La Tate Modern à 25 ans : un héritage d'icônes

J’ai grandi avec la Tate Modern. Je me souviens de mes visites d'enfant, où je découvrais des œuvres qui bousculaient ma perception de ce que l’art est et peut être, de l’échelle surréaliste de Maman de Louise Bourgeois aux œuvres conceptuellement stimulantes telles que An Oak Tree de Michael Craig-Martin. Aujourd'hui, à 25 ans, je réalise à quel point ce musée a façonné mon propre rapport à l’art. Mon histoire n’est qu’une parmi tant d’autres ; au cours du dernier quart de siècle, la Tate Modern est devenue une composante essentielle du tissu culturel londonien, un lieu où la mémoire personnelle et l’histoire collective convergent.

La saga de la Tate Modern débute par un ambitieux exercice d'alchimie architecturale. Le musée a ouvert ses portes le 12 mai 2000, dans la carcasse de l'ancienne centrale électrique de Bankside, un colossal monolithe de briques initialement conçu par Sir Giles Gilbert Scott entre 1947 et 1963. Les architectes Herzog & de Meuron ont relevé le défi redoutable de convertir cette cathédrale industrielle en un temple de l'art moderne. Leur vision a préservé la grandeur vertigineuse du bâtiment – incluant sa cheminée centrale et le hall des turbines caverneux – tout en introduisant des éléments de design audacieux répondant aux besoins d'un musée moderne. Le résultat est une fusion saisissante entre ancien et nouveau : une structure industrielle brute dynamisée par des interventions contemporaines épurées. En 2016, Herzog & de Meuron ont étendu cette vision avec une extension en forme de pyramide torsadée (le Blavatnik Building, anciennement connu sous le nom de Switch House), ajoutant des galeries et une terrasse panoramique à un musée devenu une figure emblématique.

Il est essentiel de noter que l'architecture de la Tate Modern ne s'est pas contentée de remporter des prix de design ; elle a redéfini la manière dont un musée peut dialoguer avec son environnement urbain. Le Turbine Hall, qui abritait autrefois des machines, a été réaménagé pour devenir l'entrée spectaculaire et l'espace emblématique du musée. Herzog & de Meuron ont conçu ce hall comme un « grand espace urbain, un lieu de rencontre » – une véritable place publique intérieure où l'art et la vie convergent. Une rampe douce guide les visiteurs vers l'immensité du Turbine Hall, les invitant à pénétrer dans l'édifice d'une manière radicalement différente des grands escaliers des musées classiques. L'architecture exprime son point de vue avec subtilité mais clarté : il ne s'agit pas d'une tour d'ivoire, mais d'un espace conçu pour être partagé. En toute logique, la promenade le long de la Tamise se prolonge désormais directement par l'entrée nord du musée, faisant de la Tate Modern une extension naturelle du sentier riverain et du quartier environnant. Ce qui était autrefois une centrale à charbon est devenu un centre névralgique de la culture, reliant symboliquement et concrètement les communautés des deux rives de la Tamise.

Dès sa création, la Tate Modern s'est donné pour mission de transformer l'expérience même de la visite au musée. Ses fondateurs – sous l'impulsion de son directeur Sir Nicholas Serota – ont imaginé la Tate Modern comme un espace axé sur le public, se voulant aussi accueillant qu'inspirant. Comme l'a souligné Catherine Wood, actuelle directrice des programmes de la Tate Modern, les concepteurs du Turbine Hall ont souhaité que celui-ci fonctionne tout autant comme une agora citoyenne ouverte que comme une salle d'exposition : un lieu que l'on fréquenterait aussi naturellement qu'un parc, tout en y découvrant des œuvres de manière monumentale et inattendue.

Cet esprit d'ouverture était révolutionnaire. Il signifiait que n'importe quel passant pouvait entrer librement (la Tate Modern propose un accès gratuit aux collections permanentes) et ressentir un sentiment d'appropriation et d'appartenance dans un lieu abritant des peintures de Picasso et des estampes de Warhol.

