Le Guide Ultime de Damien Hirst : Faits de A à Z

Quand on pense à Damien Hirst, la plupart des gens imaginent son utilisation d'animaux dans ses œuvres. C'est souvent une source de controverse et de débat, car son travail implique fréquemment la conservation d'animaux morts – généralement par un processus d'immersion dans le formaldéhyde, ce puissant produit chimique d'embaumement – puis leur exposition dans des cuves en verre transparent. L'une de ses pièces les plus célèbres est The Physical Impossibility Of Death In The Mind Of Someone Living, qui se compose d'un requin-tigre conservé dans du formaldéhyde à l'intérieur d'une grande vitrine. Elle est considérée comme une œuvre fondatrice du mouvement des Young British Artists et comme celle qui a fini par définir la production artistique de Hirst. En 2004, Saatchi a vendu la pièce à Steven A. Cohen pour une somme non divulguée, largement rapportée comme étant d'au moins 8 millions de dollars. Le titre du livre de Don Thompson, The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art, évoque un prix encore plus élevé, établissant le statut de l'œuvre d'art comme un phénomène à la fois culturel et économique.

Hirst a continué à utiliser cette technique dans d'autres pièces, et ses œuvres utilisant des animaux explorent souvent les thèmes de la mortalité et de l'éphémère. Cependant, elles ont également été l'objet de controverses importantes, de nombreux militants des droits des animaux ayant critiqué Hirst en arguant que son art est cruel et exploiteur.

L'utilisation des papillons par Damien Hirst est un thème central tout au long de sa carrière, et il a exploré ce motif de diverses manières. L'un des exemples les plus célèbres de son usage des papillons se trouve dans la série intitulée In and Out of Love, présentée en 1991. L'exposition se composait de deux parties : dans une salle, Hirst a fixé des chrysalides de papillons sur des toiles peintes en blanc, à partir desquelles les papillons éclosaient, arrivaient à maturité et volaient dans l'enceinte de la pièce. Dans la seconde salle, il a exposé des toiles recouvertes de peinture brillante monochrome, auxquelles étaient attachés des papillons morts.

L'un des premiers mécènes de Hirst fut Charles Saatchi, un éminent publicitaire et collectionneur d'art. Saatchi a commencé à collectionner les œuvres de Hirst au tout début de la carrière de l'artiste et fut un fervent partisan, allant jusqu'à financer la création de la célèbre œuvre de Hirst représentant un requin dans du formaldéhyde.

Il a également joué un rôle majeur dans la promotion des œuvres de nombreux autres Jeunes Artistes Britanniques (YBA) dans les années 1990. Saatchi a exposé les créations de Hirst aux côtés de pièces d'autres YBA lors d'une série d'expositions marquantes dans sa galerie londonienne, ce qui a permis de faire connaître les YBA à un public plus large et a contribué à asseoir leur renommée.

Toutefois, la relation entre Hirst et Saatchi s'est finalement détériorée après que ce dernier eut vendu une partie importante de sa collection d'œuvres de Hirst en 2003. Malgré cela, le mécénat et la promotion précoces de Saatchi ont joué un rôle essentiel dans l'ascension de Hirst dans le monde de l'art.

Depuis ses années d'étudiant à Goldsmiths, Damien Hirst a accumulé un historique d'expositions impressionnant. Ses œuvres ont été présentées dans des institutions prestigieuses comme la Saatchi Gallery à Londres, Kettle’s Yard à Cambridge et le Rijksmuseum à Amsterdam. Une rétrospective de son travail a eu lieu à la Tate Modern en 2012.

En 1988, alors qu'il n'était qu'en deuxième année à la Goldsmiths University de Londres, Hirst fut l'un des principaux organisateurs de l'exposition Freeze. Cette exposition est souvent considérée comme l'un des événements clés dans l'ascension de la génération connue sous le nom des Young British Artists, marquant un moment majeur dans la carrière de Hirst lui-même. L'exposition s'est tenue dans un entrepôt vide de l'Est londonien – bon nombre des artistes présentés étaient des camarades de classe de Hirst, et ils ont travaillé ensemble pour rénover l'espace et y exposer leurs œuvres. Freeze est aujourd'hui reconnue pour la manière dont elle a mis en lumière les thèmes et les approches qui allaient devenir prédominants dans le travail des YBA, notamment une insistance sur l'engagement direct et souvent provocateur avec le spectateur, ainsi que l'utilisation de matériaux et de méthodes non conventionnels. Freeze fut un événement marquant qui a joué un rôle déterminant dans le lancement des carrières d'un certain nombre d'artistes britanniques importants et, surtout, a contribué à repositionner Londres comme un centre vital de la production d'art contemporain.

