Les 10 œuvres d'art que les Américains rêvent de posséder

Lancée au niveau mondial sur une période de deux semaines début 2025, notre enquête a recueilli 7 500 réponses ouvertes provenant de 70 pays pour révéler les raisons pour lesquelles les gens choisissent les œuvres qu'ils Love. Aux États-Unis, les répondants étaient composées à 57 % de femmes, 38 % d'hommes et 3 % de personnes non binaires. Dans le trio de tête des œuvres préférées des Américains figuraient Starry Night de Vincent Van Gogh, Nighthawks d'Edward Hopper et Water Lilies de Claude Monet.

Deux œuvres propres aux votants américains figurent dans le Top 10 des États-Unis, bien qu'elles aient à peine été mentionnées par les personnes interrogées au Royaume-Uni : The Swing de Jean-Honoré Fragonard et la Winged Victory of Samothrace. Ces œuvres suggèrent un goût typiquement américain pour l'art qui met en équilibre des forces opposées : mouvement et immobilité, spectacle et réconfort, perfection et son propre déclin. Le classement américain partage des favoris mondiaux comme Starry Night et Ophelia, mais privilégie davantage les œuvres qui reflètent les angoisses et les ambitions collectives.

En tête du classement américain se trouve le chef-d’œuvre de Vincent van Gogh datant de 1889, La Nuit étoilée, ce qui reflète sa popularité sur la scène mondiale – où il a été cité près de deux fois plus souvent que le deuxième choix le plus populaire. Peinte durant ses mois tumultueux à l’asile de Saint-Rémy, la toile transforme une scène nocturne en une symphonie extatique d’astres palpitants et de bleus tourbillonnants. Simultanément, le village paisible en contrebas apporte un contrepoint de stabilité. C’est peut-être cette tension entre le ciel agité et la terre ancrée qui parle si puissamment aux Américains : à une époque d'incertitude, nous aspirons à trouver un point d'ancrage dans les moments de bouleversement.

Au cœur de cette tapisserie de lumière et d’ombre, les spectateurs trouvent à la fois catharsis et calme. « C’est emblématique. C’est une peinture parfaite », note un admirateur, tandis qu’un autre observe : « Les coups de pinceau révèlent une tristesse, mais aussi un sentiment de sérénité. Le Night Sky peut parfois être un endroit effrayant, mais avec ses étoiles qui brillent intensément, on se sent presque détendu. »

Parmi ceux qui trouvent du réconfort dans les nuances tourbillonnantes de Van Gogh : 60 % s’identifient comme femmes, 36 % comme hommes et 4 % comme non-binaires. Les Millennials dominent le vote (44 %), suivis par les Baby-Boomers (28 %) et la Génération X (20 %). Cependant, la Gen Z américaine semble avoir des goûts différents, cette tranche démographique ne représentant que 8 % des votes. Un participant se souvient : « Ce fut la première œuvre d'art qui m’a fait m’arrêter et réfléchir. J’avais une estampe de ce tableau près de mon lit et je fixais les volutes en imaginant de véritables étoiles tourbillonner dans les cieux en France. » Dans la culture trépidante d'aujourd'hui, La Nuit étoilée offre un espace de réflexion : ses touches énergiques font écho à nos mondes intérieurs agités, tandis que son village tranquille procure le refuge que nous recherchons si ardemment.

En troisième position se trouve Claude Monet avec ses Nymphéas, une œuvre réalisée dans le cadre de ses explorations tardives de son étang de Giverny. Dès 1914, Monet avait entièrement reporté son regard sur la surface de son bassin, ignorant les lignes d'horizon et inclinant la toile de sorte qu'elle devienne une mosaïque flottante de fleurs, de feuilles et de lumière réfléchie. Il en résulte une série de tableaux dépourvus de gravité ou de narration, où le temps semble suspendu, et où le spectateur devient autant un participant qu'un observateur.

