L'édition de ce mois-ci de No Reserve m'a donné l'opportunité de m'entretenir avec une personne que je souhaitais interviewer depuis très longtemps : Georgina Adam. En tant qu'une des journalistes et auteures les plus respectées du monde de l'art, Georgina a passé plus de trois décennies à documenter les forces qui ont façonné le marché de l'art mondial. À travers son travail de longue date au Financial Times et une série d'ouvrages influents, dont Big Bucks, Dark Side of the Boom, The Rise and Rise of the Private Art Museum et, plus récemment, NextGen Collectors and the Art Market, elle a relaté les personnalités, les politiques, les enjeux financiers et les ambitions qui sous-tendent certains des moments les plus déterminants du marché. Peu de gens ont observé son évolution depuis un poste d'observation aussi privilégié, et encore moins ont réussi à prendre du recul pour en donner une lecture cohérente.
C'est peut-être pour cette raison que Georgina a développé une résistance remarquable au sensationnalisme. Elle a traversé les acquisitions japonaises de la fin des années quatre-vingt, l'explosion de l'art contemporain, la crise financière, l'essor des musées privés, l'arrivée des ventes en ligne, le boom des NFT et la correction qui a suivi. Elle a vu des fortunes se bâtir, des marchés s'effondrer et des gros titres proclamer la mort du marché de l'art plus souvent que la plupart d'entre nous ne peuvent s'en souvenir. Lorsque quelqu'un a passé autant de temps à observer ce marché, sa valeur ne réside pas dans la prédiction de ce qui va suivre. Elle réside dans la capacité à reconnaître des schémas que la plupart d'entre nous sommes trop inexpérimentés pour percevoir.
Pourtant, ce qui m'a le plus frappé, tant lors de notre conversation qu'à la lecture de ses ouvrages, c'est le peu d'intérêt qu'elle porte aux pronostics. L'écriture de Georgina m'a toujours semblé singulière. Une grande partie des essais sur le marché de l'art tend à devenir dense ou excessivement académique, tandis que ses livres se lisent comme des récits captivants, peuplés de personnalités extraordinaires, de moments décisifs et de basculements spectaculaires dans les rapports de force. Ils possèdent tout le rythme d'un grand roman, tout en étant minutieusement documentés. Plutôt que de chercher à prédire ce qui adviendra, Georgina observe les tendances.
Je crois que c'est pour cette raison que j'ai toujours apprécié son travail. Elle ne confond pas le bruit médiatique avec le changement profond. Elle comprend que le marché de l'art ne se transforme que rarement du jour au lendemain. Au contraire, il évolue de manière presque imperceptible, une décision à la fois, jusqu'à ce qu'un jour, en regardant en arrière, vous réalisiez que vous vous trouvez dans une réalité totalement différente.
En l'écoutant, je me suis demandé si nous ne nous étions pas posé les mauvaises questions. Ces dernières années, nous avons été obnubilés par la reprise du marché, par l'évolution des prix et par la persistance des acquéreurs. La question la plus intéressante, à mon sens, ne réside pas dans la santé du marché, mais dans la nature même du marché vers lequel nous tendons.
Lorsque Georgina a publié Big Bucks en 2014, elle documentait un phénomène que nombre d'acteurs du marché percevaient déjà sans toutefois l'avoir pleinement formulé. L'œuvre d'art n'était plus seulement un objet culturel ; elle était devenue une composante de l'économie mondiale de la richesse. Trois ans plus tard, dans Dark Side of the Boom, elle a exploré les conséquences de cette mutation à travers les ports francs, les garanties, les musées privés, la spéculation et la financiarisation croissante de la collection. Près d'une décennie plus tard, nombre de ces thématiques demeurent au cœur des débats. Elles ont simplement évolué.
Une observation issue de notre entretien m'a marqué durablement. Georgina a qualifié les ventes aux enchères de « face visible du marché de l'art ». Une formule simple, certes, mais qui saisit parfaitement une réflexion que je nourris depuis des années : ce qui est visible ne saurait être considéré comme exhaustif.
Pendant des décennies, les enchères ont été notre baromètre du marché. Pour savoir si la cote de Hockney se raffermissait ou si celle de Warhol s'essoufflait, il suffisait de suivre les ventes du soir. Le marteau tombait, les chiffres étaient publiés, et le marché semblait se dévoiler. Ces ventes conservent une importance capitale et demeurent l'un des plus grands théâtres que le monde de l'art puisse offrir. Rien ne remplace l'effervescence d'une salle comble lorsque deux enchérisseurs déterminés décident qu'ils doivent absolument acquérir la même œuvre. De plus en plus, toutefois, elles ne constituent qu'une partie de l'histoire.
