La préoccupation de Damien Hirst pour les kaléidoscopes

Le parcours de Hirst dans le monde de l'art est aussi multiple que les motifs kaléidoscopiques qu'il a explorés. Après s'être fait connaître à la fin des années 1980 et au début des années 1990, il s'est imposé comme une figure centrale des Young British Artists (YBA). Au cœur de son œuvre se trouve l'exploration de l'éphémère de la vie, et les créations les plus célèbres de Hirst se situent souvent à la frontière entre le monde naturel et l'artifice humain. Cela est illustré par des pièces telles que The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living, qui présentait un requin-tigre conservé dans du formol et est entré dans la conscience populaire.

Loin de ces représentations viscérales, la série pharmaceutique de Hirst offrait un point de vue plus clinique sur la vie : ses Spot Paintings (Peintures à pois) et ses cabinets de médicaments explorent la relation de la société avec l'industrie pharmaceutique, juxtaposant l'attrait esthétique des pilules aux questions plus larges de dépendance et de guérison. Ces dernières années, Hirst a continué de surprendre et de polariser la communauté artistique. Des œuvres comme Treasures From The Wreck Of The Unbelievable et ses nombreuses collaborations ont témoigné de son appétit insatiable pour la réinvention. Tout au long de sa carrière, Hirst a constamment défié les attentes, suscitant choc ou admiration, consolidant ainsi son statut comme l'un des artistes les plus influents de notre époque.

Dans l'une de ses installations les plus emblématiques – In And Out Of Love, présentée au Yale Arts Centre en 1991 – Hirst avait fixé des chrysalides de papillons sur des toiles peintes en blanc dans une salle d'exposition humide. Les spectateurs pouvaient alors observer et participer à l'intégralité du cycle de vie des papillons.

Depuis, les papillons jouent un rôle prépondérant dans l'œuvre de Hirst, et plus particulièrement dans ses créations kaléidoscopiques. Au fond, cette créature incarne une représentation profonde de la transformation, retraçant le voyage de la chenille jusqu'à sa forme finale resplendissante et incarnant les thèmes de la vie, de la mort et de la renaissance – des thèmes essentiels pour Hirst. Ce récit métamorphique, qu'il revisite fréquemment, sert de réflexion poignante sur la nature éphémère de l'existence. Historiquement, les papillons ont été vénérés comme symboles de l'âme et de la résurrection dans diverses cultures, imprégnant l'œuvre de Hirst de sous-entendus de spiritualité et d'interrogations existentielles. Hirst lui-même a cité un plateau à thé victorien comme source d'inspiration pour son utilisation de ce motif.

En intégrant de vrais papillons sur des toiles, Hirst remet en question les frontières traditionnelles de l'art et les notions d'authenticité, et il a fait l'objet de vives critiques pour avoir inclus de vrais animaux et insectes dans ses œuvres. Ceci introduit en soi une dimension supplémentaire à son travail, invitant les spectateurs à se débattre avec des dilemmes moraux et à réfléchir au rôle de l'art dans la société. Néanmoins, pour Hirst, la beauté délicate et éphémère du papillon est une métaphore de la nature cyclique de la vie, suscitant une importante contemplation sur la fugacité de la beauté et de la vie elle-même.

Kaleidoscope fut la première incursion de Hirst sur ce thème. À partir de 2001, l'artiste a créé plusieurs peintures et estampes dans ce style, présentant des motifs complexes composés de milliers de couleurs d'ailes de papillons. Hirst réalise ces œuvres en disposant les ailes de papillons selon des motifs géométriques et en les appliquant sur de la peinture ménagère. Chaque composition est unique, mais on retrouve un fort sens de la couleur et de la composition dans l'ensemble.

La série a débuté avec It’s A Wonderful World, dont la toile en forme de losange est devenue un motif repris dans des pièces ultérieures comme Sceptic et Faithless. Les œuvres de la série Kaleidoscope ont été exposées pour la première fois à la White Cube de Londres en 2003, dans le cadre de l'exposition Romance in the Age of Uncertainty. En 2007, une exposition personnelle complète intitulée Superstition a été présentée à la Gagosian Gallery à Londres et à Beverly Hills. Les estampes portent des noms à forte signification religieuse, tels que Covenant, Deific et Miracle.

