Le guide ultime de Damien Hirst : faits de A à Z

Lorsque l'on évoque Damien Hirst, on pense immédiatement à son utilisation d'animaux dans ses œuvres. Cette pratique est fréquemment une source de controverse et de débats, son travail impliquant souvent la conservation d'animaux morts – généralement par immersion dans le formaldéhyde, un puissant agent d'embaumement – puis leur exposition dans des cuves en verre transparent. L'une de ses pièces les plus célèbres est « The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living », composée d'un requin-tigre conservé dans du formaldéhyde au sein d'une large vitrine. Elle est considérée comme une œuvre séminale du mouvement des Young British Artists et comme une pièce ayant défini la production artistique de Hirst. En 2004, Saatchi a vendu cette œuvre à Steven A. Cohen pour un montant non divulgué, largement estimé à au moins 8 millions de dollars. Le titre de l'ouvrage de Don Thompson, « The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art », laisse toutefois entrevoir un prix encore plus élevé, confirmant ainsi le statut de l'œuvre en tant que phénomène à la fois culturel et économique.

Hirst a poursuivi l'utilisation de cette technique dans d'autres pièces, et ses œuvres intégrant des animaux explorent souvent les thèmes de la mortalité et de l'éphémère. Elles ont néanmoins fait l'objet de controverses notables, de nombreux défenseurs des droits des animaux ayant critiqué Hirst, arguant que son art est cruel et fondé sur l'exploitation.

L'utilisation des papillons par Damien Hirst constitue un thème majeur tout au long de sa carrière, un motif qu'il a exploré de diverses manières. L'un des exemples les plus célèbres de cet usage se trouve dans la série intitulée « In and Out of Love », présentée en 1991. L'exposition se composait de deux volets : dans une première salle, Hirst avait fixé des chrysalides de papillons sur des toiles peintes en blanc, desquelles les papillons émergeaient, atteignaient leur maturité et volaient dans l'espace restreint de la pièce. Dans la seconde salle, il exposait des toiles recouvertes d'une peinture monochrome brillante, sur lesquelles étaient fixés des papillons morts.

L'un des premiers mécènes de Hirst fut Charles Saatchi, éminent publicitaire et collectionneur d'œuvres d'art. Saatchi a commencé à acquérir les œuvres de Hirst dès le début de la carrière de l'artiste et fut un soutien indéfectible, allant jusqu'à financer la réalisation de la célèbre œuvre de Hirst représentant un requin dans du formaldéhyde.

Il a également joué un rôle majeur dans la promotion du travail de nombreux autres Young British Artists (YBA) au cours des années 1990. Saatchi a exposé les œuvres de Hirst aux côtés de celles d'autres YBA lors d'une série d'expositions influentes dans sa galerie londonienne, lesquelles ont permis aux YBA d'attirer l'attention d'un public plus large et ont contribué à asseoir leur réputation.

Cependant, la relation entre Hirst et Saatchi s'est finalement détériorée après que ce dernier a vendu une partie significative de sa collection Hirst en 2003. Malgré cela, le mécénat et la promotion dont Saatchi a fait preuve au début de la carrière de l'artiste ont joué un rôle déterminant dans l'ascension de Hirst au sein du monde de l'art.

Depuis ses années d'études au Goldsmiths, Damien Hirst a accumulé un historique d'expositions impressionnant. Son œuvre a été présentée dans des institutions prestigieuses telles que la Saatchi Gallery à Londres, Kettle’s Yard à Cambridge et le Rijksmuseum à Amsterdam. Une rétrospective de son travail a été organisée à la Tate Modern en 2012.

En 1988, alors qu’il n’était qu’étudiant en deuxième année au Goldsmiths College de Londres, Hirst fut l’un des principaux organisateurs de l’exposition Freeze. Cette exposition est souvent considérée comme l’un des événements fondateurs de l’ascension de la génération connue sous le nom de Young British Artists, marquant un tournant majeur dans la carrière de Hirst. L’événement se tenait dans un entrepôt désaffecté de l’est londonien ; nombre des artistes exposés étaient des camarades de promotion de Hirst, et ils collaborèrent à la réhabilitation du site pour y présenter leurs œuvres. Freeze est aujourd’hui reconnue pour avoir mis en lumière les thématiques et les approches qui allaient devenir prédominantes dans le travail des YBA, notamment une volonté d’interaction directe, souvent frontale, avec le spectateur, ainsi que le recours à des matériaux et des méthodes non conventionnels. Freeze fut un événement marquant qui joua un rôle déterminant dans le lancement de la carrière de plusieurs artistes britanniques majeurs et, surtout, contribua à replacer Londres au centre névralgique de la création contemporaine.

