Le top 10 des œuvres que les Américains rêvent de posséder

Lancée à l'échelle mondiale sur deux semaines au début de l'année 2025, notre enquête a recueilli 7 500 réponses ouvertes dans 70 pays, révélant les motivations qui sous-tendent les choix artistiques du public. Aux États-Unis, les répondants se répartissent en 57 % de femmes, 38 % d'hommes et 3 % de personnes non-binaires. Figurant dans le trio de tête des œuvres préférées des Américains, on retrouve « La Nuit étoilée » de Vincent van Gogh, « Nighthawks » d' Edward Hopper, ainsi que « Les Nymphéas » de Claude Monet.

Deux œuvres plébiscitées uniquement par les votants américains apparaissent dans le top 10 des États-Unis, alors qu'elles sont à peine mentionnées par les répondants britanniques : « Le Hasard heureux de l'escarpolette » de Jean-Honoré Fragonard et la « Victoire de Samothrace ». Ces œuvres témoignent d'un goût typiquement américain pour un art qui maintient en équilibre des forces opposées : mouvement et immobilité, spectacle et réconfort, perfection et sa propre fragilité. Si le classement américain partage des favoris mondiaux tels que La Nuit étoilée et Ophélie, il tend davantage vers des œuvres qui reflètent les angoisses et les ambitions collectives.

En tête du classement américain, on retrouve le chef-d'œuvre de 1889 de Vincent van Gogh, « La Nuit étoilée », illustrant sa popularité sur la scène mondiale, où l'œuvre a été citée près de deux fois plus souvent que le deuxième choix le plus plébiscité. Peinte durant les mois tourmentés que l'artiste a passés à l'asile de Saint-Rémy, la toile transforme une vue nocturne en une symphonie extatique de bleus vibrants et d'astres scintillants. Parallèlement, le village paisible situé en contrebas offre un contrepoint de stabilité. C'est peut-être cette tension entre le ciel agité et la terre ferme qui touche si profondément le public américain : à une époque d'incertitude, nous aspirons à trouver un ancrage au sein même des bouleversements.

Dans cette tapisserie d'ombre et de lumière, les spectateurs trouvent à la fois catharsis et apaisement. « C'est une œuvre iconique. C'est une peinture parfaite », note un admirateur, tandis qu'un autre observe : « Les touches révèlent une tristesse mais aussi une certaine sérénité. Le ciel nocturne est parfois un lieu effrayant, mais avec ces étoiles qui brillent intensément, on parvient presque à se sentir détendu. »

Parmi ceux qui trouvent du réconfort dans les teintes tourbillonnantes de van Gogh, 60 % s'identifient comme femmes, 36 % comme hommes et 4 % comme non-binaires. Les Millennials mènent les suffrages (44 %), suivis par les Baby Boomers (28 %) et la Génération X (20 %) ; en revanche, la Génération Z américaine semble avoir des goûts différents, ce groupe démographique ne représentant que 8 % des votes. Un participant se souvient : « C'était la première œuvre d'art qui m'a fait m'arrêter et réfléchir. J'avais une estampe à côté de mon lit et je contemplais les tourbillons en imaginant de véritables étoiles tournoyant dans le ciel de France. » Dans notre culture actuelle au rythme effréné, « La Nuit étoilée » offre un espace de réflexion : ses touches énergiques font écho à nos mondes intérieurs agités, tandis que son village paisible constitue le refuge dont nous avons si urgemment besoin.

En troisième position figurent les « Water Lilies » de Claude Monet, une œuvre créée dans le cadre de ses explorations de fin de carrière autour de son bassin de Giverny. Dès 1914, Monet avait entièrement concentré son regard sur la surface de l'étang, délaissant les lignes d'horizon et inclinant sa toile pour en faire une mosaïque flottante de fleurs, de feuilles et de reflets lumineux. Le résultat est une série de peintures dépourvues de gravité ou de narration, où le temps semble suspendu, faisant du spectateur autant un acteur qu'un observateur.

