Les « Self-Portraits » de David Hockney

Le parcours de Hockney dans l'autoportrait a commencé dans les années 1950, une époque où il affinait encore ses compétences au Bradford College of Art, puis au Royal College of Art de Londres. Ces premiers Self-Portraits révèlent un jeune artiste profondément engagé dans un processus d'exploration de soi et d'expérimentation artistique. Loin de n'être que de simples études d'apparence physique, ces œuvres sont des explorations introspectives, imprégnées d'un sentiment de curiosité et d'une identité naissante.

Exécutées avec une franchise brute et non raffinée, ces premières pièces présentent souvent une palette sourde et une approche hésitante de la forme, reflétant l'influence des Maîtres anciens et de la vague contemporaine de l'Expressionnisme Abstrait. L'influence d'artistes comme Francis Bacon est manifeste dans l'intensité émotionnelle et les formes déformées et expressives qui caractérisent certaines de ces premières créations. Même à ce stade précoce, les Self-Portraits de Hockney se distinguent par un équilibre frappant entre introspection et exposition, une caractéristique qui deviendra la marque de son style.

Dans ces Self-Portraits, on peut retracer les étapes embryonnaires de la fascination de Hockney pour la couleur, la lumière et la perspective. Les éléments qui s'épanouiront plus tard dans ses célèbres séries de piscines californiennes et ses paysages vibrants sont déjà présents sous une forme naissante. Ces portraits sont plus que de simples clichés chronologiques ; ce sont des narrations riches et complexes qui offrent un aperçu du paysage psychologique de Hockney et de sa vision artistique en évolution.

Parmi les scènes artistiques des années 1980, l'engagement novateur de Hockney avec le photocopieur Xerox témoigne de son expérimentation incessante et de son exploration de l'identité. Cette période, souvent surnommée « l'ère Xerox », a marqué une rupture significative avec les médiums traditionnels, démontrant la capacité de Hockney à fusionner la technologie et l'art pour ouvrir une nouvelle voie dans l'autoportrait.

L'utilisation de la photocopieuse par Hockney fut révolutionnaire, transformant un outil de bureau banal en un instrument puissant d'expression artistique. Ses Self-Portraits de cette époque saisissent les ressemblances physiques tout en servant de toile à une introspection et une critique plus profondes. En manipulant les capacités du copieur pour superposer, déformer et reconfigurer son image, Hockney a pu remettre en question nos perceptions de l'identité et du moi. Ces œuvres nous incitent à considérer la nature multifacette de la personnalité et la manière fragmentée dont nous nous présentons au monde, bien avant que l'ère numérique ne nous fasse découvrir les personnages soigneusement choisis des réseaux sociaux.

L'incursion de Hockney dans l'autoportrait numérique à l'aide de l'iPad représente une confluence fascinante de tradition et de modernité. À travers l'écran lumineux de l'iPad, Hockney saisit la fluidité de l'identité par des traits de lumière et de couleur.

Dans Self Portrait, 20 March 2012 (1219), Hockney se présente d'une manière qui capture son essence avec une intimité et une vulnérabilité saisissantes. Le portrait est imprégné d'un bleu qui rappelle les teintes emblématiques de ses célèbres toiles des Swimming Pools ; cependant, cette fois, c'est le bleu de ses yeux qui nous attire. Les légères taches de rouge mélangées aux cendres de la cigarette qu'il tient — un motif récurrent dans ses autoportraits — ajoutent une couche de narration personnelle, symbolisant non seulement une habitude mais aussi un aperçu des rituels domestiques qui ponctuent sa vie. Contrairement à ce que certains collectionneurs pourraient attendre, l'incursion de Hockney dans les médiums numériques a enrichi son œuvre de manière inattendue.

En dehors des autoportraits de Hockney, ses Dessins numériques continuent de démontrer son penchant pour la narration intérieure avec des œuvres comme Untitled No.557 et Waiting at York. Loin de s'écarter de la vitalité des compositions plus analogiques de Hockney, ces œuvres numériques aident à préserver leur esprit et à amplifier leur résonance.

Inclus dans sa collection Photographs, Dachshunds séduit immédiatement par sa représentation de Hockney et de son compagnon canin adoré blotti dans ses bras. Les tons monochromes de cette photographie éliminent la distraction de la couleur, concentrant l'attention sur les expressions contrastées : le chien dégage un calme et un regard maîtrisé, tandis que Hockney, incapable de dissimuler entièrement son affection, laisse transparaître un grand sourire derrière son ami à fourrure.

Cette juxtaposition met non seulement en lumière le lien profond qui unit l'artiste et son animal, mais peut également être interprétée comme une métaphore de l'exploration des espaces émotionnels et physiques par Hockney. Capturé dans ce qui semble être un atelier ou un espace de travail, le cadre ajoute des couches d'intimité et d'authenticité à la photographie, renforçant sa profondeur narrative. Cette image, au-delà de son charme immédiat, invite les spectateurs à considérer la relation entre la pratique artistique de Hockney et sa vie personnelle, offrant un portrait nuancé de la compagnie et du sanctuaire créatif.