Hirst a étudié à Goldsmiths, University of London, de 1986 à 1989. C'est durant cette période qu'il a commencé à développer son style artistique distinctif et à se faire connaître pour ses œuvres provocatrices et parfois controversées. En tant que membre des YBAs, Hirst faisait partie d'une scène dynamique de jeunes artistes à Goldsmiths qui cherchaient à explorer de nouvelles façons de créer et de présenter des œuvres. Globalement, le passage de Hirst à Goldsmiths a été une période formatrice dans sa carrière. Cela lui a offert une plateforme To Begin à remettre en question les modes traditionnels de production et d'exposition des œuvres, une pratique qu'il poursuivra tout au long de sa carrière.

Au cours des dernières années, Hirst a collaboré avec Heni Editions, une plateforme qui travaille avec des artistes, des institutions et des ayants droit pour produire des reproductions d'œuvres d'art de haute qualité en édition limitée. Ses séries
The Currency et The Beautiful Paintings ont toutes deux été lancées via Heni, générant un profit important pour l'artiste : il a gagné plus de 20 millions de livres sterling grâce à ces ventes. Celles-ci, tout comme les estampes, offrent un moyen plus accessible pour le public de posséder une pièce de l'histoire de l'art contemporain.

À l'été 2023, il a présenté Where The Land Meets The Sea, un projet qui a réuni la maison de ventes aux enchères Phillips et HENI editions pour exposer trois séries d'interprétations du bord de mer britannique.

Une grande partie des critiques adressées à Hirst porte sur son talent intrinsèque et son sens de l'originalité. Cependant, comme le montre la citation ci-dessus, l'éthique de Hirst diffère de celle de nombreux acteurs du monde de l'art contemporain dans la mesure où il estime que chacun possède la créativité et la capacité de devenir un artiste célébré ; il suffit d'en avoir la volonté.

Hirst a cimenté sa place dans les annales de l'histoire de l'art contemporain lorsqu'il a annoncé son œuvre recouverte de diamants, For the Love of God, en 2007. Composée d'un moulage en platine d'un crâne humain du XVIIIe siècle recouvert de 8 601 diamants impeccables, l'œuvre est à la fois une célébration de l'opulence et un memento mori, rappelant aux spectateurs l'inévitabilité de la mort. Elle est également célèbre pour être l'œuvre d'art la plus chère jamais créée par un artiste vivant, avec un coût estimé à 8 millions de livres sterling. L'historique de vente de cette œuvre est flou, et on se demande si elle a jamais été vendue.

Certaines des œuvres les plus marquantes de Hirst appartiennent à sa série Kaleidoscope, une collection d'œuvres qui utilisent l'imagerie de papillons agencés en motifs géométriques pour créer un effet visuel kaléidoscopique. Cette série illustre la fascination persistante de Hirst pour la beauté, la fragilité et la brièveté de la vie, des thèmes récurrents dans son art. Hirst emploie des milliers d'ailes de papillons intégrées dans des compositions complexes, s'inspirant souvent des vitraux que l'on trouve dans les lieux de culte. Ce lien avec l'imagerie religieuse, combiné à la nature symbolique du papillon, confère une dimension spirituelle ou transcendantale à ces œuvres.

Hirst est né à Bristol, mais il a passé une partie importante de son enfance et de ses jeunes années d'adulte à Leeds, dans le Yorkshire de l'Ouest. Adolescent, Hirst a fréquenté l'Allerton Grange School à Leeds. Plus tard, avant d'intégrer Goldsmiths, Hirst a obtenu un diplôme de base de deux ans au Jacob Kramer College of Art (qui s'appelle aujourd'hui Leeds Arts University). Cette formation initiale a joué un rôle essentiel dans le développement créatif de Hirst et dans son succès ultérieur dans le monde de l'art. Hirst a maintenu des liens avec Leeds tout au long de sa carrière, choisissant souvent d'y exposer des œuvres.

