L'art du sac à main de luxe

Pour le défilé Printemps 2001, le créateur Marc Jacobs a fait appel à l’artiste Stephen Sprouse pour créer une ligne en édition limitée de sacs iconiques en toile monogrammée Louis Vuitton, qu’il a réinterprétés de manière audacieuse dans un style graffiti. Dans une interview, Jacobs a révélé que son inspiration venait de l’audace de Marcel Duchamp, qui avait ajouté une moustache et un bouc à une reproduction de la Joconde. Le triomphe de cette collaboration a ouvert la voie à la liberté artistique de Jacobs chez Louis Vuitton, préparant le terrain pour une série de futures collaborations d’artistes de la marque et au-delà.

Les sacs présentaient les designs et le logo immédiatement reconnaissables de Louis Vuitton, mais portaient l’écriture audacieuse caractéristique de Sprouse. Le résultat était des sacs traditionnels infusés d’une nouvelle énergie qui plaisaient aux jeunes clients de la marque. La collaboration a été relancée en 2008, après la mort de Sprouse, et reste aujourd’hui vénérée par les amateurs de mode.

Le succès de la collection Stephen Sprouse n’était que le début pour Louis Vuitton. Depuis, la marque a entamé une longue histoire de collaborations avec des artistes, dont la plus notable est celle avec Takashi Murakami. Sa première collection en 2003 fut l’une des plus emblématiques du début des années 2000, et ses créations comptent aujourd’hui parmi les plus convoitées sur le marché vintage.

Dans Multicolore, Murakami a réinterprété le logo emblématique de Louis Vuitton avec sa palette colorée distinctive, rencontrant rapidement un succès culte auprès des célébrités et des passionnés. Il a ensuite collaboré à plusieurs reprises avec la marque, notamment pour les collections Cherry Blossom et Monogramouflage. Certaines de ses créations présentaient ses personnages de dessins animés inspirés des mangas, disséminés aux côtés du monogramme classique de la marque, une parfaite représentation du penchant de l’artiste pour le mélange entre le « high art » et la pop culture.

Cette collaboration fut une nouvelle tentative réussie de rajeunir l’image de Louis Vuitton et d’attirer un public plus jeune. Le partenariat fut si efficace que la collection est restée en magasin jusqu’à l’été 2015, ayant surpassé presque toutes les autres collaborations d’artistes avec la marque.

Lorsque la marque française Longchamp a souhaité célébrer le 10e anniversaire de son sac Le Pliage, elle a fait appel à l'artiste Tracey Emin pour créer une offre de sacs en édition limitée. Pour l'élaboration de la ligne Longchamp, Emin a incorporé certaines de ses techniques signature, telles que la déconstruction et la reconstruction de textiles, le patchwork, la broderie et la peinture, afin de produire une collection véritablement reconnaissable.

Ensemble, ils ont créé « International Woman », une collection de 200 valises uniques qui racontent l'histoire d'une femme tombant amoureuse à travers le monde. Chaque valise portait une rosette sur laquelle Emin a dessiné le logo Longchamp aux côtés du nom manuscrit d'une rue, d'une ville ou d'un hôtel qui rappelait à l'artiste un moment ou une rencontre romantique de sa propre vie. Elle a également créé 200 réinterprétations personnelles du sac à main Le Pliage, qui se déclinaient en deux coloris – rose et bleu – et comportaient l'un de ses slogans confessionnels inscrit au dos : « Always Me. »

En 2012, Mary-Kate et Ashley Olsen, les icônes de mode insaisissables derrière la marque de mode The Row, ont collaboré avec Damien Hirst pour créer une collection capsule exclusive de sacs à dos, qui n'a été proposée que sur la plateforme Just One Eye. La collection comprenait 12 modèles différents de Hirst, tous confectionnés dans le cuir de crocodile du Nil emblématique de la marque, et présentait plusieurs de ses motifs récurrents tels que les Polka Dots et les capsules de pilules. La collection visait à être une étude des contrastes, entre le matériau luxueux et l'esthétique rebelle de l'artiste. Il est dit que les sacs à dos, chacun signé par Hirst, étaient vendus plus de 40 000 £ et auraient généré des fonds pour l'UNICEF.

Malgré leur prix élevé, les sacs se seraient vendus rapidement, bien que le don à l'UNICEF ait été apparemment effectué à la discrétion de l'artiste et n'ait pas été annoncé publiquement. Il est dit que ce fut le premier d'une série de partenariats artistiques curatés par le concept store Just One Eye, basé à Los Angeles.

En 2012, l'artiste japonaise recluse Yayoi Kusama a collaboré avec Marc Jacobs, alors designer chez Louis Vuitton, pour créer une série de sacs, de vêtements et d'accessoires arborant ses pois emblématiques et son esthétique colorée. La collection Dots Infinity a été la collaboration la plus étendue de Louis Vuitton avec un artiste à ce jour, et la maison de couture a également parrainé l'exposition rétrospective de l'artiste au Whitney la même année.

C'était loin d'être la première incursion de Kusama dans la création de vêtements, bien que ce fût sa collaboration la plus médiatisée à ce jour. Kusama avait auparavant possédé sa propre boutique de mode dans les années 1960, une marque nommée Kusama Fashion Company, qui vendait ses robes et ses textiles dans des boutiques. Elle avait même son propre magasin à New York où, pendant un temps, Bloomingdales avait un coin Kusama complet, avec toutes ses robes décorées de ses motifs habituels.

