Mythologie Pop

Le portfolio Myths de Warhol encapsule son interprétation du rêve américain et des icônes qui le façonnent. Il était convaincu que la perception que l'on a de l'Amérique est un patchwork d'expériences tirées des films, de la musique, de la littérature et des émotions personnelles – un mélange de réalité et d'une fantaisie que l'on s'est soi-même forgée. Ce portfolio se distingue de l'approche habituelle de Warhol, qui consistait à s'approprier des images existantes. Il présente ici des reconstitutions originales d'icônes de la télévision et de la culture populaire américaine.

Ces personnages, allant de Dracula à l'Oncle Sam, n'ont pas été simplement extraits des médias populaires, mais ont été vivifiés par une mise en scène élaborée. Dans certains cas, Warhol a fait appel à des acteurs et à des amis pour incarner certains de ces personnages archétypaux, capturant leur essence dans des photographies Polaroid. Ces clichés ont ensuite servi de base à ses sérigraphies dynamiques, caractérisées par leurs couleurs vives et une sensation de mouvement. Nombreux sont les sujets choisis par Warhol pour la série Myths qui rappellent l'âge d'or de la télévision et du cinéma. Ces choix traduisent un hommage nostalgique aux premières influences dans la vie de Warhol et au conscient culturel américain plus large.

Un aspect remarquable de cette série est l'utilisation pionnière de la poussière de diamant par Warhol dans la sérigraphie. Expérimentée pour la première fois dans ses Diamond Dust Shoes en 1980, Warhol a eu recours à la poussière de diamant pour ajouter une touche de glamour et de brillance à ses œuvres. Pourtant – dans la plus pure tradition warholienne – ce glamour n'est qu'une illusion, car il utilise une poussière sous-produit, bon marché et produite en série, ce qui constitue peut-être un commentaire sur la nature de la célébrité et de la superficialité.

Publiées à l'origine par la Ronald Feldman Gallery, chacune des 10 œuvres avait une édition limitée à 200 exemplaires.

Cette estampe représente la figure emblématique symbolisant le gouvernement américain, célèbrement utilisée sur les affiches de recrutement pendant la Première et la Seconde Guerre mondiale. La réinterprétation de Warhol se détache sur un fond jaune pâle, les traits du personnage étant capturés avec vivacité par des lignes rouges et bleues, rappelant les couleurs du drapeau américain et consolidant Oncle Sam comme une personnification des États-Unis.

Contrairement à de nombreux personnages de la série Myths de Warhol, qui inclut principalement des figures du divertissement issues de la télévision et du cinéma, Oncle Sam constitue une inclusion singulière, n'étant pas à l'origine une création pour le divertissement. Pour réaliser ce portrait, Warhol a eu recours à une approche distincte : il a demandé à son ami James Mahomey de poser en tant qu'Oncle Sam pour des photos Polaroid, fournissant ainsi une source personnalisée et directe pour les sérigraphies. Cette méthode marque une rupture avec la pratique habituelle de Warhol consistant à utiliser des images préexistantes, comme on peut le voir dans sa collection Ads, démontrant ainsi sa polyvalence et sa créativité dans la capture des icônes culturelles.

Cette estampe représente le héros emblématique des comics Superman dans le style signature de Warhol, caractérisé par des couleurs vives. Warhol réinterprète de manière créative son costume bleu classique et sa cape rouge en dupliquant et superposant un contour plus clair de la silhouette, créant ainsi une illusion de mouvement en plein vol. Introduit pour la première fois par DC Comics en 1938, Superman est devenu un symbole mondial de la bonté, de l'héroïsme et de la force américains. L'immense popularité du personnage a donné lieu à des adaptations dans divers médias, notamment des romans, des films et des séries télévisées.

Dans la collection Myths, Warhol présente une juxtaposition de personnages représentant différents extrêmes moraux ; il oppose des figures mythologiques de vertu, comme Superman, à celles du mal, telles que la Méchante Sorcière de l'Ouest. Ce contraste met en lumière l'exploration par Warhol des récits et des personnages divers qui façonnent la culture populaire et la mythologie américaines.