S'inspirant des similitudes entre les kaléidoscopes et les vitraux, la série Cathédrale de Hirst, datant de 2007, prolonge l'utilisation des ailes de papillon et des agencements géométriques des séries précédentes. Dans ce cas précis, toutefois, les œuvres ont été inspirées par des vitraux de cathédrales du monde entier : Saint-Pierre, Saint-Jacques-de-Compostelle, Notre-Dame, Saint-Paul, entre autres.

En établissant un lien aussi fort avec le christianisme, Hirst établit un parallèle entre la renaissance du papillon et la résurrection du Christ. Il émule également la spiritualité qu'évoque la nature symétrique des mandalas dans diverses religions, du bouddhisme au christianisme. Ce sera un thème auquel il reviendra sans cesse dans ses œuvres futures.

Cette collection de peintures et d'estampes a commencé à être produite en 2008, et chaque œuvre a été nommée d'après des psaumes de l'Ancien Testament. Il s'agit de l'une des séries les plus symétriques de Hirst, la plupart des motifs étant basés sur un élément circulaire. C'est aussi l'une de ses séries les plus vastes, avec plus de 150 estampes disponibles. Malgré cela, les œuvres présentent une incroyable variété et polyvalence, et aucune estampe n'est identique à une autre.

Comme beaucoup d'œuvres kaléidoscopiques de Hirst, les estampes de cette série invitent le spectateur à prêter une attention particulière aux détails complexes présents dans la composition.

La série Sanctum se compose de six œuvres et prolonge l'obsession de Hirst pour la symétrie et les ailes de papillon. Son titre seul évoque la tranquillité, à la manière de Cathedral et Psalms. Cette série est intéressante car ses compositions sont bien plus sombres que dans les déclinaisons précédentes : posées sur un fond noir, les ailes de papillon paraissent plus douces et plus proches de l'aquarelle, ce qui renforce leur lien avec les vitraux d'église. En comparaison avec la série précédente utilisant le même motif, les couleurs sont nettement plus sourdes et moins éclatantes, le résultat étant plus sombre qu'auparavant.

Les estampes portent le nom de différents espaces d'une église : Dome, Altar, Belfry, Spire, Chancel et Minaret. En utilisant ces termes architecturaux, Hirst parvient à décomposer la puissance spirituelle d'un lieu de culte, reproduisant dans les œuvres la manière dont chacune de ces sections tend à faire réagir le spectateur.

Dans une série qui marquait un retour à ce style de composition après six ans d'absence, Hirst a publié cinq estampes méticuleusement réalisées dans les tons d'un bleu outremer apaisant. Contrairement à de nombreuses œuvres de ses séries précédentes, chaque estampe de The Aspects est parfaitement symétrique, évoquant davantage l'apparence d'un kaléidoscope. Les titres des estampes reprennent des vertus communes à diverses religions : Grace, Patience, Mercy, Goodness et Truth. Ceci témoigne de la fascination d'Hirst pour la spiritualité et le psychisme humain.

Cette série comprend quatre estampes giclée inspirées des quatre éléments : la terre, l'air, le feu et l'eau. Les couleurs des ailes de papillon sont distribuées en fonction de l'élément, avec Fire composé d'oranges et de rouges vifs, Water principalement de bleus et de blancs, Earth de tons bruns et dorés, et Air de blancs et de lilas.

Hirst a exploré pour la première fois les éléments dans son installation de 1992, de la taille d'une pièce, Pharmacy, où il avait créé des flacons en verre remplis de liquides colorés pour représenter chacun des quatre. Comme en témoigne cette première œuvre, les quatre éléments jouent un rôle important dans l'intérêt de Hirst à interroger la vie et la mort, la médecine et les remèdes, ainsi que sa croyance dans le mythe – car, par le passé, on pensait que les éléments pouvaient être utilisés pour guérir les malades. Cela signifie que *The Elements* est souvent perçu comme un lien entre de nombreuses explorations artistiques de Hirst.

