L'évolution des palettes de couleurs de Bridget Riley

La palette monochrome de Bridget Riley

En utilisant le noir et blanc, Riley a créé des motifs qui interagissaient continuellement avec la perception de ses spectateurs. À l'origine, c'est Movement In Squares qui a révélé son génie, illustrant comment des palettes de couleurs simples pouvaient créer de profondes sensations visuelles. Dans ces motifs, les spectateurs faisaient l'expérience d'illusions de mouvement et de profondeur, sans aucune distraction due à la complexité des couleurs. Avec le temps, d'autres compositions en noir et blanc de Riley, comme Shift et Untitled (Diagonal Curve), se sont avérées être des actifs de collection précieux compte tenu de leur place dans les meilleurs prix d'adjudication de Riley.

Fait intéressant, la phase monochrome délibérée de Riley peut être perçue comme une période de contrainte, qui a finalement alimenté sa créativité. Peut-être cherchait-elle à dissimuler ses émotions dans ses premières œuvres, visant un détachement où son art se tenait de manière autonome.

La Transition de Bridget Riley vers la Couleur

Au fil des années 1960, Riley a commencé à s'éloigner de ses motifs monochromes emblématiques, marquant une nouvelle phase dans sa pratique artistique. Au début, son incursion dans la couleur s'est traduite par une exploration prudente. Plutôt qu'une explosion soudaine de teintes vibrantes, elle a introduit subtilement des nuances plus douces, révélant sa réflexion approfondie et son examen minutieux de la manière d'intégrer la couleur sans perdre l'essence de ses œuvres.

Avant d'introduire complètement une nouvelle palette, Nineteen Grey’s de Riley se présentait comme une salle d’attente. Là où Fragment était uniquement en noir et blanc, elle créait désormais des traces métalliques et scintillantes d’argent grâce à son utilisation de la couleur, avec des tons manifestement gris et blancs, mais aussi une nuance de bleu intrigante, illustrée dans Nineteen Greys A. Ce mélange n'a pas seulement enrichi son vocabulaire chromatique, il a également marqué un dialogue évolutif entre les contrastes et les subtiles complexités de sa nouvelle exploration de la couleur.

Le passage de Bridget Riley du monochrome

La fin des années 1960 a marqué une transformation dans les œuvres de Riley, alors qu'elle commençait à intégrer des tons subtils et sourds, parfois juxtaposés à son noir et blanc traditionnel. Ces premières expérimentations peuvent être perçues comme un pont entre son passé et son avenir en évolution. Les pièces de cette période illustraient sa compréhension intrinsèque de l'impact de la couleur sur la perception, et comment même de légers changements de teinte pouvaient modifier radicalement l'expérience du spectateur.

La première œuvre de Riley à s'éloigner de sa palette de couleurs initiale fut Chant 2. Cette pièce marquante présentait des rayures verticales très rapprochées qui oscillaient entre le rouge et le bleu, interrompues par les espaces blancs qui les séparaient, rompant ainsi complètement avec son style précédent. Les couleurs se fondent avec une qualité rythmique, créant des illusions dérivées non pas de formes ou de courbes spécifiques, mais directement des interactions chromatiques. Bien que le violet ressorte de manière proéminente, de subtiles touches de jaune rayonnent également de l'œuvre. Même sans récit ni élément interactif, les images donnent une illusion de mouvement, variant sans cesse. Ce décalage constant affecte non seulement les images, mais maintient également l'observateur dans un état continu d'engagement et de changement.

Les rayures de Bridget Riley

Les œuvres de Riley ont souvent servi de terrain de jeu où la théorie des couleurs n'était pas seulement appliquée, mais explorée et testée de manière proactive. Elle a repoussé les limites de la perception des couleurs, l'entremêlant à une précision géométrique pour produire des effets visuels vibrants. Son intégration de l'Effet Bezold, selon lequel une couleur peut paraître modifiée en raison de sa nuance adjacente, illustre cette démarche. L'Edge of Light de Riley — une œuvre ornée de rayures verticales — expose une interaction rythmique et vibrante de teintes bleues, vertes et roses associées à ses anciennes lignes noires caractéristiques.

Firebird illustre un voyage sublime à travers une myriade de rayures colorées, mais cette fois, avec une nuance particulière. L'œuvre elle-même utilise des rayures verticales et entrelacées de rouge, de vert et de bleu, avec des espaces blancs que l'on observe habituellement dans les œuvres de Riley. Cependant, cette pièce en particulier a été composée de manière à guider l'œil du spectateur pour qu'il perçoive une sorte d'illusion de torsion se produisant entre les lignes.

La Palette égyptienne de Bridget Riley

Tout au long de sa carrière, le parcours artistique de Riley lui a permis de voyager dans différentes régions du monde, recueillant une mer d'inspiration qu'elle utiliserait par la suite. On pourrait dire qu'aucun lieu visité par Riley n'a eu plus d'impact sur sa carrière et sa palette de couleurs que l'Égypte. C'est durant son séjour là-bas qu'elle a développé ce que l'on appellera plus tard sa « Palette égyptienne », composée d'un échantillon des couleurs observées dans les hiéroglyphes de l'Égypte ancienne. Clairement visible dans sa collection Stripes, les spectateurs peuvent remarquer une nuance de bleu rappelant le turquoise dans des œuvres telles que RA 2, Achæan et Serpentine. Cette inclusion de teintes inspirées de l'Égypte a non seulement rehaussé l'énergie visuelle de ses œuvres, mais témoigne également de la manière dont la diversité des cultures et des artefacts historiques peut insuffler plus de profondeur et de découverte dans le travail d'un artiste.