La mort joue un rôle important dans l'art de Damien Hirst, et il s'est forgé une réputation en créant des œuvres qui explorent les thèmes de la mortalité, de la décomposition et de la fragilité de l'existence. Cet intérêt pour le macabre remonte à sa fascination d'enfant pour la mort et le monde naturel, et s'est manifesté le plus notablement dans sa série d'œuvres représentant des animaux conservés dans du formol. Hirst a suscité une vive controverse lorsqu'il a retrouvé et publié une photo de lui adolescent, posant à côté de la tête d'un défunt dans une morgue à Leeds. Dans celles-ci et dans beaucoup d'autres œuvres, l'utilisation du macabre par Hirst vise à amener les spectateurs à se confronter aux vérités inconfortables concernant la mortalité et le caractère éphémère de la vie. Son travail remet également souvent en question les limites de ce qui est considéré comme acceptable ou beau dans l'art, utilisant le macabre pour brouiller les frontières entre l'attirance et la répulsion, la vie et la mort.

Damien Hirst est entré dans le monde des NFT avec son projet de 2022, The Currency, qui a remis en question les idées traditionnelles sur la propriété des œuvres d'art. Hirst a commencé par vendre une édition de 10 000 de ses célèbres peintures « Spot », chacune correspondant à une œuvre NFT (jeton non fongible). Le hic est survenu lorsque les acheteurs ont dû choisir entre conserver la pièce physique ou son équivalent numérique, suscitant un dilemme philosophique : fallait-il préserver l'œuvre physique et supprimer le NFT, ou conserver le NFT et assister à la destruction littérale de l'œuvre physique ?

Dans le cadre de ce projet, Hirst a choisi de conserver 1 000 de ces œuvres en tant que NFT, ce qui l'a obligé à détruire ses propres pièces physiques pour la première fois. Chacune de ces pièces physiques a été méthodiquement incinérée lors d'un événement spécial en octobre 2022, soulevant des questions fascinantes sur la légitimité des NFT en tant que forme d'art à part entière et déclenchant des débats sur le point de savoir si l'art traditionnellement tangible était sur le point de devenir obsolète.

Hirst est connu pour s'appuyer de manière significative sur ses assistants pour créer ses œuvres, ce qui soulève souvent la question de savoir qui est l'« artiste originel ». Une controverse a éclaté lorsqu'il a été révélé que Hirst n'avait peint que cinq de ses tableaux de points (Spot paintings), bien que l'artiste se soit défendu en déclarant : « Vous devez considérer l'artiste comme un architecte, et cela ne nous pose aucun problème que les grands architectes ne construisent pas eux-mêmes les maisons... chaque tableau de points contient mon œil, ma main et mon cœur. J'imagine que vous voudrez dire que si je ne les peins pas moi-même, comment ma main peut-elle y être ? Mais j'ai contrôlé chaque aspect de leur création, et bien plus que simplement les concevoir ou même les commander par téléphone. Et ma main est une preuve partout dans les tableaux. Je pense qu'il est essentiel qu'ils soient faits à la main, mais tout aussi important qu'ils aient l'air d'être faits à la machine. Je n'ai jamais eu de problème à utiliser des assistants. » Pour Hirst, le concept de l'œuvre est bien plus important que son exécution.

Tout au long de sa carrière, Hirst a fait l'objet d'au moins seize accusations de plagiat. En 2010, l'artiste Charles Thomson a publié une critique cinglante de certaines de ces allégations, lesquelles concernent plusieurs de ses œuvres, notamment Hymn (1999-2005). La sculpture en bronze de Hirst, haute de 6 mètres et représentant méticuleusement un corps masculin, est une copie directe d'un jouet pour enfants : le « Young Scientist Anatomy Set », initialement conçu par Norman Emms. Hirst a ensuite accepté un règlement à l'amiable, faisant un don à des œuvres caritatives pour enfants sans reconnaître aucune faute. Il est important de noter que les notions d'appropriation, d'inspiration et de réplication sont profondément ancrées dans la pratique de nombreux artistes contemporains, pas seulement Hirst. Cependant, les allégations de plagiat jouent toujours un rôle notable dans The Discussion entourant ses œuvres.

