de la musique ; elle traversait les disciplines et les époques, englobant le design, l’art contemporain, le surréalisme, le modernisme, l’art brut et l’art africain. Il portait une estime profonde au travail d’artistes aussi bien reconnus que méconnus, témoignant de sa capacité infaillible à déceler le talent brut et l’originalité. Bien qu’il possédât des œuvres notables de maîtres anciens comme Le Tintoret et Rubens, sa collection était majoritairement composée d’œuvres d’artistes britanniques du XXe siècle, tels que Damien Hirst, Harold Gilman et Patrick Caulfield. Elle s’enorgueillissait également de pièces d’artistes internationaux de premier plan comme Jean-Michel Basquiat, Pablo Picasso et Marcel Duchamp, noms illustres de leurs mouvements artistiques respectifs. Il ne manquait cependant pas de souligner qu’il choisissait généralement des œuvres qui « semblaient marquer un tournant important ou intéressant à une époque donnée, ou qui incarnaient une décennie particulière, plutôt que de se tourner vers des Hockney, des Freud ou autres. »

Certains critiques ont estimé que la collection de Bowie n’était peut-être pas aussi avant-gardiste qu’attendu, et se sont également montrés surpris du fait que Bowie ne possédait apparemment aucune œuvre d’Andy Warhol, en dépit de sa fascination maintes fois exprimée pour l’artiste.

L'intersection entre la musique et les arts visuels dans la vie de Bowie était le reflet profond de sa créativité multidimensionnelle : sa carrière de musicien et sa passion de collectionneur d'œuvres étaient intrinsèquement liées, chacune enrichissant l'autre.

En 1995, Bowie a collaboré avec Hirst sur une peinture intitulée « Beautiful, Hallo, Space-boy Painting », qui a fini par intégrer sa propre collection avant d'être vendue chez Sotheby’s en 2018. Hirst a déclaré à propos de leur rencontre : « David était comme un enfant, enfantin et puéril quand il est venu me voir à l'atelier et que nous avons réalisé ensemble une peinture centrifuge géante. Il faut vivre l'instant présent, abandonner toutes ses idées préconçues, se laisser aller, s'amuser et laisser l'univers agir. C'était un plaisir brillant de créer avec lui. (...) [Bowie] comprenait l'art, l'aimait, et saisissait la tension, la couleur et le caractère ludique des peintures centrifuges ; c'est sans doute ce qui l'a poussé à venir me trouver. » Cette œuvre partage son titre avec l'une des chansons de Bowie.

Cette rencontre entre arts visuels et musique est manifeste dans l'attention que Bowie portait aux pochettes de ses albums, aussi éclectiques et emblématiques que son personnage artistique. Chacune d'elles a nécessité la collaboration d'artistes uniques ayant joué un rôle essentiel dans sa présentation visuelle. Parmi les exemples notables, citons la pochette de l'album « The Man Who Sold The World », conçue par Michael J. Weller, et celle de « Diamond Dogs », une représentation controversée de Bowie en créature hybride mi-homme mi-chien signée Guy Peellaert.

Au-delà de sa collection personnelle, Bowie a également joué un rôle dans le monde de l'art au sens large. Dans les années 1990, il a rejoint le comité éditorial de la revue d'art Modern Painters, où il menait des entretiens avec des artistes et rédigeait des critiques d'art. Lecteur assidu, il était connu pour ses opinions tranchées et sa capacité à discuter des œuvres avec une grande précision.

Bowie était également lui-même peintre, reflétant cette même influence éclectique, cette soif d'innovation et cette évolution stylistique qui ont marqué sa carrière musicale. Ses premières œuvres furent fortement marquées par le travail de l'artiste britannique David Bomberg. Nombre de ses toiles présentent des figures déformées ou exagérées et des couleurs vives et audacieuses, faisant écho à l'intensité émotionnelle et au style avant-gardiste de ces courants. Les peintures de Bowie intègrent souvent du texte, des symboles et des éléments abstraits, suggérant des strates de signification et invitant à l'interprétation, tout en reflétant son admiration pour Basquiat. L'une des peintures les plus célèbres de Bowie est « Self-Portrait », une œuvre qui témoigne de son intérêt pour la distorsion de la forme humaine et de son usage de couleurs vibrantes pour traduire des états émotionnels. Ce portrait, avec son visage masqué et ses yeux intenses et dépareillés, rappelle son alter ego Ziggy Stardust, soulignant le flou des frontières entre l'art plastique et la musique chez Bowie.

Tout au long de sa vie, Bowie est resté relativement discret sur sa peinture. Bien qu'il ait exposé son travail dans quelques galeries et musées, il semblait souvent plus à l'aise en laissant sa musique, plutôt que ses arts visuels, occuper le devant de la scène. Néanmoins, ses toiles offrent un éclairage fascinant sur son processus créatif et l'étendue de sa vision artistique.

La collection d'œuvres éclectique et diversifiée de David Bowie, à l'image de son œuvre musicale, témoigne de sa curiosité insatiable, de sa créativité débordante et de son engagement indéfectible envers les arts. Loin d'être un simple rassemblement de pièces choisies pour leur attrait esthétique, cette collection constitue le reflet de son parcours personnel en tant qu'artiste, un miroir de ses innovations musicales et le témoignage du profond respect qu'il vouait à ses pairs. Son attachement aux œuvres d'artistes tels que Basquiat ou Hirst illustre son appréciation pour un vaste spectre d'expressions artistiques et sa capacité à identifier les talents visionnaires. De même, sa propre production artistique — qu'il s'agisse de ses pochettes d'album, de ses peintures ou de la convergence entre sa musique et les arts visuels — révèle la complexité d'un artiste aux multiples facettes, défiant constamment les normes et les frontières établies. En ce sens, l'héritage de David Bowie en tant que mécène passionné est tout aussi influent que son œuvre musicale.