Aux États-Unis, les admirateurs des Nymphéas sont majoritairement des femmes (66,7 %), les hommes (22,2 %), les personnes non binaires (5,6 %) et les autres (5,6 %) complétant le tableau. En termes générationnels, les Milléniaux sont en tête avec 38,9 %, suivis par la Gen Z à 27,8 %, puis la Gen X et les Baby-Boomers à 16,7 % chacune – des chiffres qui suggèrent un besoin partagé de répit. Un votant se souvient : « Quand je le regarde, je me sens immergé dans son atmosphère éthérée… j'ai l'impression d'être avec le lac et les nymphéas », tandis qu'un autre fait remonter sa passion à ses années d'école, expliquant que « les peintres impressionnistes ont eu un impact énorme sur moi, surtout Claude Monet. J'ai toujours voulu que mon jardin ressemble à l'une de ses toiles ». Pour d'autres, l'œuvre est un refuge : un admirateur note que « ses bleus et ses verts sont si apaisants », tandis qu'un autre confie qu'elle « me transporte dans le Giverny de Monet… posséder ce tableau me permettrait d'y aller à chaque fois que je la regarde ». Dans ces réflexions, Water Lillies devient une méditation sur la mémoire, offrant à ceux qui la contemplent une pause sereine et une occasion de réflexion.

En quatrième position se trouve l'ancienne statue hellénistique, La Victoire de Samothrace, une sculpture en marbre dont la posture évoque l'exaltation du triomphe. On pense qu'elle a été créée vers 190 avant J.-C. à la suite d'une victoire navale rhodienne ; elle couronnait à l'origine la proue d'un navire de guerre érigé en mémorial sur le sanctuaire insulaire de Samothrace. Aujourd'hui, juchée au sommet d'une partie de la proue d'un ancien navire de guerre au Musée du Louvre, la forme en marbre de Nike s'élève sur près de cinq mètres et demi, ses ailes reconstituées se déployant dans un geste triomphal. Une bourrasque de vent sculptée anime ses vêtements, dont les lourds plis sont tirés sur son corps de manière à la fois dissimuler et révéler sa silhouette, conférant à la déesse un instant d'intensité haletante entre la fureur de la bataille et sa victoire éclatante.

Bien que La Victoire de Samothrace se classe huitième dans notre classement mondial, elle n'apparaît que dans le Top 10 américain et est absente du Top 10 britannique ; ce qui souligne un attrait particulièrement américain pour sa beauté fracturée et rebelle. Ici, 82,4 % de ceux qui souhaiteraient en être propriétaires s'identifient comme des femmes, les hommes constituant 17,6 % de ses admirateurs. La génération X domine le profil d'âge avec 29,4 %, tandis que les Millennials, la génération Z et les Baby-boomers représentent chacun 23,5 %. Le fait qu'un emblème aussi puissant de la guerre classique séduise massivement les femmes peut sembler surprenant au premier abord – les statues de victoire étaient historiquement érigées par et pour les conquérants masculins. Pourtant, La Victoire de Samothrace résiste aux récits de conquête faciles. Sans tête ni bras, elle s'impose comme un symbole non pas de domination, mais de persévérance : balafrée par la bataille, fouettée par le vent, elle est toujours animée par le mouvement et la grâce. C'est cette combinaison de force qui ne dépend pas de l'intégrité qui parle peut-être si vivement aux spectatrices. Dans une culture où l'on attend si souvent des femmes qu'elles atténuent leur résilience, la présence assumée de Nike s'érige en icône de la victoire féminine.

Pour beaucoup d'Américains, la posture sans tête ni bras de la statue n'est pas un défaut, mais une source de puissance. Un répondant se souvient avoir été « époustouflé » lors de sa première vision, tandis qu'un autre admet : « Je l'aime surtout parce qu'elle est « cassée », je pense qu'elle est rendue plus belle à cause de cela. » Les admirateurs s'émerveillent souvent du réalisme de son drapé ; « le drapé et le détail dans la pierre sont époustouflants », dit un admirateur, tandis qu'un autre avoue : « J'ai passé des heures à la regarder au lieu de visiter le Louvre. » De plus, l'héritage de Nike perdure dans la culture contemporaine : son nom, qui signifie « victoire », a été tristement adopté par le titan américain des vêtements de sport, consolidant sa place non seulement dans l'histoire de l'art, mais aussi dans la vie quotidienne. Dans le récit culturel américain, où la réinvention est prisée, l'élégance brisée de Nike témoigne d'une volonté collective d'endurer et de triompher.

