Regard sur les chaussures d'Andy Warhol

Les chaussures ont depuis longtemps une signification symbolique dans l'art, reflétant les valeurs sociétales, les changements culturels et les récits personnels à travers le temps. Leur représentation peut éclairer divers aspects de la vie, du statut socio-économique à l'identité personnelle et à l'expression.

Dans l'art médiéval, des chaussures comme les poulaines sont très présentes dans les œuvres et étaient associées à la richesse et au luxe, car leur caractère peu pratique empêchait le porteur d'effectuer tout travail manuel. Souvent, elles faisaient l'objet de lois somptuaires, les porteurs étant taxés pour le privilège de les porter ou totalement interdits de les exhiber. Durant la Renaissance, alors que l'accent artistique se déplaçait davantage vers la vie quotidienne, différentes variétés de chaussures apparaissent dans l'art, bien que rarement comme seul sujet de l'œuvre. Dans le Portrait des Arnolfini de Jan van Eyck, par exemple, une paire de patins en bois occupe une place de choix dans le coin inférieur gauche.

À mesure que l'art évoluait vers le Réalisme et l'Impressionnisme, les chaussures ont commencé à raconter des histoires plus personnelles. Vincent van Gogh a peint de nombreuses natures mortes de chaussures, dont Une paire de chaussures est un exemple poignant. Cette représentation apparemment simple de bottes usées devient une réflexion sur le labeur et les difficultés de la vie paysanne au XIXe siècle. Au début du XXe siècle, Salvador Dalí choisit une chaussure pour femme comme sujet de son œuvre Objet surréaliste fonctionnant symboliquement. Au cours des années 1930, les chaussures apparaissaient souvent dans les œuvres de Dalí, évoquant la théorie du fétichisme de Freud et servant de substituts pour Gala, son épouse et muse.

Warhol s'est appuyé sur ces traditions et sur son propre passé d'illustrateur lorsqu'il a décidé d'incorporer le motif de la chaussure dans son art.

Avant que Warhol ne devienne une icône mondiale, il avait commencé sa carrière à New York en tant qu'artiste commercial et illustrateur, avec un intérêt particulier pour l'industrie de la mode. C'était son premier emploi après avoir obtenu son diplôme en Design Pictural du Carnegie Institute of Technology (devenu Carnegie Mellon University) en 1949. Il trouva rapidement du travail en tant qu'illustrateur indépendant pour plusieurs magazines, dont Glamour, Vogue et Harper's Bazaar.

Le style unique et fantaisiste de Warhol, qui utilisait souvent la technique de la ligne estompée (blotted line), le distinguait des autres. Cette technique consistait à tracer un dessin original à l'encre, puis à l'appliquer à chaud sur un autre papier pour créer un effet de maculage. Cette méthode conférait à ses illustrations un aspect presque inachevé qui devint très recherché.

L'un des premiers succès commerciaux de Warhol dans le domaine de l'illustration de mode fut son travail pour I. Miller, une entreprise de chaussures. Ses publicités, présentant des chaussures dessinées avec minutie accompagnées de légendes ludiques calligraphiées à la main, sont devenues un élément régulier du New York Times. Ces premières illustrations de chaussures ont consolidé la réputation de Warhol dans l'industrie de la mode et ont également laissé entrevoir sa future obsession pour les objets du quotidien et leur potentiel d'élévation au rang d'œuvre d'art.

Bien que Warhol ait mené une carrière réussie en tant qu'artiste commercial tout au long des années 1950, il commença à se tourner vers l'art classique à la fin de la décennie. Son expérience en illustration de mode et en art commercial a profondément influencé ses œuvres ultérieures : les principes de production de masse et de répétition qu'il appliquait dans l'art commercial sont devenus fondamentaux pour son approche du Pop Art, comme on le voit dans ses œuvres célèbres telles que la série Marilyn et les Boîtes de soupe Campbell's.

Les débuts de Warhol en tant qu'illustrateur de mode lui ont fourni les compétences, la perspective et les connaissances qui allaient alimenter son évolution pour devenir l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Sa capacité à percevoir la beauté et l'art dans le domaine commercial et quotidien a préparé le terrain pour une carrière qui allait remettre en question et redéfinir les frontières entre l'art « noble » et l'art « populaire ».