Aux États-Unis, les admirateurs des « Water Lilies » sont majoritairement des femmes (66,7 %), suivies par les hommes (22,2 %), les personnes non binaires (5,6 %) et autres (5,6 %). Sur le plan générationnel, les Millennials sont en tête avec 38,9 %, suivis par la génération Z à 27,8 %, et par la génération X et les Baby Boomers, à hauteur de 16,7 % chacun – des chiffres qui suggèrent une aspiration commune à l'apaisement. Un votant se souvient : « Lorsque je regarde cette œuvre, je me sens immergé dans son atmosphère éthérée… c'est comme si j'étais avec le lac et les nymphéas », tandis qu'un autre fait remonter sa passion à ses années d'école, expliquant : « Les peintres impressionnistes ont eu un impact majeur sur moi, en particulier Claude Monet. J'ai toujours voulu que mon jardin ressemble à l'une de ses toiles. » Pour d'autres, l'œuvre fait figure de refuge : un admirateur note que « ses bleus et ses verts sont si apaisants », tandis qu'un autre confie : « Elle me transporte dans le Giverny de Monet… posséder ce tableau me permettrait d'y retourner à chaque fois que je le regarde. » À travers ces témoignages, les « Water Lilies » deviennent une méditation sur la mémoire, offrant à ceux qui les contemplent une pause sereine et un moment de réflexion. »

En quatrième position figure l'ancienne statue hellénistique « La Victoire de Samothrace », une sculpture en marbre dont la posture évoque l'ivresse du triomphe. Probablement réalisée vers 190 av. J.-C. au lendemain d'une victoire navale rhodienne, elle couronnait à l'origine la proue d'un navire de guerre commémoré dans le sanctuaire insulaire de Samothrace. Désormais installée sur une partie de la proue d'un navire antique au Louvre, la forme de marbre de Niké s'élance à près de 5,50 mètres de haut, ses ailes reconstituées se déployant dans un geste triomphal. Un souffle de vent sculpté anime ses vêtements ; les plis lourds qui drapent son corps dissimulent et révèlent à la fois sa silhouette, conférant à la déesse une intensité saisissante, suspendue entre la fureur du combat et la gloire de la victoire.

Bien que « La Victoire de Samothrace » se soit classée huitième dans notre classement mondial, elle n'apparaît que dans le Top 10 américain et est absente du Top 10 britannique, soulignant un engouement particulièrement marqué aux États-Unis pour sa beauté fragmentée et défiante. Ici, 82,4 % des acquéreurs potentiels s'identifient comme des femmes, tandis que les hommes représentent 17,6 % de ses admirateurs. La génération X domine le profil d'âge avec 29,4 %, alors que les Millennials, la génération Z et les Baby-Boomers représentent chacun 23,5 %. Qu'un emblème aussi puissant de la guerre antique séduise majoritairement les femmes peut surprendre au premier abord, les statues de la victoire ayant été historiquement érigées par et pour des conquérants masculins. Pourtant, « La Victoire de Samothrace » résiste aux récits de conquête simplistes. Dépourvue de tête et de bras, elle s'impose non comme un symbole de domination, mais de persistance : marquée par les combats et battue par les vents, elle reste animée par le mouvement et la grâce. C'est peut-être cette force, qui ne dépend pas de l'intégrité physique, qui résonne si vivement chez les spectatrices. Dans une culture où l'on attend souvent des femmes qu'elles atténuent leur résilience, la présence sans concession de Niké s'affirme comme une icône de la victoire féminine.

Pour de nombreux Américains, l'absence de tête et de bras de la statue n'est pas un défaut, mais une source de puissance. Un répondant se souvient avoir été « époustouflé » lors de sa première visite, tandis qu'un autre admet : « Je l'aime surtout parce qu'elle est "brisée" ; je pense qu'elle en est rendue plus belle. » Les admirateurs s'émerveillent souvent du réalisme de ses drapés : « Le rendu des drapés et la précision dans la pierre sont stupéfiants », souligne l'un d'eux, tandis qu'un autre confie : « Je suis resté à l'observer pendant des heures au lieu de visiter le reste du Louvre. » Par ailleurs, l'héritage de Niké perdure dans la culture contemporaine : son nom, qui signifie « victoire », a été largement adopté par le géant américain de l'équipement sportif, cimentant sa place non seulement dans l'histoire de l'art, mais aussi dans le quotidien. Dans le récit culturel américain, où la réinvention est une valeur primordiale, l'élégance brisée de Niké témoigne d'une volonté collective de persévérer et de triompher.