Classé cinquième parmi les répondants américains, Christina’s World (1948) d'Andrew Wyeth transforme une colline balayée par le vent du Maine en un emblème de la persévérance américaine. Au centre se trouve Anna Christina Olson, la voisine de Wyeth qui souffrait d'un trouble musculaire dégénératif. Dans l'image, son corps est appuyé sur des bras fragiles tandis qu'elle rampe à travers des herbes dorées vers une ferme lointaine. Le point de vue bas du tableau nous invite à partager la lutte de Christina, et bien que son visage reste tourné vers l'arrière, sa posture rigide et l'étendue désolée autour d'elle témoignent de la volonté humaine face à l'adversité.

Wyeth a peint Christina’s World à un moment où l'Amérique de l'après-guerre se redéfinissait. La ferme isolée évoque la mythologie de la frontière de la jeune nation, sa promesse d'indépendance et d'autonomie ancrée dans le vaste paysage. Pourtant, Wyeth tempère ce mythe avec un courant sous-jacent de malaise moderne : la progression pénible de Christina à travers ce champ reflète la futilité d'un objectif dans un monde d'après-guerre qui peut sembler indifférent. Son regard vers l'avant exprime les aspirations universelles à la connexion, à la mémoire et à un lieu auquel appartenir.

Parmi les admirateurs américains, 68,8 % s'identifiaient comme femmes, et 50 % des votants étaient des Millennials. Pour beaucoup, Christina’s World rappelle les négociations quotidiennes entre force et vulnérabilité, un répondant partageant : « il vous fait ressentir la solitude et la détermination », tandis que d'autres la trouvent « d'une beauté obsédante, il y a un sentiment de tristesse profond qui résonne en moi ».

Dans la culture populaire, Christina’s World en est venue à symboliser la solitude et l'espoir. Sa composition aurait inspiré la scène de la maison abandonnée de Jenny dans Forrest Gump, et la maison Olson – aujourd'hui un site historique national – peut être visitée via le Farnsworth Art Museum.

La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli (vers 1486) occupe la sixième place des œuvres que les Américains souhaitent le plus posséder. Ici, Botticelli réimagine le mythe classique de la naissance de Vénus : la déesse de l'amour et de la beauté est nue, à l'exception de sa chevelure abondante, et se tient sur un coquillage qui dérive vers le rivage sur une mer turquoise. À sa gauche, Zéphyr et Aura insufflent la brise marine, leur souffle dispersant des roses au-dessus de sa tête, tandis qu'à droite, l'une des Heures (déesses des saisons) attend, drapant Vénus d'un manteau de fleurs printanières. Vénus incarne une pureté érotique, sa pose est inspirée de la statuaire antique mais imprégnée du style linéaire caractéristique de l'artiste.

Aux États-Unis, 65 % des admirateurs sont des femmes, et les Milléniaux et la génération X se partagent le plus grand vote générationnel (35,3 % chacune). Peut-être que pour les Américains, l'émergence de Vénus du chaos vers une beauté ordonnée fait écho au récit national de réinvention et d'élévation. Un répondant explique que Botticelli « savait représenter les femmes comme des êtres éthérés, légers », tandis qu'un autre avoue : « Je suis fasciné par sa grâce divine, par la façon dont chaque pli du tissu et chaque pétale semblent à la fois réels et surnaturels. »

La Vénus de Botticelli a quitté les murs de l'Uffizi pour devenir un élément récurrent de la culture populaire. En 1984, la série Renaissance Paintings d'Andy Warhol la reconfigure en icône pop, et elle est constamment citée dans la musique : de la chanson « White Elephant » de Nick Cave et Warren Ellis au clip « Applause » de Lady Gaga, où le soutien-gorge en coquillage et la perruque platine de Gaga la transforment en Vénus vivante. La Vénus de Botticelli figure également sur la couverture de l'album Artpop de Gaga en 2013, réinventée sous le regard espiègle de Jeff Koons. Même The New Yorker s'est amusé de son image à deux reprises, nous rappelant que l'idéal de Botticelli demeure une icône à travers les époques.

En septième position arrive Le Jardin des délices (vers 1490–1500) de Hieronymus Bosch, une fresque au panorama d’une imagination débridée dépeignant la tentation de l’Éden. Dans le panneau central, des figures nues se prélassent au milieu de fruits surdimensionnés, d’architectures fragmentées et de créatures surréalistes – un « Où est Charlie de la débauche » surréaliste, comme l’a joliment formulé un interrogé.