Dans la série des photographies en particulier, Hockney parvient à s'inclure, ou à inclure son propre Self-Portrait, dans des œuvres centrées sur d'autres sujets. Dans Peter Washing, Belgrade, September, nous voyons le reflet de Hockney, qui prend le portrait, dans le Bathroom Mirror. Cette inclusion subtile de sa propre image sert de dispositif narratif astucieux où Hockney ne fait pas que documenter le monde qui l'entoure, mais s'y intègre également, offrant une dimension personnelle à chaque photographie.

À travers ses autoportraits, Hockney navigue dans les complexités de la conscience de soi, dévoilant des couches d'émotion et de pensée qui dessinent le paysage de l'identité personnelle. Chaque œuvre agit comme un miroir, non seulement pour l'artiste lui-même mais aussi pour le public, incitant à une réflexion sur notre propre perception de soi.

Un thème récurrent dans les œuvres de Hockney est le passage du temps et son impact sur l'identité. Ses auto-représentations évolutives saisissent les changements inévitables qu'apporte le vieillissement, mais elles font plus que simplement enregistrer sa transformation physique. Elles explorent les implications psychologiques du temps qui passe, réfléchissant sur la manière dont les expériences, les relations et les perspectives changeantes façonnent la psyché de l'individu. La représentation par Hockney de lui-même à différentes étapes de sa vie — de la vigueur de sa jeunesse aux teintes contemplatives de ses dernières années — révèle un engagement profond avec l'idée de l'identité comme entité fluide et évolutive, plutôt que comme un point fixe.

L'engagement de Hockney envers la lithographie comme médium pour l'autoportrait offre une perspective unique pour apprécier son évolution et sa maîtrise des techniques de l'estampe. Cette exploration souligne non seulement sa polyvalence en tant qu'artiste, mais met également en lumière son expérimentation constante avec différents médiums pour exprimer les nuances de l'identité. Les autoportraits lithographiques de Hockney, caractérisés par leur simplicité et leur texture, témoignent de son talent à manipuler le processus lithographique pour obtenir un large éventail de possibilités expressives.

Dans son estampe intitulée Self Portrait, Hockney exploite le potentiel de la lithographie, à la fois pour la précision et l'instantanéité, en mêlant les détails à des lignes fluides et gestuelles. Cette dualité pourrait suggérer un miroir de son identité, capturant à la fois la stabilité et le flux inhérents au moi. Ce médium permet à Hockney de naviguer entre les contraintes techniques de la lithographie et sa vision créative infinie, produisant des œuvres qui résonnent constamment auprès des spectateurs.

Les autoportraits de Hockney ne sont pas seulement des explorations fondamentales, mais aussi des actifs précieux sur le marché de l'art, affichant une croissance notable et suscitant l'intérêt des collectionneurs. L'estampe signée Self Portraitde Hockney est estimée entre 5 500 et 8 000 livres sterling, et sa valeur a considérablement augmenté au cours des cinq dernières années. La rareté de cette œuvre est soulignée par son apparition limitée aux enchères, n'ayant été vendue que trois fois depuis sa première vente en avril 2011.

En revanche, l'une des œuvres numériques de Hockney, Self Portrait, créée en 1986, occupe une position plus élevée sur le marché, avec une estimation pouvant atteindre 40 000 livres sterling. La fluctuation des prix marteau, passant de 26 395 livres sterling en octobre 2023 à un sommet de 45 000 livres sterling en septembre 2023, témoigne d'une croissance de valeur constante à un taux annuel moyen de 21 %. Avec sept ventes totales aux enchères depuis son introduction sur le marché en octobre 2008 et une édition limitée à 60 exemplaires, cette estampe numérique illustre à la fois le désir et la rareté qui stimulent sa valeur marchande.

De manière similaire, Self-Portrait II est estimée entre 27 000 et 40 000 livres sterling, ce qui reflète la prime accordée aux œuvres numériques de Hockney. Malgré un taux de croissance annuel plus modeste de 2 %, les prix d'adjudication ont oscillé entre 21 302 livres sterling en décembre 2022 et 29 762 livres sterling en septembre 2019. Avec seulement deux ventes au total et une édition limitée à 25 exemplaires, l'exclusivité de cette œuvre est un facteur clé de son évaluation.

Les autoportraits de Hockney sont le témoignage d'un voyage incessant de découverte de soi et d'expérimentation qui définit son héritage. À travers les toiles changeantes de sa propre ressemblance, Hockney nous invite dans une quête acharnée de compréhension, un processus qui reflète la condition humaine dans son ensemble. Ses autoportraits encapsulent une vie d'exploration, des touches hésitantes de ses premières années aux expressions numériques audacieuses de sa vie ultérieure, chaque phase marquée par une curiosité insatiable pour le moi et le médium de sa représentation.

Ces œuvres sont des jalons sur le parcours de la carrière de Hockney, illustrant sa volonté d'accepter le changement et de remettre en question la nature même de l'art et de l'identité. Elles incarnent un dialogue entre l'artiste et son médium, entre l'observateur et l'observé, offrant un aperçu du récit personnel de Hockney ainsi que de l'expérience universelle du vieillissement, du changement et de l'évolution.

En tant que partie intégrante du legs plus large de Hockney, ces autoportraits soulignent son impact sur le monde de l'art — non seulement en tant que peintre, mais aussi en tant que philosophe du visuel, défiant et redéfinissant constamment les limites de l'expression de soi. Ils célèbrent le voyage sans fin de la découverte de soi, nous rappelant qu'explorer son moi, c'est explorer les possibilités infinies de la créativité.