L'une des innovations majeures du musée fut son agencement thématique lors de son ouverture, privilégiant la présentation des œuvres par thèmes ou par idées plutôt que par chronologie stricte ou par écoles nationales. Cette rupture avec les conventions permit à Picasso de dialoguer avec Ai Weiwei par-delà les époques, ou à un nymphéa de Monet de partager une salle avec une abstraction de Mark Rothko. L'effet était dynamique et inclusif : il n'était pas nécessaire de posséder un diplôme en histoire de l'art pour apprécier les expositions, et beaucoup trouvèrent ces juxtapositions révélatrices. La Tate Modern a ainsi affirmé que l'art moderne est une conversation ouverte à tous.

Au cœur de l'approche centrée sur le public de la Tate Modern figurent ses installations avant-gardistes du Turbine Hall. Les conservateurs de la Tate ont eu l'audace de traiter cet espace de cinq étages et de 152 mètres de long comme une toile à part entière, inaugurant la Unilever Series, une série d'œuvres commandées qui est rapidement devenue un temps fort du calendrier culturel londonien. De The Weather Project (2003) d'Olafur Eliasson à Sunflower Seeds (2010) d'Ai Weiwei, chaque commande a transformé le hall en un environnement immersif et participatif. Comme le souligne Wood, ces œuvres ont fait du Turbine Hall « un immense atelier d'artiste, une scène, un marché, un terrain de jeu, une boîte de nuit, voire un centre de vaccination contre la COVID-19 ».

Dès ses premières expositions, la Tate Modern a cherché à dépasser le canon de l'art occidental. Son exposition inaugurale, Century City (2000), a positioné des villes telles que Lagos et Buenos Aires comme des épicentres de l'art moderne. Depuis lors, le musée poursuit une approche transnationale, soutenue par des initiatives comme le Hyundai Tate Research Centre: Transnational ainsi que par des comités d'acquisition régionaux.

Le résultat est l'une des collections d'art moderne et contemporain les plus ambitieuses et inclusives au monde. Des expositions thématiques telles que A Year in Art: Chile 1973 et Australia 1992 ont mis en lumière les dimensions sociopolitiques de la production artistique mondiale. Le projet récemment inauguré Gathering Ground, qui présente une commande de l'artiste londonien Abbas Zahedi, incarne une nouvelle forme d'éthique curatoriale, privilégiant le dialogue, l'équité et la communauté.

S'il est un principe qui définit la Tate Modern, c'est bien celui de l'accessibilité. Le musée s'est donné pour mission de rendre les œuvres plus largement accessibles, permettant à chacun, quel que soit son parcours, de découvrir les chefs-d'œuvre de l'ère moderne. Depuis 2000, plus de 100 millions de visiteurs ont franchi ses portes, nombre d'entre eux découvrant pour la première fois Warhol, Rothko ou Bourgeois.

La Tate Modern est également un musée ancré dans son territoire. Elle a su nouer des liens profonds avec les communautés locales de Southwark et au-delà, en commandant des projets comme Tate Neighbours de Tania Bruguera et en impliquant directement le public dans le processus de création. Des initiatives telles que UNIQLO Tate Play invitent les enfants et les familles dans les galeries, favorisant une approche créative et interactive.

Plus important encore, c'est un musée qui sait écouter. Comme le souligne Wood : « Nous dialoguons avec notre public plutôt que de nous adresser à lui. » Ce principe – fait d'humilité, de générosité et d'ouverture – est ce qui continue de conférer à la Tate Modern un caractère indispensable, même à l'aube de son « âge mûr ».

À travers des programmes axés sur l'éducation, l'engagement communautaire et le dialogue mondial, le musée a étendu la portée de l'art moderne et contemporain à des publics longtemps négligés par les grandes institutions. Comme l'exprime Catherine Wood, le musée sert de « cadre au sein duquel l'art et les artistes peuvent transformer l'expérience ; ouvrir les yeux et les esprits. »

C'est cette compréhension – selon laquelle le pouvoir de l'art est façonné tout autant par le spectateur que par l'artiste – qui demeure l'une des contributions les plus essentielles de la Tate Modern. Elle nous invite non seulement à regarder, mais à participer, à interpréter et à nous projeter au sein du récit universel de l'art.