En 1996, deux enfants terribles de la scène contemporaine britannique s'associent pour relancer Quo Vadis, un restaurant historique dans le quartier de Soho à Londres. Marco Pierre White n'en était alors qu'aux premières étapes de sa carrière célèbre lorsqu'il s'est associé à Damien Hirst pour rénover le restaurant. Hirst a grandement contribué au design et à l'ambiance, créant une série de fresques colorées pour l'établissement, mettant en scène ses motifs emblématiques, ainsi qu'un bar fabriqué à partir de fournitures médicales. Ces aménagements ont donné naissance à un environnement de restauration unique, mémorable et quelque peu provocateur. Cependant, ce partenariat a vite pris fin et les deux hommes ont eu une querelle publique. Les œuvres de Damien Hirst n'ornent plus le restaurant.

La fascination de Hirst pour la mortalité se manifeste également par une préoccupation quant à l'impact de la religion sur notre philosophie de vie, souvent perceptible à travers son utilisation du symbolisme. Il recourt fréquemment à l'imagerie religieuse traditionnelle, s'appuyant sur des motifs tels que la croix, l'agneau et la colombe. Un exemple de l'engagement de Hirst envers la religion est The Incomplete Truth, une colombe suspendue dans du formol, qui évoque clairement le Saint-Esprit dans l'iconographie chrétienne. De même, The Golden Calf, un taureau aux cornes et aux sabots en or 18 carats suspendu dans du formol, est interprété comme une référence à l'histoire biblique des Israélites adorant le veau d'or – souvent considéré comme un avertissement contre l'idolâtrie. Bien que les œuvres de Hirst n'adhèrent à aucune croyance ou affiliation religieuse particulière, les thèmes et l'iconographie religieux lui servent souvent de cadre pour explorer des concepts tels que la vie, la mort et la lutte humaine pour trouver un sens. Son usage de motifs religieux offre un langage commun qui permet aux spectateurs de s'approprier ces thèmes universels.

L'artiste a collaboré à de nombreuses reprises avec cette maison de ventes aux enchères prestigieuse au cours de sa carrière. Notamment, et conformément à son attitude rebelle envers le monde de l'art et à son éthique commerciale, Hirst a réalisé un coup inédit pour un artiste vivant en septembre 2008 : il a court-circuité ses galeries de longue date pour vendre aux enchères une exposition entière, Beautiful Inside My Head Forever, via Sotheby's. La vente a rapporté 111 millions de livres sterling, établissant à l'époque un nouveau record pour une vente consacrée à un seul artiste. De plus, Hirst a battu son propre record personnel avec la vente du The Golden Calf, un veau conservé dans du formol et orné de cornes et de sabots en or 18 carats, qui a rapporté à lui seul 10,3 millions de livres sterling.

Hirst est célèbrement associé au Turner Prize, la distinction la plus prestigieuse décernée aux artistes plasticiens au Royaume-Uni. Il a été nommé pour le Turner pour la première fois en 1992, et sa participation cette année-là comprenait l'œuvre emblématique du requin-tigre, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living. Bien qu'il n'ait pas remporté le prix cette année-là, sa deuxième nomination en 1995 fut plus heureuse : la pièce primée était Mother and Child Divided, une installation présentant une vache et son veau découpés en sections et exposés dans des vitrines séparées remplies de formaldéhyde. Cette victoire au Turner Prize a confirmé la place d'Hirst au premier plan de la scène artistique britannique contemporaine.

L'exposition sous-marine de Damien Hirst en 2017, Treasures from the Wreck of the Unbelievable, a été présentée au Palazzo Grassi et à la Punta della Dogana à Venise, en Italie. Cette exposition était le projet le plus ambitieux de Damien Hirst à ce jour et marquait son retour sous les feux de la rampe après des années loin des grandes expositions. Le concept du spectacle était une histoire fictive créée par Damien Hirst concernant un ancien naufrage découvert au large des côtes de l'Afrique de l'Est. Selon ce récit, le navire – nommé The Unbelievable – était chargé d'une vaste collection de trésors et d'artefacts rassemblés par un ancien esclave affranchi devenu riche. Les objets exposés étaient présentés comme s'ils étaient les trésors récupérés de cette épave.