Classée cinquième par les répondants américains, l'œuvre « Christina’s World » (1948) d'Andrew Wyeth transforme un coteau balayé par les vents du Maine en emblème de la persévérance américaine. Au centre se trouve Anna Christina Olson, voisine de l'artiste atteinte d'une maladie musculaire dégénérative. Sur l'image, son corps est soutenu par des bras fragiles alors qu'elle rampe à travers les herbes dorées vers une ferme lointaine. Le point de vue bas de la peinture nous invite à partager la lutte de Christina ; bien que son visage reste détourné, sa posture rigide et l'étendue aride qui l'entoure témoignent de la volonté humaine face à l'adversité.

Wyeth a peint « Christina’s World » à une époque où l'Amérique d'après-guerre se redéfinissait. La ferme solitaire évoque la mythologie de la frontière de la jeune nation, sa promesse d'indépendance et d'autonomie ancrée dans ce vaste paysage. Pourtant, Wyeth tempère ce mythe par un courant sous-jacent d'inquiétude moderne : la progression laborieuse de Christina à travers ce champ reflète la futilité du dessein dans un monde d'après-guerre parfois indifférent. Son regard tourné vers l'avant témoigne d'aspirations universelles à la connexion, à la mémoire et au sentiment d'appartenance.

Parmi les admirateurs américains, 68,8 % s'identifiaient comme femmes, et 50 % des votants étaient des Millennials. Pour beaucoup, « Christina’s World » fait écho aux négociations quotidiennes entre force et vulnérabilité ; un répondant confie : « elle suscite un sentiment de solitude et de détermination », tandis que d'autres la trouvent « d'une beauté obsédante, empreinte d'une profonde tristesse qui résonne en moi ».

Dans la culture populaire, « Christina’s World » est devenu synonyme de solitude et d'espoir. Sa composition aurait inspiré la scène de la maison abandonnée de Jenny dans « Forrest Gump », et l'Olson House, désormais classée National Historic Landmark, peut être visitée par l'intermédiaire du Farnsworth Art Museum.

Sandro Botticelli, avec « La Naissance de Vénus » (v. 1486), occupe la sixième place des œuvres que les Américains souhaitent le plus posséder. Botticelli y réinterprète le mythe classique de la naissance de Vénus : la déesse de l’amour et de la beauté, nue si l’on excepte sa chevelure en cascade, se tient debout sur une coquille Saint-Jacques dérivant vers le rivage sur une mer turquoise. À sa gauche, Zéphyr et Aura insufflent la brise marine, dispersant des roses au-dessus d’elle, tandis qu’à sa droite, l’une des Heures (déesses des saisons) l’attend pour revêtir Vénus d’un manteau de fleurs printanières. Vénus incarne une pureté érotique, sa posture inspirée de la statuaire antique étant empreinte du style linéaire caractéristique de l’artiste.

Aux États-Unis, 65 % des admirateurs sont des femmes, et les Millennials ainsi que la génération X représentent la plus grande part du vote générationnel (35,3 % chacun). Pour les Américains, l’émergence de Vénus, du chaos vers une beauté ordonnée, fait peut-être écho au propre récit de réinvention et d’élévation de la nation. Un répondant explique comment Botticelli « avait une manière de dépeindre les femmes comme des êtres éthérés empreints de légèreté », tandis qu’un autre confie : « Je suis fasciné par sa grâce divine, par la façon dont chaque pli de tissu et chaque pétale semblent à la fois réels et surnaturels. »

La Vénus de Botticelli a quitté les murs des Offices pour devenir un élément récurrent de la culture populaire. En 1984, la série Renaissance Paintings d’Andy Warhol la transforme en icône pop, et elle est constamment citée dans la musique : de la chanson « White Elephant » de Nick Cave et Warren Ellis au clip vidéo de « Applause » de Lady Gaga, où le soutien-gorge en coquillage et la perruque platine de la chanteuse font d’elle une Vénus vivante. La Vénus de Botticelli apparaît également sur la pochette de l’album Artpop de Lady Gaga en 2013, réinventée sous le regard facétieux de Jeff Koons. Même The New Yorker a repris son image à deux reprises, nous rappelant que l’idéal de Botticelli demeure une icône à travers les époques.

À la septième place figure « Le Jardin des délices » (v. 1490–1500) de Jérôme Bosch, qui fait irruption sur la toile sous la forme d'un panorama à l'imagination débordante, illustrant la tentation de l'Éden. Sur le panneau central, des figures nues se prélassent au milieu de fruits surdimensionnés, d'architectures fragmentées et de créatures surréalistes – un « Où est Charlie surréaliste de la dépravation », comme l'a délicieusement formulé un répondant.