Hirst a étudié au Goldsmiths, University of London, de 1986 à 1989. C’est durant cette période qu’il a commencé à développer son style artistique distinctif et à gagner en notoriété pour ses œuvres provocatrices, parfois controversées. En tant que membre des YBAs, Hirst faisait partie d’une scène dynamique de jeunes artistes du Goldsmiths qui cherchaient à explorer de nouvelles manières de créer et de présenter des œuvres. Dans l’ensemble, les années passées par Hirst au Goldsmiths ont constitué une période déterminante de sa carrière. Elles lui ont offert une plateforme pour commencer à remettre en question les modes traditionnels de production et d’exposition des œuvres, une pratique qu’il poursuivra tout au long de son parcours.

Ces dernières années, Hirst a collaboré avec Heni Editions, une plateforme travaillant avec des artistes, des institutions et des successions pour produire des reproductions en édition limitée de haute qualité. Ses séries The Currency et The Beautiful Paintings ont été lancées par l'intermédiaire de Heni, générant un profit notable pour l'artiste : il a récolté plus de 20 millions de livres sterling grâce à ces mises en vente. À l'instar des estampes, elles constituent un moyen plus accessible d'acquérir une part de l'histoire de l'art contemporain.

À l'été 2023, il a mis en place Where The Land Meets The Sea, un projet réunissant la maison de vente aux enchères Phillips et Heni Editions afin de présenter trois séries d'interprétations du littoral britannique.

Une grande partie des critiques adressées à Hirst concerne des interrogations sur son talent intrinsèque et son sens de l'originalité. Toutefois, comme le souligne la citation ci-dessus, la philosophie de Hirst diverge de celle de nombreux acteurs du monde de l'art contemporain en ce qu'il est convaincu que chacun possède la créativité et la capacité de devenir un artiste reconnu ; il suffit pour cela d'en avoir le désir.

Hirst a consolidé sa place dans les annales de l'histoire contemporaine en dévoilant, en 2007, son œuvre incrustée de diamants, « For the Love of God ». Composée d'un moulage en platine d'un crâne humain du XVIIIe siècle recouvert de 8 601 diamants parfaits, cette œuvre est à la fois une célébration de l'opulence et un memento mori, rappelant au spectateur l'inéluctabilité de la mort. Elle est également célèbre pour être l'œuvre la plus coûteuse jamais réalisée par un artiste vivant, avec un coût estimé à 8 millions de livres sterling. L'historique des ventes de cette pièce demeure opaque, et des doutes subsistent quant à savoir si elle a réellement été vendue.

Certaines des œuvres les plus remarquables de Hirst appartiennent à sa série « Kaleidoscope », un ensemble de créations utilisant l’imagerie de papillons disposés en motifs géométriques pour produire un effet visuel kaléidoscopique. Cette série témoigne de la fascination constante de Hirst pour la beauté, la fragilité et la fugacité de la vie, des thèmes récurrents dans son œuvre. Hirst emploie des milliers d’ailes de papillons assemblées en compositions complexes, puisant souvent son inspiration dans les vitraux des édifices religieux. Ce lien avec l’imagerie sacrée, associé à la nature symbolique du papillon, confère à ces œuvres une dimension spirituelle ou transcendante.

Hirst est né à Bristol, mais il a passé une partie notable de son enfance et de sa jeunesse à Leeds, dans le West Yorkshire. Adolescent, Hirst a fréquenté l'Allerton Grange School à Leeds. Plus tard, avant d'intégrer le Goldsmiths, il a suivi un Foundation Diploma de deux ans au Jacob Kramer College of Art (aujourd'hui Leeds Arts University). Cette formation initiale a joué un rôle essentiel dans le développement créatif de Hirst et dans le succès qu'il a rencontré par la suite sur le marché de l'art. Hirst a conservé des liens étroits avec Leeds tout au long de sa carrière, choisissant fréquemment d'y exposer ses œuvres.

