L'amour de David Hockney pour les chaises

Le mobilier dans l'art est une présence symbolique et thématique à travers les siècles, servant bien plus qu'un simple arrière-plan ou un élément de décoration ; il incarne souvent l'essence d'une époque, reflétant l'état émotionnel de l'artiste ou symbolisant des thèmes culturels plus larges. Il est présent depuis l'Antiquité, lorsque les peintures funéraires égyptiennes et les vases grecs représentaient du mobilier pour signifier le statut, le pouvoir ou la connexion divine. Durant la Renaissance, le mobilier dans l'art est devenu plus détaillé et réaliste, des artistes comme Jan van Eyck l'intégrant pour approfondir la narration et la perspective de leurs œuvres et démontrer leur dextérité technique. L'Âge d'or néerlandais a apporté une représentation intime des intérieurs domestiques, des artistes comme Johannes Vermeer et Pieter de Hooch utilisant le mobilier pour créer des scènes sereines et lumineuses qui évoquent la tranquillité de la vie quotidienne. Ces pièces portaient souvent des messages moraux ou allégoriques, transmis par la disposition soignée des objets ménagers. On peut voir de nombreuses chaises dans la scène de genre de Dirck Hals, Gentlemen Smoking And Playing Backgammon in A Tavern, par exemple.

Au XIXe siècle, l'accent s'est déplacé vers des expressions plus personnelles et émotionnelles. La Chambre de Vincent van Gogh à Arles est un excellent exemple : sa représentation simple, mais vibrante de sa chambre va au-delà de l'espace physique, reflétant sa quête de paix et de stabilité. Van Gogh a également peint une série de chaises, dont La Chaise de Van Gogh, que Hockney réinterprétera un siècle plus tard. Le XXe siècle a introduit des approches abstraites et conceptuelles du mobilier dans l'art ; les Surréalistes comme Salvador Dalí ont transposé le mobilier dans le domaine de l'étrange, transformant des objets quotidiens en symboles oniriques, comme on le voit dans son Canapé Lèvres de Mae West. Les artistes contemporains continuent d'explorer le potentiel thématique et esthétique du mobilier, l'utilisant pour aborder des questions d'identité, de consumérisme et du passage du temps. Dans la performance de Marina Abramović, The Artist Is Present, les chaises ont joué un rôle essentiel et symbolique dans l'interaction entre l'artiste et son public. Tenue au Museum of Modern Art à New York en 2010, la performance voyait Abramović assise silencieusement à une table en bois pendant 736 heures sur trois mois, invitant les visiteurs du musée à s'asseoir en face d'elle pour partager un moment d'interaction silencieuse. La chaise en face d'Abramović est devenue une scène pour un dialogue profond et non verbal, servant de réceptacle à l'échange émotionnel et à la connexion humaine.

L'œuvre de Hockney s'inscrit donc dans une longue tradition de représentation de ces objets familiers tant appréciés.

L'une des premières représentations de chaise par Hockney est Panama Hat On A Chair With Jacket, datant de 1972. Cette œuvre est un hommage visuel poignant suite au décès de son ami et premier conservateur de l'art du XXe siècle au Metropolitan Museum, Henry Geldzahler. Par l'agencement intime des objets personnels de Geldzahler – un chapeau Panama, une veste, un verre vide et une pipe sur l'une des chaises signatures de Hockney – l'œuvre dépasse la simple nature morte pour devenir un portrait profondément rhétorique sans représenter Geldzahler lui-même. L'absence physique de la personne se fait sentir à travers la présence de ses objets, et le deuil imprègne la composition. Hockney est revenu sur cette œuvre en 1998 avec Hat On A Chair et Panama Hat On A Chair, créées par Hockney pour figurer dans le Geldzahler Portfolio : une collection de 10 œuvres d'artistes tels que Jasper Johns, Roy Lichtenstein, David Salle et Frank Stella.

En 1973, Hockney réalisa deux lithographies depuis son domicile californien, Chair, 38 The Colony, Malibuet Slightly Damaged Chair, Malibu. Avec un regard aiguisé pour les subtiles imperfections et les plis des chaises, Hockney utilise une touche délicate qui met en lumière les détails et les nuances d'un objet domestique quotidien, le transformant en sujet d'observation et d'appréciation plus profondes. En contraste direct avec la palette de couleurs vibrantes qui dominait ses œuvres les plus célèbres à l'époque – notamment Portrait Of An Artist (Pool With Two Figures) –, le gris utilisé ici force le spectateur à se concentrer uniquement sur l'objet, débarrassé de tout contexte.

Dans les années 1980, cependant, Hockney s'est tourné vers l'utilisation de la couleur pour représenter les chaises, le faisant dans un style totalement différent du photoréalisme d'avant. Dans Two Pembroke Studio Chairs, les meubles sont dépeints sur un fond cubiste abstrait. Dans Two Red Chairs et Two Red Chairs And Table, il explore une technique plus moderniste, avec une palette de couleurs primaires. Dans Picture In Two Chairs, il adopte une approche plus feutrée, choisissant des couleurs chaudes pour créer une atmosphère douillette, tandis que Number One Chair se distingue totalement de son environnement par la couleur. L'œuvre de 1988, Office Chair, adopte une approche plate et minimaliste – bien qu'elle conserve la préférence de Hockney pour les couleurs primaires.