Au premier abord, le triptyque de Bosch peut sembler être une bacchanale de luxure et d'excès, mais plus on l'observe, plus il révèle l'ambition et la folie humaines. Hommes et femmes dérivent au milieu de fontaines carnivores, chevauchent des bêtes hybrides et dégustent des fraises démesurées, symboles de plaisir charnel. « Cela éveille toutes sortes d'émotions en moi », explique un admirateur, « on pourrait l'observer pendant des semaines sans jamais cesser d'y découvrir de nouveaux détails. » Peut-être les amateurs d'art américains perçoivent-ils cette œuvre comme le reflet de la propre danse de l'Amérique entre aspirations morales et appétits ambitieux.

Aux États-Unis, près de 69 % des personnes ayant sélectionné « Le Jardin des délices » de Bosch s'identifient comme des femmes, et la moitié sont des Millennials, la génération Z représentant 25 % supplémentaires. Les admirateurs célèbrent les « multiples couches narratives » de la peinture et ses « êtres sauvages et imaginatifs ». Un fan s'émerveille du fait qu'« il y a toujours quelque chose d'étrange et de nouveau à explorer », tandis qu'un autre qualifie l'œuvre de « voyage spirituel à chaque perception », notant que « quel que soit le temps passé à l'observer, je découvre toujours une nouvelle créature à l'aspect sauvage ». Ils saluent en Bosch un « visionnaire de son temps », soulignant combien ce triptyque « transcende la beauté pour la beauté et exige toute notre attention ».

Dans son essence, le panneau central du « Jardin » propose une allégorie prémonitoire : un faux paradis où règnent luxure, gourmandise et vanité, pour finalement culminer dans les cauchemars de l'Enfer. C'est ce mélange de grotesque et de fantaisie qui séduit aujourd'hui. En se confrontant aux scènes à l'imagination sauvage de Bosch, les spectateurs s'embarquent pour un voyage personnel à travers le désir et l'effroi, trouvant dans chaque détail minuscule un tableau de la complexité humaine qui continue de captiver et de déconcerter.

Élue huitième œuvre la plus prisée aux États-Unis et au Royaume-Uni (et septième œuvre la plus aimée à l’échelle mondiale), « Ophélie » (1851–1852) de Sir John Everett Millais demeure l'une des images les plus emblématiques de la beauté tragique dans l’art occidental. L'héroïne shakespearienne condamnée flotte dans un cours d'eau au lent débit ; son visage pâle et ses bras étendus sont encadrés par une exquise variété de fleurs sauvages, chacune peinte avec l'exactitude préraphaélite. Millais a passé des mois sur place dans le Surrey pour créer un tableau où la vitalité de la nature se heurte à l'immobilité d'Ophélie.

Près de 70 % des admirateurs américains étaient des femmes, principalement des membres de la génération Y (46,2 %), et leurs réactions révèlent une profonde empathie pour la dualité entre tristesse et sérénité qui émane d'Ophélie. Une personne interrogée note : « C’est paisible et romantique, mais il y a une part de tristesse... Ophélie est d'une beauté pure. » Une autre loue sa « qualité éthérée », rappelant qu’elle « parle à mon âme ». Un amateur d’art confie : « Bien qu’il s’agisse du dernier moment d’Ophélie, elle semble sereine et angélique... elle paraît en paix. » Peut-être la figure immergée d’Ophélie reflète-t-elle le sentiment de dérive que tant de personnes ressentent sous la surface de la vie moderne.

Gustav Klimt, avec « The Kiss » (1907-1908), se classe neuvième au classement américain, contre une cinquième place au Royaume-Uni et une troisième place mondiale. Peinte durant la célèbre période dorée de Klimt, l’œuvre fusionne les techniques de la mosaïque byzantine avec les lignes décoratives de l’Art nouveau. Le couple enlacé se tient sur un tapis de fleurs, leurs corps fusionnant en une forme unique aux motifs entrelacés. La robe de la figure masculine, ornée de rectangles austères, contraste avec la tenue tourbillonnante de la femme, parsemée de roses et de cercles ; pourtant, leurs silhouettes se dissolvent au point de rencontre, suggérant une union qui transcende l’identité individuelle. Au sein de ce sanctuaire d’ornement et de chair, la pose du couple évoque une dévotion sacrée, l’homme se penchant pour déposer un baiser tendre sur la joue de la femme, qui se penche en arrière dans un geste d’abandon.