La mort joue un rôle fondamental dans l'œuvre de Damien Hirst, lequel s'est forgé une réputation en créant des pièces qui explorent les thèmes de la mortalité, de la décomposition et de la fragilité de l'existence. Cet intérêt pour le macabre trouve ses racines dans la fascination qu'éprouvait l'artiste, durant son enfance, pour la mort et le monde naturel ; il s'est manifesté de manière particulièrement notable dans sa série d'œuvres mettant en scène des animaux conservés dans le formol. Damien Hirst a suscité une vive controverse lorsqu'il a retrouvé et publié une photographie de lui-même adolescent, posant aux côtés de la tête d'un défunt dans une morgue à Leeds. Dans ces œuvres, comme dans bien d'autres, l'usage du macabre par Damien Hirst vise à pousser le spectateur à affronter des vérités inconfortables sur la mortalité et la fugacité de la vie. Son travail questionne également les limites de ce qui est considéré comme acceptable ou esthétique dans l'art, utilisant le macabre pour brouiller les frontières entre attraction et répulsion, entre vie et mort.

Hirst est entré dans l'univers des NFT avec son projet de 2022 intitulé « The Currency », qui a remis en question les idées traditionnelles sur la propriété des œuvres. Hirst a commencé par vendre une édition de 10 000 exemplaires de ses célèbres « Spot paintings », chacun correspondant à une œuvre d'art sous forme de NFT (jeton non fongible). Le rebondissement survint lorsque les acquéreurs durent choisir entre conserver la pièce physique ou son équivalent numérique, soulevant un dilemme philosophique : fallait-il préserver l'œuvre physique et supprimer le NFT, ou conserver le NFT et assister à la destruction, au sens propre, de l'œuvre physique ?

Dans le cadre de ce projet, Hirst a choisi de conserver 1 000 de ces œuvres sous forme de NFT, ce qui l'a contraint pour la première fois à détruire ses propres pièces physiques. Chacune de ces œuvres a été méthodiquement incinérée lors d'un événement spécial en octobre 2022, soulevant des questions fascinantes sur la légitimité des NFT en tant que forme d'art à part entière et alimentant les débats sur l'éventuelle obsolescence de l'art traditionnellement tangible.

Damien Hirst est connu pour s'appuyer largement sur ses assistants afin de réaliser ses œuvres, ce qui soulève régulièrement la question de l'identité de « l'artiste original ». Une polémique a éclaté lorsqu'il a été révélé que Hirst n'avait peint lui-même que cinq de ses « Spot paintings », bien que l'artiste se soit défendu en déclarant : « Il faut considérer l'artiste comme un architecte ; cela ne choque personne que les grands architectes ne construisent pas eux-mêmes les maisons… chaque "Spot painting" contient mon œil, ma main et mon cœur. J'imagine que vous me demanderez comment ma main peut être présente si je ne les peins pas moi-même. Pourtant, j'ai contrôlé chaque aspect de leur genèse, bien au-delà de la simple conception ou d'une commande passée par téléphone. Ma main est présente partout dans ces peintures. Il est crucial à mes yeux qu'elles soient réalisées à la main, tout en ayant l'apparence d'un travail mécanique. Je n'ai jamais eu de problème avec le recours à des assistants. » Pour Hirst, le concept de l'œuvre prime largement sur son exécution.

Tout au long de sa carrière, Hirst a fait face à au moins seize accusations de plagiat. En 2010, l’artiste Charles Thomson a rédigé une critique cinglante concernant certaines de ces allégations, lesquelles se rapportent à un nombre d'œuvres telles que « Hymn » (1999-2005). La sculpture en bronze de six mètres de haut de Hirst, qui offre une représentation méticuleuse du corps masculin, est une copie directe d’un jouet pour enfants : le « Young Scientist Anatomy Set », conçu à l’origine par Norman Emms. Hirst a par la suite accepté un règlement à l’amiable, faisant un don à des œuvres de charité pour enfants sans pour autant admettre la moindre faute. Il est important de noter que les concepts d’appropriation, d’inspiration et de réplication sont profondément ancrés dans la pratique de nombreux artistes contemporains, et pas seulement chez Hirst. Toutefois, les allégations de plagiat continuent de jouer un rôle notable dans le débat entourant son travail.