Dans l'œuvre Chair With Book On Red Carpetde 1999, Hockney était revenu à son approche initiale, utilisant le gris avec des touches de rouge, rappelant son style dans la série The Rake’s Progress. À travers ces œuvres, la chaise a fonctionné comme un sujet en soi. Elle a été modifiée en fonction des intentions et des styles de Hockney, montrant à quel point l'objet et l'artiste sont tous deux polyvalents.

Les chaises sont également des accessoires majeurs dans l'œuvre de Hockney, servant souvent d'éléments vitaux qui enrichissent le récit, la composition et la profondeur émotionnelle de ses réalisations. La fascination de Hockney pour les chaises se manifeste dans plusieurs de ses portraits, où elles ne servent pas seulement à soutenir physiquement ses modèles, mais ajoutent aussi des couches de signification, de contexte et de personnalité à ses représentations. Nombre d'entre elles mettent en scène sa muse et modèle fréquent, Celia Birtwell : dans Celia In A Wicker Chair et son pendant Celia In A Wicker Chair (black state), Hockney la capture assise dans une chaise en rotin. Le choix d'une chaise en osier dans ces œuvres est particulièrement évocateur ; sa conception ouverte et aérée contraste avec la solidité de la personne assise, soulignant sa présence et le regard qu'elle adresse au spectateur. La chaise encadre Birtwell d'une manière qui accentue son élégance et la grâce décontractée de l'instant, fusionnant le domestique et l'artistique. Celia Seated In An Office Chair et son pendant dans la version noire présentent une ambiance différente : l'Office Chair, généralement associée au travail et à la formalité, fait écho à sa posture droite et suggère un mélange de sphères personnelle et professionnelle. La capacité de Hockney à représenter la chaise avec une telle fidélité, à côté de son sujet, souligne son intérêt pour les textures, les formes et les aspects fonctionnels des chaises en tant qu'objets dans l'espace.

Celia In Director’s Chair et Ann Seated In Director's Chair offrent encore une autre perspective. La chaise de réalisateur, souvent liée à l'autorité, encadre les femmes dans une position de commandement décontracté. Le choix de cette chaise signale un clin d'œil ludique aux rôles de leadership et de créativité, des éléments qui résonnent tout au long de la carrière de Hockney. En plaçant les sujets dans cette chaise, Hockney saisit non seulement leur ressemblance physique, mais évoque aussi leur personnalité et leur dynamique. La chaise, avec son association emblématique à la direction et à la créativité, souligne le rôle des femmes en tant que muses et collaboratrices dans le processus créatif de Hockney. Le décor et la posture traduisent un sentiment de confort et d'aisance, mettant en lumière la connexion intime et personnelle entre l'artiste et son modèle.

Dans Celia Adjusting Her Eyelash, bien que l'accent soit principalement mis sur l'acte représenté, la chaise joue à nouveau un rôle essentiel pour cadrer le moment. La chaise soutient l'action, offrant une scène au geste intime qu'est l'ajustement d'un cil. Cette œuvre illustre la manière dont Hockney utilise l'interaction pour attirer l'attention sur les moments banals mais profondément personnels qui passent souvent inaperçus. La chaise, dans ce cas, n'est pas seulement un objet physique mais aussi symbolique, soulignant l'élégance décontractée et la grâce du sujet, même dans un instant de vulnérabilité naturelle. De même, dans Celia In An Armchair, elle est assise confortablement dans un fauteuil, un cadre qui traduit immédiatement une atmosphère d'intimité et de détente. La chaise encadre Birtwell dans un moment personnel et privé, suggérant un espace de aisance tout en accentuant l'élégance de la personne assise et la force tranquille de sa personnalité, ainsi que la relation étroite entre l'artiste et sa muse.

À travers ces œuvres, Hockney explore la chaise comme un marqueur de l'humeur du sujet et de sa relation avec son environnement.

Il arrive également à Hockney d'utiliser des chaises comme vecteurs narratifs, leur conférant une signification qui dépasse leur fonction utilitaire et les transformant en symboles de présence, d'absence et du passage du temps. Deux œuvres marquantes où Hockney y recourt pour construire un récit sont Celia With Chair et The Chairs. Dans la première, il représente un chevalet portant le portrait en gros plan du visage de Birtwell, placé en face d'une chaise dans une pièce par ailleurs vide. Dans cette disposition, la chaise et le chevalet avec le portrait de Celia interagissent dans l'espace, établissant un dialogue entre présence et absence, entre le mécanisme de la peinture et le spectateur, entre le tangible et le représenté. La chaise, faisant face au chevalet, suggère un public pour le portrait, impliquant une présence qui se ressent plutôt qu'elle ne se voit. Cette mise en scène raconte une histoire d'attente ou de réflexion, évoquant l'idée que l'absence peut être une présence aussi puissante dans un espace que la présence physique d'un individu.

Dans le photomontage The Chairs, Hockney s'éloigne de la perspective à point unique traditionnelle pour offrir une vue multifacette d'une scène composée de plusieurs chaises. Les chaises sont disposées de manière à inviter le spectateur à considérer les histoires qu'elles pourraient raconter : qui s'y est assis, quelles conversations y ont eu lieu, ou quels moments de solitude elles ont connus. Étaient-elles souvent occupées ? Pourquoi sont-elles vides ? Cette technique permet à Hockney de jouer avec l'espace, le temps et la perspective, créant un récit fragmenté mais cohérent. Les chaises s'unissent pour former un récit collectif sur la présence, l'absence et le passage du temps.