Les garanties ont transformé le fonctionnement des ventes du soir. Les conseillers spécialisés ont gagné en influence. Les transactions privées se sont multipliées, les plateformes en ligne ont gagné en maturité, et les courtiers indépendants, les marchands spécialisés et les places de marché numériques occupent désormais des espaces qui existaient à peine lorsque Georgina a commencé sa carrière. Le marché ne s'est pas retiré derrière des portes closes, mais il est devenu bien plus fragmenté et, par conséquent, beaucoup plus difficile à déchiffrer.
J'ai souri en entendant Georgina évoquer les jeunes collectionneurs, car c'est sur ce point qu'elle semble réellement optimiste. Elle se souvient d'une époque où l'art n'était pas grand public, où les magazines lui consacraient rarement des numéros et où les artistes contemporains n'étaient pas des noms familiers. Aujourd'hui, quiconque n'a jamais mis les pieds dans une maison de vente connaîtra presque certainement Banksy ou Damien Hirst, et pourrait fort bien découvrir un artiste sur Instagram bien avant de visiter une galerie.
Il est facile de balayer cette démocratisation si l'on se focalise uniquement sur les gros titres liés à la spéculation, mais je considère qu'il s'agit de l'une des évolutions les plus saines auxquelles nous ayons assisté. C'est également le thème central du dernier ouvrage de Georgina, NextGen Collectors and the Art Market, qui explore la manière dont une nouvelle génération aborde la collection sous des angles très différents.
Le marché des éditions le démontre depuis des années. Les collectionneurs ne commencent que rarement par l'acquisition d'une peinture à 2 millions de livres sterling. Ils débutent avec une image qui leur parle, une estampe abordable ou une œuvre avec laquelle ils souhaitent tout simplement vivre. Le rapport à l'œuvre prime. La réflexion sur l'investissement vient généralement plus tard.
Cela m'amène au point sur lequel Georgina et moi avons peut-être une vision légèrement divergente. Elle s'inquiète du fait que l'art soit devenu une marchandise à part entière, et je comprends parfaitement pourquoi. Le lexique entourant le collectionnisme a indéniablement évolué. L'art est de plus en plus évoqué parallèlement à l'immobilier, aux actions et aux actifs alternatifs. La propriété fractionnée promet un accès à des chefs-d'œuvre, tandis que les marques de luxe empruntent l'autorité des artistes et que ces derniers, en retour, s'approprient de plus en plus le langage et les rouages du luxe.
Il est aisé de comprendre pourquoi quelqu'un ayant passé 30 ans à documenter l'importance culturelle de l'art puisse s'inquiéter de cette trajectoire. Je pense toutefois que les collectionneurs méritent d'accéder à une information de qualité. Connaître la valeur de ses œuvres n'altère pas davantage votre relation avec elles que de connaître la valeur de votre maison ne change ce qui se passe autour de la table de la cuisine. Comprendre les marchés n'est pas l'ennemi du collectionnisme. Réduire l'art à un simple placement financier l'est probablement.
À mes yeux, il demeure une distinction essentielle entre considérer l'art comme un actif et le considérer comme une classe d'actifs. La première approche reconnaît qu'une œuvre possède une valeur financière qui s'ajoute à sa valeur culturelle. La seconde risque d'occulter la raison même pour laquelle cette œuvre revêtait une importance initiale.
C'est peut-être la raison pour laquelle l'expertise me semble aujourd'hui plus précieuse que jamais. Nous disposons d'un volume inédit de données, de résultats d'adjudication, de tableaux de bord, d'indices et de commentaires. Pourtant, comprendre le marché est sans doute devenu plus complexe, et non l'inverse. L'état de conservation reste primordial. La provenance demeure fondamentale. L'offre compte toujours. La demande privée reste un levier majeur. Mais avant tout, le jugement humain demeure irremplaçable. Si les algorithmes peuvent analyser les événements passés, ils peinent encore à expliquer pourquoi le lendemain pourrait s'annoncer différent.
Au terme de notre échange, j'ai réalisé que Georgina n'avait jamais réellement répondu à ma question sur l'avenir du marché de l'art. Ou peut-être l'avait-elle fait, mais d'une manière différente de ce que j'attendais. Son point de vue suggère que le futur survient rarement sous la forme d'un événement spectaculaire. Il se révèle avec calme, patience, une mutation à la fois. Nous ne prenons généralement conscience de la clôture d'un chapitre que lorsque nous avons déjà entamé le suivant.
Cette prédiction peut sembler peu satisfaisante, mais c'est sans doute parce que Georgina n'a jamais considéré que la prédiction faisait partie de son rôle. Elle m'a confié qu'elle n'avait jamais vraiment envisagé son parcours comme une carrière. Elle a simplement souhaité consacrer sa vie à documenter son époque. En y réfléchissant bien, il s'agit là d'une ambition admirable, qui nous a permis, à nous tous, de bien mieux comprendre comment le marché de l'art est devenu ce qu'il est aujourd'hui.