En 1996, deux enfants terribles de la scène contemporaine britannique unissaient leurs forces pour relancer Quo Vadis, un restaurant historique situé dans le quartier de Soho à Londres. Marco Pierre White, alors au début d'une carrière qui allait devenir illustre, s'associa à Damien Hirst pour restructurer l'établissement. Damien Hirst apporta une contribution majeure à la conception et à l'ambiance du lieu, créant une série de peintures murales colorées arborant ses motifs caractéristiques, ainsi qu'un bar composé de fournitures médicales. Ces créations conférèrent au restaurant un cadre unique, mémorable et quelque peu provocateur. Toutefois, le partenariat prit fin rapidement, suivi d'une brouille publique entre les deux hommes. Les œuvres de Damien Hirst ne parent plus l'établissement.

La fascination de Hirst pour la mortalité se manifeste également par une réflexion sur l'impact de la religion sur notre philosophie de vie, souvent perceptible à travers son usage de la symbolique. Il utilise fréquemment une imagerie religieuse traditionnelle, s'appuyant sur des motifs tels que la croix, l'agneau ou la colombe. Un exemple de l'engagement de Hirst avec le fait religieux est « The Incomplete Truth », une colombe en suspension dans du formaldéhyde, qui évoque clairement le Saint-Esprit dans l'iconographie chrétienne. De même, The Golden Calf, un taureau aux cornes et aux sabots en or 18 carats conservé dans du formaldéhyde, est considéré comme une référence à l'épisode biblique des Israélites adorant un veau d'or – souvent interprété comme une mise en garde contre l'idolâtrie. Bien que l'œuvre de Hirst n'épouse aucune croyance ou affiliation religieuse particulière, les thèmes et l'iconographie sacrés offrent souvent un cadre au sein duquel il explore des concepts tels que la vie, la mort et la quête humaine de sens. Son usage de motifs religieux constitue un langage commun qui permet aux spectateurs de s'approprier ces thèmes universels.

L'artiste a collaboré à maintes reprises avec l'illustre maison de ventes aux enchères au cours de sa carrière. Notamment, en accord avec son attitude rebelle vis-à-vis du monde de l'art et son éthique commerciale, Hirst a pris une décision sans précédent pour un artiste vivant en septembre 2008 : il a court-circuité ses galeries de longue date afin de mettre aux enchères une exposition entière, « Beautiful Inside My Head Forever », par l'intermédiaire de Sotheby's. La vente a généré 111 millions de livres sterling, établissant à l'époque un nouveau record pour une vente aux enchères consacrée à un seul artiste. Par ailleurs, Hirst a établi son propre record personnel avec la vente de « The Golden Calf », un veau conservé dans du formaldéhyde et orné de cornes et de sabots en or 18 carats, qui a atteint à lui seul 10,3 millions de livres sterling.

Damien Hirst est célèbre pour son association avec le Turner Prize, la récompense la plus prestigieuse pour les artistes visuels au Royaume-Uni. Il a été nommé pour la première fois pour le Turner en 1992, et son œuvre présentée cette année-là incluait l'iconique requin-tigre intitulé « The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living ». Bien qu'il n'ait pas remporté le prix cette année-là, sa deuxième nomination en 1995 fut plus propice : l'œuvre lauréate était « Mother and Child Divided », une installation composée d'une vache et de son veau sectionnés et exposés dans des vitrines séparées remplies de formaldéhyde. Cette victoire au Turner Prize a définitivement inscrit Hirst au premier plan de la scène artistique britannique contemporaine.

L'exposition sous-marine de Hirst en 2017, intitulée « Treasures from the Wreck of the Unbelievable », a été présentée au Palazzo Grassi et à la Punta della Dogana à Venise, en Italie. Ce projet était le plus ambitieux de la carrière de l'artiste à ce jour et marquait son retour sur le devant de la scène après des années d'absence lors des grandes manifestations artistiques. Le postulat de l'exposition reposait sur une fiction imaginée par Hirst concernant une épave antique découverte au large de la côte est de l'Afrique. Selon ce récit, le navire, baptisé « The Unbelievable », transportait une vaste collection de trésors et d'artefacts rassemblés par un esclave affranchi devenu fortuné. Les objets exposés étaient présentés comme s'il s'agissait des trésors récupérés lors du naufrage.