La transition de Bridget Riley vers des couleurs et des formes audacieuses

À mesure que la palette de Riley s'est élargie pour englober un spectre de couleurs plus vaste, ses motifs ont également évolué. Alors que ses premières œuvres mettaient en avant des carrés et des lignes verticales, l'avènement de nouvelles vagues esthétiques dans son travail a introduit une exploration audacieuse du blocage des couleurs et de formes plus robustes, parallèlement à son plongeon aventureux vers des expressions plus affirmées et audacieuses.

Dans Lozenges, l'utilisation de la couleur par Riley continue de se transformer dans sa suite de compositions qui sont audacieuses tant par la forme que par la couleur. Comparés aux tons plus doux qu'elle utilisait plus tôt dans sa carrière, Riley intègre des nuances plus saturées de couleurs primaires. Les spectateurs ont le privilège d'observer ce calendrier de changements se dévoiler à travers les œuvres de cette série.

L'œuvre de Riley de 2003, Untitled (Evoe), présente des teintes plus discrètes : un jaune pâle et doux, ainsi que des bleus et des verts sourds. Bien qu'elle utilise des formes géométriques trouvées dans cette série, cette œuvre assemble les pièces pour qu'elles s'imbriquent de manière plus fluide, comme un puzzle. En revanche, son œuvre de 2010, Red Red Blue, dégage plus de vitalité avec des nuances de rouge, de bleu et de rose beaucoup plus riches et intenses qui dansent ensemble dans un état plus effréné, chacune avec son propre style qui se détache au milieu du rectangle rouge en arrière-plan.

Le passage des tons tranquilles et atténués d'Untitled (Evoe) à la nature électrique de Red Red Blue témoigne d'une évolution de l'esthétique de Riley ainsi que d'un cheminement réflexif à travers sa propre maturation expressive. Ces œuvres, avec leurs variations de teinte et de motif, racontent éloquemment une histoire d'exploration silencieuse mais éclatante, offrant aux spectateurs une fenêtre à travers laquelle ils peuvent plonger dans les profondeurs de son esprit créatif en évolution et dans les possibilités inépuisables du dialogue visuel des couleurs.

Finalement, la palette de Riley a connu un retour aux sources avec sa série Bagatelle de 2015. Au lieu des carrés, lignes et points qu'elle utilisait précédemment, elle a adopté le triangle comme motif principal. Cette grille de triangles noirs et blancs possédait une qualité qui restait typique de Riley, mais avec une approche renouvelée. Bien que ce ne soient pas tout à fait des pyramides, ces assemblages et ces rangées de triangles courbés et droits rappellent les ondes et le mouvement observés tout au long de la carrière de Riley. Peut-être qu'à ce stade, elle revisitait ses bases, se mettant au défi de commencer un nouveau chapitre qui honorait son héritage tout en explorant de nouveaux horizons.

L'influence de Bridget Riley sur l'art contemporain

Les œuvres vibrantes et cinétiques de Riley ont laissé une empreinte durable sur le paysage de l'art moderne, notamment par son exploration méticuleuse de la couleur et des expériences perceptives.

Par son usage audacieux de la couleur et des formes géométriques, Riley a façonné, sans le vouloir, une grande partie du cadre permettant aux artistes modernes et contemporains d'explorer les expériences perceptives. Sa capacité à fusionner couleur et forme en un langage qui transcende la représentation statique a ouvert des horizons entièrement nouveaux, au sein desquels les artistes continuent d'explorer, de remettre en question et d'interagir avec les réalités perceptives du spectateur.

Même dans ses dernières années, Riley n'a jamais cessé d'évoluer et de mêler techniques traditionnelles et modernes, démontrant une curiosité sans fin dans son art. Sa capacité à explorer et redéfinir la théorie des couleurs par des formes précises et des coloris variés continue d'inspirer et de bousculer les perspectives dans l'art contemporain. À 92 ans, Riley s'est lancé dans un nouveau défi avec son premier travail en plafond à la British School de Rome. Présentant ses rayures emblématiques d'apparence courbe, Riley intègre ses célèbres nuances de bleu comme arrière-plan pour soutenir ses lignes rouges, blanches, orange et lilas. Bien qu'inspiré par le plafond de la Chapelle Sixtine de Michel-Ange, ce chef-d'œuvre est une véritable création originale de Riley, fusionnant habilement l'attrait intemporel de l'art historique avec ses propres expériences optiques signature. Cette entreprise non seulement renforce son esprit d'innovation incessant, mais elle met également en lumière une liaison élégante entre la tradition et l'art contemporain, réécrivant sans cesse les attentes de la narration visuelle.