Au premier abord, le triptyque de Bosch pourrait ressembler à une bacchanale de luxure et d’excès, mais plus on le regarde, plus il révèle l’ambition et la folie humaines. Des hommes et des femmes dérivent à travers des fontaines carnivores, chevauchent des bêtes hybrides et dégustent des fraises démesurées, symboles du plaisir charnel. « Il éveille toutes mes émotions », explique un admirateur. « On pourrait le regarder pendant des semaines et découvrir quelque chose que l’on a manqué. » Peut-être que les amateurs d’art américains voient dans cette œuvre le reflet de la propre oscillation de l’Amérique entre l’aspiration morale et l’appétit démesuré.

Aux États-Unis, près de 69 % des personnes ayant choisi Le Jardin des délices de Bosch se sont identifiées comme femmes, la moitié d’entre elles étant des Milléniaux, la génération Z représentant 25 % supplémentaires. Les admirateurs célèbrent les « multiples niveaux de sujets » du tableau ainsi que ses « êtres sauvages et imaginatifs ». Un fan s’émerveille qu’« il y ait toujours quelque chose de bizarre et de nouveau à explorer », tandis qu’un autre le qualifie de « voyage spirituel à chaque fois que l’on pose les yeux dessus », notant que « peu importe combien de temps je le regarde, je découvre toujours une nouvelle créature à l’allure étrange ». Ils louent Bosch comme « un penseur en avance sur son temps », citant la manière dont ce triptyque « dépasse la beauté pour la beauté et exige l’attention ».

Au fond, le panneau central du Jardin offre une allégorie édifiante : un faux paradis où règnent la luxure, la gourmandise et la vanité, pour finalement aboutir aux cauchemars de l’Enfer. C’est ce mélange de grotesque et d’excentricité qui séduit aujourd’hui. En confrontant les scènes d’une imagination débordante de Bosch, les spectateurs s’engagent dans un cheminement personnel à travers le désir et la crainte, trouvant dans chaque détail minuscule un tableau de la complexité humaine qui continue de captiver et de déconcerter.

Élue œuvre d'art la huitième plus désirable aux États-Unis et au Royaume-Uni (et la septième plus aimée au niveau mondial), Ophelia (1851-52) de Sir John Everett Millais demeure l'une des images les plus emblématiques de la beauté tragique dans l'art occidental. L'héroïne condamnée de Shakespeare flotte dans un cours d'eau lent, son visage pâle et ses bras tendus encadrés par une exquise variété de fleurs sauvages, chacune peinte avec l'exactitude préraphaélite. Millais a passé des mois sur place dans le Surrey pour créer un tableau où la vitalité de la nature entre en collision avec l'immobilité d'Ophelia.

Près de 70 % des admirateurs américains étaient des femmes, principalement des Milléniaux (46,2 %), et leurs réactions révèlent une profonde empathie pour la dualité de chagrin et de sérénité d'Ophelia. Un répondant note : « C'est paisible et romantique, mais il y a de la tristesse dedans… Ophelia est juste une beauté pure. » Un autre loue la « qualité éthérée », se souvenant que l'œuvre « parle à mon âme ». Un amateur d'art partage : « Même si c'est le dernier moment d'Ophelia, elle semble sereine et angélique… elle a l'air en paix. » Peut-être que la figure submergée d'Ophelia reflète le sentiment de tant de personnes qui se sentent à la dérive sous la surface de la vie moderne.

Le Baiser (1907-08) de Gustav Klimt occupe la neuvième place dans le classement américain, contre la cinquième place au Royaume-Uni et la troisième place mondiale. Peinte durant la célèbre Période dorée de Klimt, l'œuvre fusionne les techniques de la mosaïque byzantine avec les lignes décoratives de l'Art Nouveau. Le couple enlacé se tient sur un tapis de fleurs, leurs corps convergeant en une seule forme ornementée. La robe de la figure masculine, couverte de rectangles austères, contraste avec la robe tourbillonnante de fleurs et de cercles de la femme, mais les deux se dissolvent au point de leur rencontre, suggérant une union qui transcende l'identité individuelle. Dans ce sanctuaire d'ornement et de chair, la pose du couple évoque une dévotion sacrée tandis que l'homme se penche pour poser un baiser tendre sur la joue de la femme, et que celle-ci se penche en arrière dans un geste d'abandon.