L'œuvre Superman de Warhol a récemment animé le marché. Lors de la vente en ligne d'une seule œuvre d'Andy Warhol organisée par Christie's, intitulée Andy Warhol: Myths (du 31 janvier au 14 février 2025), les enchères ont atteint 832 900 dollars américains, menées par Superman à 252 000 dollars américains. Bien qu'il ne s'agisse pas d'un record aux enchères, ce prix établit une référence actuelle pour l'édition standard et témoigne d'une demande soutenue pour le portfolio, ce sujet surpassant régulièrement les autres de la série.

Cette estampe capture Margaret Hamilton dans son rôle emblématique de la Méchante Sorcière du "Magicien d'Oz". La représentation de Warhol immortalise son image dans l'archétype de la méchante américaine : saisie en plein cri, son visage d'un vert saisissant sur un fond bleu ciel nocturne contrastant, le tout souligné d'un rouge vif. Cette œuvre fait partie d'une série qui met en lumière des personnages de l'âge d'or du cinéma et de la télévision des débuts, faisant écho à l'enfance américaine classique des années 1940 et 1950. L'œuvre de Warhol commente le processus de création de mythes à travers les films et dessins animés du vieil Hollywood, où sont nés les héros et les méchants stéréotypés du XXe siècle.

La Sorcière, avec sa réinterprétation sinistre d'un personnage familier de l'enfance, contraste fortement avec les célèbres portraits de Warhol représentant des femmes célébrées comme Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor et Jackie Kennedy. Ici, dans The Witch, Warhol présente l'anti-héroïne féminine par excellence du Pop Art, un contraste vibrant et dramatique avec ses représentations habituelles de glamour et d'attrait féminins, soulignant la diversité des récits qui façonnent la culture pop américaine.

Cette estampe saisit l'essence d'une figure singulièrement ancrée dans la culture populaire américaine. Warhol utilise des lignes vives et gestuelles pour esquisser les traits de Mammy, un personnage stéréotypé afro-américain de la littérature et du cinéma. Originaire du Sud des États-Unis au XIXe siècle, Mammy incarne un stéréotype profondément problématique des femmes noires, dépeintes comme des aides domestiques serviles et attentionnées. Cette caricature, popularisée sous diverses formes médiatiques, perpétue une vision idéalisée du Sud d'avant la guerre de Sécession, tout en occultant les dures réalités de l'esclavage et de la discrimination raciale. Ce personnage est apparu de manière célèbre dans le roman abolitionniste de Harriet Beecher Stowe, La Case de l'oncle Tom ; le portrait de Warhol attire l'attention sur son histoire troublante.

Sur un fond noir uni, le visage de Mammy par Warhol est représenté de manière saisissante avec des yeux turquoise et verts, et elle est parée de grandes créoles jaunes qui captent le regard au milieu de ce décor sombre. Un bandeau rouge et des lèvres rouge vif assorties ajoutent encore plus de vitalité à l'image. Cette estampe, à l'instar des autres de la série, témoigne de la capacité unique de Warhol à mettre en lumière, réinventer et réinterpréter des figures familières de la culture américaine dans son style artistique distinctif.

Cette estampe immortalise le personnage adoré de l'émission télévisée pour enfants Howdy Doody, diffusée des années 1940 aux années 1960. Cette marionnette au visage parsemé de taches de rousseur, reconnaissable à ses cheveux roux et son sourire communicatif, est devenue une icône de la culture populaire américaine, incarnant l'esprit innocent et optimiste des États-Unis de l'après-Seconde Guerre mondiale. L'émission elle-même, mêlant prises de vues réelles et marionnettes, fut l'un des tout premiers et plus aimés programmes pour enfants à l'aube de la télévision, établissant un standard pour le divertissement jeunesse et laissant une empreinte durable sur l'histoire culturelle américaine.

L'estampe présente Howdy Doody dans des couleurs primaires vives sur un fond sombre, ce qui fait ressortir la figure avec un éclat lumineux. La ligne dessinée, rappelant un crayon, signature de Warhol, souligne les contours de l'image, renforçant son style graphique et vibrant. Cette œuvre témoigne de l'intérêt plus large de Warhol pour le Far West, comme en témoigne la série Cowboys And Indians, ainsi que d'un sujet tiré de l'enfance de l'artiste.

Cette estampe représente le tristement célèbre vampire Comte Dracula, personnage du roman de Bram Stoker paru en 1897. La fascination de Warhol pour Dracula est ancienne, comme en témoigne son film de 1974, Blood For Dracula, réalisé par Paul Morrissey. Ce film, aujourd'hui un classique culte, joue de manière humoristique et érotique sur divers motifs de Dracula, mêlant homoérotisme et violence graphique.