Après sa collaboration peu accessible avec The Row, Damien Hirst s’est associé au géant de la mode Miuccia Prada pour créer 20 exemplaires de cinq sacs à main incrustés d’insectes, vendus aux enchères silencieuses au profit de l’organisation à but non lucratif Reach Out To Asia. Ces sacs à main marquaient également la célébration de l’exposition rétrospective de Damien Hirst au Qatar la même année, et s'inscrivaient dans la philosophie de Damien Hirst d’utiliser de vrais animaux préservés dans ses œuvres. Ils étaient recouverts de plexiglas et disposés aux côtés de versions délicatement brodées d’insectes, créant un contraste fascinant entre le réel et le faux. Au moment de leur sortie, le prix des sacs était d’environ 20 000 £, et en 2020, l’un des exemplaires est apparu publiquement lors de l’exposition du V&A « Bags: Inside Out ».

Le partenariat fut un succès, les sacs se vendant rapidement malgré le fait que Miuccia Prada se soit déclarée l'année précédente contre la collaboration avec le « high art », affirmant que « l'art sert à exprimer des idées et une vision [tandis que] mon travail est de vendre ». Peut-être cette déclaration est-elle la meilleure preuve que les artistes et les créateurs travaillent mieux lorsqu'ils complètent leurs talents respectifs.

En 2014, Jeff Koons a prouvé une fois de plus son aptitude pour le marché des beaux-arts en créant une installation à partir de sacs Birkin d’occasion. Dans le but de collecter des fonds pour l’association caritative Project Perpetual, l’artiste s’est approprié ces sacs – ayant appartenu à des personnalités de premier plan telles que Diane von Furstenberg, Marc Jacobs et Sofia Coppola – et les a transformés en œuvres d’art ready-made, installées sur des étagères murales. Il a également créé une sculpture dont les sacs étaient la pièce maîtresse, une œuvre inspirée par *La Soupe* de Pablo Picasso et comprenant trois Birkins.

Les Hermès Birkin sont devenus célèbres pour leur association à la richesse et au statut, ainsi que pour leur capacité étonnante à prendre de la valeur en tant qu’actif alternatif. En subvertissant ce qui est traditionnellement considéré comme une « matière première » pour un artiste, Koons a interrogé ce qui comptait le plus pour les acheteurs : qui l’avait créé, qui l’avait possédé ou qui l’avait signé ? La réponse fut, apparemment, un mélange retentissant des trois.

En tant qu'un des artistes les plus célébrés de notre époque, il est tout naturel que Jeff Koons s'interroge sur sa place dans les annales de l'histoire de l'art en général. Sa collaboration avec Louis Vuitton, la collection Masters, présentait la reproduction de chefs-d'œuvre de grands noms du monde de l'art – Da Vinci, Titien, Rubens, Fragonard, Boucher et Van Gogh, pour n'en nommer que quelques-uns.

Cependant, Koons a également réussi à laisser sa marque aux côtés de ces légendes : il a reconfiguré le monogramme de la marque pour y apposer ses initiales, marquant ainsi la première fois dans l'histoire de la maison de couture que celle-ci autorisait la refonte de son célèbre logo.

Cette fusion distincte de la haute art et de la mode a permis aux acheteurs de posséder une petite version d'une pièce de maîtres anciens dans leur garde-robe, et d'affirmer leur style personnel à travers le choix de l'artiste. La collaboration a été largement considérée comme un succès, tant sur le plan critique que commercial.

Dix ans après leur dernier partenariat, deux des plus grands noms de l’art et de la mode ont décidé de s’unir à nouveau. La dernière collaboration de Louis Vuitton avec Yayoi Kusama s’est avérée aussi percutante que la première, d’autant plus que la cote de l’artiste ne cesse de monter. La nouvelle collection, Creating Infinity, reprend bon nombre des motifs et symboles familiers à la vaste légion de fans de Kusama : les motifs géométriques, les Polka Dots et les couleurs vives y abondent. La collection est vaste, avec plus de 400 articles et plusieurs modèles de sacs et d’objets, le tout décliné dans différentes palettes de couleurs.

Cependant, elle a également suscité la controverse, en partie à cause de l’insistance de la marque sur une expérience artistique interactive : une réplique gonflable géante de l’artiste planant au-dessus du magasin Louis Vuitton sur les Champs-Élysées à Paris et un robot animé à son effigie à New York sont devenus viraux. Des questions ont été soulevées quant à savoir qui bénéficie de cet accord, surtout compte tenu de la réclusion auto-imposée de Yayoi Kusama.

Yoshitomo Nara a collaboré à deux reprises avec la créatrice britannique Stella McCartney, la première fois en 2021. Après l’épuisement des stocks de leur première collection, les deux parties ont décidé de s’associer pour une deuxième sortie en 2023. Il s’agit d’une collection capsule unisexe présentant des œuvres de l’artiste japonais. Les designs visent à attirer l’attention sur des problématiques importantes, la résistance audacieuse et la rébellion juvénile des illustrations de Nara unissant une nouvelle génération de leaders du changement autour d’un activisme commun, d’une esthétique partagée et d’un amour pour les animaux.

Conformément à l’éthique de Stella McCartney, la collection est durable et végane. L’artiste a évoqué la différence dans la méthode créative entre ces deux collections capsules, illustrant à quel point le processus peut être unique à chaque fois :