L'exposition regroupait près de 190 œuvres, allant de petites pièces à des statues monumentales. Les créations étaient mises en scène comme des découvertes archéologiques, encore incrustées de coraux et de bernacles après des siècles passés sous les mers. La plupart des pièces puisaient leur inspiration dans diverses cultures et mythologies antiques, certaines intégrant des références ludiques à la culture populaire contemporaine et aux œuvres passées de Hirst : l'une des statues « antiques » portait ainsi la mention « Made In China » gravée dans le dos.

L'exposition « Treasures from the Wreck of the Unbelievable » a reçu un accueil critique partagé. Certains critiques ont salué l'audace et le sens du spectacle de Hirst, tandis que d'autres ont été moins convaincus, percevant l'exposition comme excessive ou y voyant une critique acerbe du marché de l'art lui-même.

L'exposition Treasures from the Wreck of the Unbelievable a marqué la première incursion de Damien Hirst sur la scène artistique vénitienne ; l'artiste a en effet choisi de la présenter simultanément à la Biennale de Venise – l'un des événements artistiques les plus importants au monde – et ce, en dépit de toute affiliation officielle avec la manifestation elle-même.

Damien Hirst figure parmi les artistes les plus fortunés au monde ; il a bâti un patrimoine considérable grâce à la vente de ses œuvres, à sa collaboration avec des galeries influentes, ainsi qu'à une stratégie avisée de marketing et de commercialisation de son travail. La fortune personnelle de Hirst a été estimée à plusieurs centaines de millions de livres sterling, et il est fréquemment cité comme l'artiste vivant le plus riche du Royaume-Uni. Outre la vente de ses œuvres, Hirst s'est investi dans diverses entreprises commerciales, notamment des collaborations en design et des produits dérivés liés à son travail, qui ont également contribué à accroître sa fortune.

Self-Portrait with X-Ray est une œuvre de Damien Hirst réalisée en 2008. Cette pièce poursuit l'exploration par l'artiste de thèmes tels que la condition humaine, alors qu'il confronte le spectateur à la structure interne de son propre corps, exprimée au travers d'une radiographie. Ce Self-Portrait constitue un rappel saisissant de notre matérialité et de notre mortalité, des éléments fréquemment présents dans le corpus de Damien Hirst. En exposant l'intérieur de son propre corps, Damien Hirst réduit son identité à une existence purement biologique, contournant ainsi toute caractéristique émotionnelle ou personnelle.

Les Young British Artists (YBA) forment un collectif d'artistes apparu à Londres à la fin des années 1980. Le groupe est reconnu pour son esprit entrepreneurial, l'usage de tactiques provocatrices et sa volonté d'explorer les dimensions commerciales du monde de l'art. Parmi ses membres figurent Hirst, Tracey Emin, Sarah Lucas, Gary Hume et Rachel Whiteread, entre autres. Les YBA sont réputés pour repousser les limites de ce qui est considéré comme de l'art et intègrent fréquemment des matériaux non conventionnels à leurs œuvres : Emin est célèbre pour ses travaux confessionnels et autobiographiques, tels que sa tente intitulée « Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 » et l'iconique « My Bed ». Les YBA ont bénéficié d'une attention médiatique considérable et ont été soutenus par plusieurs collectionneurs influents, au premier rang desquels Charles Saatchi, qui a exposé leurs œuvres lors d'une série d'expositions à la Saatchi Gallery durant les années 1990. Ces expositions ont contribué à consolider la réputation du groupe et ont permis une reconnaissance étendue pour nombre de ses membres.

L'une des œuvres les plus célèbres de Damien Hirst mettant en scène des animaux dans du formol est celle d'un zèbre. Intitulée The Incredible Journey, elle a été réalisée en 2008, à l'instar de nombreuses pièces de sa série Natural History.

Comme la plupart des œuvres de cette série, elle frappe par le contraste saisissant entre la préservation réaliste de l'animal et la certitude de sa mort. Fidèle à une grande partie du travail de Hirst, elle invite à une réflexion sur la vie, la mort et la fragilité de l'existence.