L'exposition comptait environ 190 œuvres, allant de petites pièces à des statues monumentales. Les œuvres étaient exposées comme des découvertes archéologiques, encore incrustées de coraux et de bernacles, vestiges de siècles passés sous la mer. La plupart des pièces étaient inspirées de diverses cultures et mythologies antiques, et certaines intégraient des références ludiques à la culture pop contemporaine et aux propres œuvres passées de Damien Hirst : l'une des statues « anciennes » portait l'inscription « Made In China » au dos.

L'exposition Treasures from the Wreck of the Unbelievable a reçu des critiques mitigées. Certains critiques ont salué l'audace et le sens du spectacle de Damien Hirst, tandis que d'autres ont été moins convaincus, trouvant le spectacle excessif ou le critiquant comme un commentaire sur le marché de l'art lui-même.

L'exposition Treasures from the Wreck of the Unbelievable a marqué la première incursion de Hirst dans la scène artistique vénitienne. Il a choisi de la présenter en même temps que la Biennale de Venise de cette année-là – l'un des événements artistiques les plus importants au monde – bien qu'elle n'ait eu aucune affiliation officielle avec l'événement lui-même.

Hirst est l'un des artistes les plus fortunés au monde, ayant accumulé une fortune considérable grâce à la vente de ses œuvres, à son association avec des galeries influentes, ainsi qu'au marketing et à la commercialisation avisés de son travail. La fortune nette de Hirst était estimée à plusieurs centaines de millions de livres sterling, et il est souvent cité comme l'artiste vivant le plus riche du Royaume-Uni. En plus des ventes de ses œuvres, Hirst s'est également lancé dans une série d'activités commerciales, notamment des collaborations de design et des produits dérivés liés à ses œuvres, qui ont également contribué à sa richesse.

Self-Portrait with X-Ray est une œuvre de Damien Hirst datant de 2008. Cette pièce poursuit l'exploration des thèmes tels que la condition humaine par l'artiste, alors qu'il confronte le spectateur à la structure interne de son propre corps exprimée par une radiographie. L'autoportrait est un rappel saisissant de notre condition physique et de notre mortalité, des éléments que l'on retrouve fréquemment dans l'ensemble de l'œuvre de Hirst. En exposant l'intérieur de son propre corps, Hirst réduit son identité à une existence purement biologique, mettant de côté les caractéristiques émotionnelles ou personnelles.

Les Young British Artists (YBA) formaient un groupe d'artistes apparu à Londres à la fin des années 1980. Ce collectif est célèbre pour son esprit d'entreprise, son recours à la provocation et sa volonté d'explorer les aspects commerciaux du monde de l'art. Parmi ses membres figurent Hirst, Tracey Emin, Sarah Lucas, Gary Hume et Rachel Whiteread, entre autres. Les YBA sont reconnus pour avoir repoussé les limites de ce qui est considéré comme de l'art, intégrant souvent des matériaux peu conventionnels dans leurs œuvres : Emin est notamment connue pour ses pièces confessionnelles et autobiographiques, comme sa tente intitulée Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 et l'emblématique My Bed. Les YBA ont suscité une attention médiatique considérable et ont été soutenus par plusieurs collectionneurs d'art influents, notamment Charles Saatchi, qui a exposé leurs œuvres lors d'une série d'expositions à la Saatchi Gallery durant les années 1990. Ces expositions ont contribué à cimenter la réputation du groupe et ont permis à nombre de ses membres d'obtenir une reconnaissance généralisée.

L'une des œuvres de Hirst sur les animaux dans le formol les plus célèbres est celle d'un zèbre. Intitulée The Incredible Journey, elle a été réalisée en 2008, comme beaucoup d'œuvres de sa série Natural History.

Comme la plupart des pièces de cette série, l'œuvre offre une image frappante grâce au contraste entre la conservation réaliste du zèbre et la certitude de sa mort. À l'instar de beaucoup de travaux de Hirst, elle invite à la réflexion sur la vie, la mort et la fragilité de l'existence.