À La Recherche Du Shoe Perdu (qui se traduit par « À la recherche de la chaussure perdue ») est un projet fantaisiste et illustratif de Warhol qui marie parfaitement son début de carrière dans l'illustration de mode à son sens inné de l'art de la culture populaire. Il s'agit d'une série de 16 lithographies rehaussées à la main centrée sur le thème des escarpins individuels, chacun accompagné d'une légende originale et souvent poétique rédigée par Ralph Pomeroy, et de la calligraphie de Julia Warhola, la mère de l'artiste.

Son titre joue sur le célèbre « À la recherche du temps perdu » de Marcel Proust, une œuvre notoirement profonde et introspective. En revanche, celle de Warhol est une exploration légère et ludique des chaussures en tant qu'objets du quotidien, imprégnée de son flair artistique unique.

À La Recherche Du Shoe Perdu fut l'une des premières séries d'estampes de Warhol, antérieure aux œuvres Pop Art plus célèbres. Pour cette raison, elle peut être considérée comme un pont entre sa carrière d'illustrateur commercial et son émergence en tant qu'artiste plasticien, reflétant la fascination continue de Warhol pour les objets du quotidien et sa capacité à les élever au rang d'art. Elle témoigne également de l'amour durable de Warhol pour la mode et de sa compréhension de son importance dans la culture populaire.

À La Recherche Du Shoe Perdu capture un moment unique dans la carrière de Warhol, offrant une exploration visuellement riche d'un thème qui continuerait de le fasciner tout au long de sa vie.

À La Recherche Du Shoe Perdu capture un moment unique dans la carrière de Warhol, offrant une exploration visuellement riche d'un thème qui continuerait de le fasciner tout au long de sa vie.

Warhol est revenu au thème de la chaussure des décennies plus tard, lorsqu'en 1980 il a créé la série des Diamond Dust Shoes. Il s'agit d'un mélange de ses premières œuvres illustrant des chaussures et de ses expérimentations ultérieures avec de la véritable poussière de diamant, composé de diverses sérigraphies de chaussures à talons hauts, dispersées de manière aléatoire et rehaussées de cette touche scintillante.

Cette série a été créée comme publicité pour la ligne de mode de l'ami de Warhol, Roy Halston. L'œuvre témoigne de la place de l'artiste à l'épicentre d'un milieu social chatoyant à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Warhol et Halston étaient des habitués des établissements mythiques comme le Studio 54, où ils côtoyaient jusqu'au petit matin des célébrités telles que Jerry Hall, Liza Minnelli et Grace Jones. Les chaussures représentées dans les Diamond Dust Shoes évoquent la lueur vibrante des lumières du club, comme si elles avaient été négligemment jetées sur la piste de danse dans une ivresse euphorique.

La poussière de diamant utilisée dans le processus d'impression ajoute une dimension de luxe et d'extravagance au banal. Elle fait passer les chaussures de simples objets à porter à des artefacts glamour dignes d'intérêt, tout en enrichissant la texture visuelle de l'œuvre. La qualité réfléchissante de la poussière de diamant ajoute une tridimensionnalité qui modifie l'aspect selon l'angle et l'éclairage de l'observateur.

Cette série est un témoignage de l'évolution constante de Warhol en tant qu'artiste. Bien qu'il ait toujours montré un penchant pour les chaussures comme sujet et pour la publicité comme médium, cette série a élevé ces éléments à un nouveau niveau de luxe et de commentaire culturel.

La série de chaussures de Warhol témoigne de manière éclatante de sa capacité unique à élever des objets du quotidien au rang d'art. Elle illustre son passage d'illustrateur commercial à figure de proue du mouvement Pop Art, tout en révélant sa fascination pour les thèmes du glamour et de la culture de consommation.

Les chaussures de Warhol sont devenues symboliques, soulignant le caractère éphémère de la mode et l'intersection entre le commerce et l'art. Son engagement envers ce motif a laissé un héritage durable, inspirant les artistes suivants à considérer les objets quotidiens comme des supports puissants pour le commentaire culturel et l'exploration artistique. Tracey Emin, par exemple, est revenue sur la chaussure et a fait allusion à La Recherche du Shoe Perdu dans son œuvre You Can't Fuck A Shoe. Yayoi Kusama a également travaillé sur ce motif dans sa collection d'estampes intitulée Shoes.

En fin de compte, les chaussures de Warhol attestent de son évolution en tant qu'artiste et de son impact constant sur les générations futures.