La série The Empresses de Hirst, dévoilée pour HENI Editions, comprend cinq estampes distinctes réalisées en giclée laminée sur aluminium composite avec des paillettes sérigraphiées. Les œuvres dégagent une essence de pouvoir et de royauté grâce au choix délibéré par Hirst d'une palette de couleurs rouges : cette sélection chromatique est chargée d'une signification historique, un clin d'œil à ses associations pérennes avec la majesté. Les paillettes confèrent un mouvement éphémère au papillon, rappelant ses ailes fugaces, et ajoutent une touche de luxe aux œuvres. Le titre de la série est un double sens ludique, faisant référence à l'espèce de papillon tout en évoquant le statut politique, car chaque œuvre tire son nom d'une impératrice historiquement marquante.

Alors que la plupart des compositions adoptent un dessin symétrique rappelant un mandala, l'H10-3 Theodora se distingue par son papillon central placé de manière décentrée. HENI Editions ajoute que cette disposition unique évoque « une formation rappelant le symbole du genre féminin », suggérant un hommage aux réformes féministes marquantes introduites par l'impératrice Théodora de l'Empire byzantin, célèbre pour son ascension inégalée depuis les marges de la société jusqu'à l'opulence impériale. D'autres femmes importantes de l'histoire sont également référencées : de l'Impératrice Wu Zetian de Chine, redoutable et qui a laissé sa marque en tant que seule femme empereur de la nation ; à l'Impératrice Nūr Jahān de l'Empire moghol, influente et qui a exercé un pouvoir sans précédent dans l'ombre du trône ; de l'Impératrice Suiko du Japon, qui a guidé sa nation à travers d'importantes métamorphoses culturelles et politiques ; jusqu'à Taytu Betul d'Éthiopie, phare de la résistance anticoloniale et essentielle dans la défense victorieuse de l'Éthiopie contre la colonisation italienne.

Ces œuvres n'étaient pas uniquement confinées à leur forme physique, car Hirst s'est aventuré dans le domaine numérique avec l'introduction des NFT. Cette série, empreinte de signification et d'art, était disponible exclusivement pendant une semaine, du 28 janvier au 4 février 2022. Le nombre final d'éditions a été déterminé par la demande enregistrée durant cette période.

En disséquant l'exploration profonde que Damien Hirst nous livre des kaléidoscopes, on ne peut s'empêcher de contempler la beauté de l'existence et ses complexités. L'agencement méticuleux par Hirst des ailes de papillons en motifs hypnotisants, rappelant les formes changeantes d'un kaléidoscope, constitue une métaphore brillante de la nature imprévisible et en constante évolution de l'existence. Tout comme les motifs d'un kaléidoscope naissent d'une simple torsion, la vie aussi modifie son cours face à des changements apparemment minimes, nous présentant des possibilités et des défis infinis.

Ces compositions vibrantes sont plus que de simples plaisirs visuels ; elles sont un témoignage des moments éphémères de la vie et de la beauté infinie que l'on y trouve. Le papillon, fragile et fugace, incarne la nature passagère de la vie, tandis que les dessins kaléidoscopiques suggèrent que sous le chaos apparent, il existe un ordre inhérent, un motif qui pourrait être discernable si l'on regarde d'assez près. L'utilisation du papillon par Hirst est particulièrement poignante : son cycle de vie représentant la métamorphose et le changement, il devient un emblème des propres parcours de transformation du spectateur à travers les nombreuses phases de l'existence. De plus, l'écho des vitraux d'églises et des mandalas bouddhistes dans les couleurs et les motifs vibrants de Hirst souligne la dimension spirituelle de notre vie, suggérant subtilement qu'au sein du tourbillon chaotique de l'existence, pourrait se trouver un point de convergence de la compréhension en attente d'être découvert.

Ces œuvres nous rappellent que si la vie est remplie de complexités et de détours inattendus, c'est précisément cette imprévisibilité qui fait sa beauté. Tout comme nous trouvons de la joie dans les motifs inattendus présentés par un kaléidoscope, nous pouvons peut-être apprendre à accepter les incertitudes de la vie, à trouver la beauté dans ses méandres et le réconfort dans la seule certitude : la mort. En fin de compte, l'exploration du kaléidoscope par Hirst est un voyage profondément philosophique, une réflexion sur la nature même de la vie, notamment dans son œuvre intitulée The End.