Sur fond noir, le portrait est rendu de manière saisissante par des lignes rose vif qui accentuent les traits distinctifs de Dracula : son front plissé, ses oreilles pointues et ses crocs acérés. Warhol avait demandé à un ami de se déguiser en Dracula et avait pris un cliché Polaroid de lui, en costume et maquillage. Ceci a servi de base à cette sérigraphie, illustrant la capacité de Warhol à marier son style emblématique avec des concepts créatifs originaux, poursuivant ainsi son exploration de la culture populaire américaine et de ses figures mythiques.

Depuis sa première vente en novembre 1998, cette œuvre a été vendue 23 fois, ce qui témoigne de son attrait auprès des collectionneurs.

Cette estampe présente le personnage de dessin animé emblématique Mickey Mouse de profil, exhalant la joie tandis qu'il regarde au-delà du cadre, et elle est rehaussée de poussière de diamant. La composition utilise principalement le noir, le blanc et le gris, avec des éclats de couleur vibrants dans le sourire rouge de Mickey et les lignes roses et dorées qui accentuent son expression joyeuse. C'est l'une des premières icônes représentées dans la série, ayant été créée par Walt Disney en 1928, et elle occupe une place spéciale dans l'histoire culturelle en tant que personnage adoré et symbole d'une innocence rieuse. La représentation de Mickey Mouse par Warhol dans cette collection met en évidence son exploration continue des icônes de la culture pop américaine, mêlant son style artistique unique à la nostalgie et à l'attrait durable de ces personnages.

Cette estampe représente la figure tant aimée du Père Noël, présentée dans le style artistique caractéristique de Warhol. Vêtu de son bonnet rouge classique, sur un fond dominé par le blanc rehaussé d'une touche de rouge en arrière-plan, Warhol utilise également des traits semblables à des crayons de cire oranges pour faire ressortir les traits du visage du Père Noël, capturant ses yeux chaleureux et son sourire malicieux. Issu du folklore de Saint-Nicolas, qui est censé parcourir le monde pour livrer des cadeaux aux enfants la veille de Noël, le Père Noël est devenu un personnage universellement reconnu.

Son image, à l'instar de nombreuses icônes de la culture populaire, a été fortement commercialisée, incarnant à la fois l'esprit de Noël et les thèmes plus larges du don et de la joie.

Dans cette estampe, l'artiste se représente sous les traits du The Shadow, un célèbre personnage de justicier issu des émissions de radio des années 1930. La représentation de Warhol, dans des tons de rouge chaleureux, capture son regard dirigé vers l'extérieur, vers le spectateur, créant ainsi une interaction visuelle captivante. La composition est originale : Warhol est placé à droite plutôt qu'au centre, se détachant sur la silhouette de profil d'une autre personne. Cette figure ombragée à l'arrière-plan crée un contraste saisissant avec le visage rouge de Warhol, ajoutant une nuance inquiétante à l'œuvre.

En s'incluant dans la série des Mythes, et particulièrement sous les traits d'un personnage tel que The Shadow, Warhol souligne non seulement son propre statut dans le paysage culturel, mais réfléchit également au rôle des figures emblématiques dans le façonnement de la conscience collective. Ce portrait illustre la capacité de Warhol à fusionner son identité artistique avec des thèmes culturels plus larges.

Dans Myths, Warhol dépasse la simple représentation de figures reconnaissables : il tisse avec maîtrise une riche tapisserie qui reflète à la fois l'identité nationale et la nostalgie personnelle. Cette collection constitue un puissant témoignage de la vision unique qu'avait Warhol de l'Amérique, profondément imbriquée dans les fils de la culture populaire et les nuances des icônes contemporaines.

Ainsi, la série Myths de Warhol s'impose comme une contribution monumentale à la compréhension de la culture américaine, offrant un éclairage sur la relation complexe entre icônes et identité, et cimentant l'héritage de Warhol en tant qu'artiste qui a profondément compris et influencé le paysage culturel de son époque. Son Amérique est un mélange de nostalgie, de critique culturelle et d'innovation artistique, présentant un portrait de la nation à travers le prisme de l'un de ses artistes les plus emblématiques.