Pour les spectateurs américains, plus de 90 % des personnes interrogées qui ont choisi cette œuvre s'identifiaient comme femmes, et la Génération X menait de manière décisive avec 63,6 %. Un admirateur décrit : « Le Baiser évoque un sentiment et une histoire si intenses dans mon esprit concernant la connexion humaine et l'évolution de l'amour… c'est un rappel de la signification de la vie. » Une autre confie avoir été « perdue dans sa palette éthérée et vibrante », notant : « On peut sentir l'amour, la paix. » Dans un monde qui peut réglementer l'intimité, Le Baiser de Klimt offre un sanctuaire. Comme l'exprime une personne interrogée : « Il s'agit d'une femme qui sait qu'elle est aimée tendrement ».

L'héritage du Baiser s'étend au-delà des murs du Belvédère de Vienne. Les amants dorés de Klimt ont imprégné la mode, le cinéma et le design, devenant un raccourci culturel pour la tendresse et la transcendance. Plus troublant peut-être, dans une scène du film Shutter Island de Martin Scorsese, le protagoniste rêve de son appartement en feu, où lui et sa femme se tiennent verrouillés dans une étreinte désespérée. Alors qu'il presse son visage contre le sien par derrière, elle s'effrite en cendres dans ses bras – une inversion sombre de l'étreinte de Klimt. La présence de l'œuvre dans la culture populaire témoigne de la façon dont Le Baiser perdure en tant que symbole de l'intimité dans ce qu'elle a de plus fragile.

Le Baiser à l’improviste (1767) de Jean-Honoré Fragonard clôt la liste avec son mélange enivrant de malice, de sensualité et d’excès rococo. Une jeune femme, vêtue d’une volumineuse robe de soie, s’élance en l’air sur une balançoire suspendue à une branche feuillue. Sa pantoufle – envolée sous l’effet de l’élan – dessine un arc de cercle vers un Cupidon de marbre, dont le doigt sur les lèvres fait un clin d’œil à la flirtation clandestine du tableau. En bas, un soupirant caché regarde sous sa jupe, tandis que le vieux mari de la femme tire les cordes en une complicité innocente.

Aux États-Unis, 90 % des admirateurs de The Swing étaient des femmes, réparties équitablement entre les Milléniaux et la génération Z. Les personnes interrogées apprécient son récit « enjoué » et sa tension « effrontée ». Un fan s’enthousiasme : « C’est si fantaisiste mais tellement coquin en même temps. On voit d’abord la belle dame en rose, puis on aperçoit l’homme caché qui regarde, comme si on avait un aperçu d’une vie secrète et amusante. » Un autre fait remarquer : « C’est visuellement époustouflant et cela raconte une histoire pleine de jeu. Il y a une légèreté certaine que je trouve très séduisante."

Fragonard superpose des jeux de mots visuels dans toute la scène : la pantoufle en plein vol symbolise à la fois la libération et l’invitation érotique ; la statue de Cupidon, inspirée du Seated Cupid de Falconet, signale une intimité complice, et les roses envahissantes font écho au mollet exposé de la dame, liant sa fertilité à l’abondance de la nature. Même le râteau abandonné et le chien qui aboie (Barking Dog) font allusion au désordre domestique – une ode à la force irrésistible du désir. Les Américains voient dans The Swing une image de femmes assumant leur plaisir et leur espièglerie ; « Les détails sont incroyables, et l’histoire qu’il raconte est si intrigante et scandaleuse. J’ai l’impression de faire partie d’un secret », écrit un admirateur, tandis qu’un autre confie : « Il me rend simplement heureux de le regarder."

L’influence de The Swing s’étend à la mode et au cinéma. Dans Frozen de Disney, Anna s’arrête devant un portrait de galerie pour imiter la pose iconique de The Swing. Sur les podiums, Vivienne Westwood a repris sa silhouette rose et bouffante, tandis que le créateur de chaussures espagnol Manolo Blahnik a dessiné des pantoufles et des talons inspirés des œuvres de Fragonard.

The Swing demeure un rappel exubérant du pouvoir de l’art à charmer et à provoquer. Comme l’a dit une personne interrogée : « C’est l’exemple parfait de la manière dont, avant les appareils photo, les gens utilisaient les tableaux pour raconter des histoires ou colporter des ragots. Je pense que c’est ainsi qu’ils « crachaient le morceau » (spill the tea), et j’adore ça."