Aux États-Unis, plus de 90 % des répondants ayant choisi cette œuvre s’identifient comme étant de sexe féminin, et la génération X arrive largement en tête avec 63,6 %. Un admirateur témoigne : « “The Kiss” évoque un sentiment si intense et une telle histoire sur la connexion humaine et l’évolution de l’amour… c’est un rappel du sens de la vie. » Une autre personne avoue se sentir « perdue dans sa palette éthérée et vibrante », notant : « On peut ressentir l’amour, la paix. » Dans un monde qui peut parfois encadrer l’intimité, « The Kiss » de Klimt offre un refuge. Comme le résume un répondant : « Il s’agit d’une femme qui sait qu’elle est aimée comme il se doit. »

L’héritage de « The Kiss » s’étend bien au-delà des murs du Belvedere de Vienne. Les amants dorés de Klimt se sont infiltrés dans la mode, le cinéma et le design, devenant un raccourci culturel pour la tendresse et la transcendance. De manière peut-être plus saisissante, dans une scène du film « Shutter Island » de Martin Scorsese, le protagoniste rêve de son appartement en flammes, où il se tient avec sa femme dans une étreinte désespérée. Alors qu’il presse son visage contre le sien par-derrière, elle se désagrège en cendres dans ses bras – une sombre inversion de l’étreinte de Klimt. La présence de l’œuvre dans la culture populaire témoigne de la manière dont « The Kiss » perdure en tant que symbole de l’intimité dans ce qu’elle a de plus fragile.

« Jean‑Honoré Fragonard » et son œuvre The Swing (1767) occupent la dernière place, forts de leur mélange grisant de malice, de sensualité et d’excès rococo. Une jeune femme, vêtue d’une robe en soie volumineuse, s’élance dans les airs sur une balançoire suspendue à une branche feuillue. Son soulier, propulsé par son élan, dessine un arc vers un Cupidon de marbre dont le doigt sur les lèvres souligne la nature clandestine de cette scène de séduction. En contrebas, un soupirant dissimulé regarde sous sa jupe, tandis que le mari, plus âgé, tire les cordes dans une complicité innocente.

Aux États-Unis, 90 % des admirateurs de The Swing sont des femmes, équitablement réparties entre les générations Millennials et Z. Les personnes interrogées apprécient son récit « ludique » et sa tension « insolente ». Une admiratrice s’enthousiasme : « C’est à la fois si fantaisiste et si espiègle. On remarque d’abord la belle dame en rose, puis on aperçoit l’homme caché qui observe, comme si nous avions un aperçu d’une vie secrète et amusante. » Une autre observe : « L’œuvre est visuellement saisissante et raconte une histoire pleine d’esprit. Il s’en dégage une certaine légèreté que je trouve très séduisante. »

Fragonard multiplie les jeux de mots visuels dans toute la composition : le soulier en plein vol symbolise à la fois la libération et l’invitation érotique ; la statue de Cupidon, inspirée du L’Amour menaçant de Falconet, suggère une intimité conspiratrice, tandis que les roses en abondance font écho au mollet exposé de la dame, liant sa fertilité à la profusion de la nature. Même le râteau abandonné et le chien qui aboie évoquent un désordre domestique, une ode à la force irrésistible du désir. Les Américains voient dans The Swing une image de femmes s’appropriant leur plaisir et leur insouciance ; « Les détails sont incroyables, et l’histoire racontée est si intrigante et scandaleuse. J’ai l’impression de partager un secret », écrit une admiratrice, tandis qu’une autre ajoute : « Le simple fait de la regarder me rend heureuse. »

L’influence de The Swing s’étend à la mode et au cinéma. Dans le film La Reine des neiges de Disney, Anna s’arrête devant un portrait pour imiter la pose emblématique de The Swing. Sur les podiums, Vivienne Westwood a fait écho à sa silhouette rose bouillonnante, tandis que le créateur de mode espagnol Manolo Blahnik a conçu des souliers et des talons inspirés de l’œuvre de Fragonard.

The Swing demeure un rappel exubérant du pouvoir de l’art à ravir et à provoquer. Comme l’a souligné un répondant : « C’est l’exemple parfait de la manière dont, avant l’invention de l’appareil photo, les gens utilisaient la peinture pour raconter des histoires ou des potins. Je pense que c’est ainsi qu’ils “déballaient leur sac”, et j’adore ça. »