Comment David Hockney a changé notre façon de voir les paysages

Au cours de ses six décennies de carrière, Hockney est revenu sans cesse aux paysages, les traitant comme une source constante d'inspiration et d'expérimentation. Même lorsqu'il était surtout connu pour ses portraits ou ses scènes de bord de piscine, il a continué à dépeindre le monde qui l'entourait, que ce soient les collines d'Hollywood ou la campagne du Yorkshire. Tout au long de son œuvre, Hockney a transformé des décors familiers grâce à des couleurs frappantes, des perspectives innovantes et une adoption des nouvelles technologies.

Dès le début, Hockney a marqué les esprits avec ses peintures de Los Angeles, notamment Nichols Canyon (1980), un patchwork éclatant de routes sinueuses et de collines. Cette œuvre marquait une rupture avec ses pièces figuratives antérieures et adoptait une approche du paysage plus expressive, presque abstraite. Dans Nichols Canyon, des rouges, des violets et des verts intenses transforment un canyon urbain ordinaire en une composition énergique, capturant le mélange distinctif de terrain urbain et naturel du sud de la Californie. La perspective aérienne et les courbes exagérées du tableau résistent au point de fuite traditionnel, invitant l'œil à errer dans la scène. Cette utilisation d'une composition dynamique et de multiples points de fuite deviendrait plus tard une caractéristique déterminante de la vision paysagère de Hockney.

Dans les années 2000, Hockney a fait un retour remarqué à ses racines, dans les Yorkshire Wolds du nord de l'Angleterre. Après des décennies passées sous le soleil de Californie, il s'est tourné vers le charme plus paisible de la campagne autour de Bridlington, la région où il a grandi. Ce retour aux sources a engendré une extraordinaire explosion de créativité : Hockney a peint les arbres locaux, les routes et les forêts avec la même intensité qu'il avait jadis apportée à ses piscines de Los Angeles. Travaillant souvent en plein air, il s'est attaché à saisir les saisons changeantes et l'atmosphère fluctuante du paysage du Yorkshire au fil de leur apparition. Le résultat fut un corpus d'œuvres monumental qui réinventait la peinture de paysage britannique pour une nouvelle ère. L'un des motifs emblématiques de ces années passées dans le Yorkshire est la route de campagne sinueuse traversant le paysage. En rendant ces itinéraires familiers avec une palette vive, généralement peu associée au « pale winter sun » anglais, Hockney a offert aux spectateurs une nouvelle appréciation de la beauté de la région. À l'instar des impressionnistes avant lui, il ne cherchait pas tant à peindre la couleur locale littérale qu'à capturer l'émotion et la sensation d'un lieu.

Un projet majeur des années du Yorkshire pour Hockney est sa série The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire, réalisée entièrement sur iPad. En 2011, Hockney a documenté le déploiement progressif du printemps dans les Wolds, utilisant l'iPad comme toile. De janvier à mai, il a créé une multitude de dessins numériques de sujets champêtres, capturant tout, de la rudesse de la fin de l'hiver aux verts riches de mai. Chaque dessin était daté et imprimé ultérieurement en grand format, constituant un ensemble d'œuvres en édition limitée qui retracent ensemble la progression de la saison, jour après jour. En octobre 2025, Sotheby's a organisé sa première vente aux enchères en direct dédiée aux estampes de The Arrival of Spring de Hockney, proposant 17 œuvres provenant d'un seul propriétaire. Chaque lot a été vendu, dépassant largement son estimation haute, et la vente a atteint un résultat de 6,2 millions de livres sterling, six pièces faisant leurs débuts aux enchères et plusieurs établissant de nouveaux records individuels pour la série.

Les paysages du Yorkshire réalisés par Hockney contrastent fortement avec les paysages lumineux de Californie qui ont initialement capté l'attention du monde de l'art. Après s'être installé à Los Angeles dans les années 1960, Hockney fut fasciné par les paysages suburbains de la ville : les piscines baignées de soleil, les palmiers et l'architecture moderniste en verre et stuc. Ces motifs apparaissent dans certaines de ses estampes et peintures les plus emblématiques, comme A Bigger Splash (1967), et possèdent un héritage propre dans la production d'estampes de Hockney. Tandis que les œuvres du Yorkshire documentent les changements saisonniers subtils propres à l'Angleterre, les images californiennes de Hockney glorifient la lumière, les loisirs et la facilité de la vie moderne. En juxtaposant les deux séries, le spectateur peut apprécier comment Hockney aborde le paysage dans des contextes très différents, mais toujours en mettant l'accent sur la vision et la perception.

Toujours en quête d'innovation, Hockney, au cours de ses dernières années, a adopté les outils numériques pour transformer davantage l'art du paysage. Sa déclaration, « J'adore les nouveaux médiums », s'est vérifiée maintes et maintes fois à travers son adoption de technologies telles que le fax, le photocopieur couleur et l'iPhone et iPad d'Apple. Ce virage numérique, qui a débuté vers 2009, a ouvert de nouvelles possibilités pour dessiner d'après nature. Il a également permis à l'influence de Hockney sur notre perception des paysages de perdurer au XXIe siècle, faisant écho auprès d'une génération élevée aux écrans et aux images instantanées.

La plongée de Hockney dans la peinture numérique a commencé en 2008 lorsqu'il s'est mis à dessiner sur un iPhone avec une application nommée Brushes. En 2010, avec la sortie de l'iPad, il disposait d'une toile plus grande et a rapidement saisi le potentiel de cet appareil pour un art sérieux. Avec l'iPad et l'application Brushes, Hockney pouvait accéder à toutes les couleurs imaginables, travailler rapidement sans attendre que la peinture sèche, et même peindre dans le noir grâce à l'écran rétroéclairé de l'appareil. La rapidité et la flexibilité du médium correspondaient à son désir de longue date de travailler directement à partir de l'observation sans délai.

Hockney a prouvé qu'un art sérieux pouvait être réalisé sur un écran tactile, et ce faisant, il a contribué à légitimer la peinture numérique dans le monde des beaux-arts. Lorsqu'il a exposé pour la première fois ses dessins sur iPad en 2011, les critiques et les spectateurs ont été stupéfaits par leur qualité picturale et leur richesse. Bien que créés avec des pixels, ils portaient le style inimitable de Hockney. L'une des raisons est que Hockney abordait l'iPad de manière très similaire à ses médiums physiques – il disait même qu'il n'y avait aucune différence dans l'observation : « Si vous avez dessiné toute la journée [sur un iPad], il n'y a pas de nettoyage à faire », disait-il, mais l'acte de dessiner et d'observer reste le même. En fusionnant les principes artistiques traditionnels avec une technologie de pointe, Hockney a, une fois de plus, changé notre façon de voir les paysages.

Au milieu des années 2010, Hockney s'est même tourné vers les installations vidéo multi-écrans (dépeignant, par exemple, une descente sur une route bordée d'arbres filmée par plusieurs caméras – une autre expérience dans la capture du paysage sous divers angles). Mais ce sont ses paysages sur iPad qui restent les plus influents, car ils font le lien direct entre le classique et le contemporain. Ils ont prouvé que même à soixante-dix et quatre-vingts ans, Hockney pouvait mener une révolution dans la façon dont nous voyons.

L'une des manières les plus singulières dont Hockney a remodelé l'art du paysage est par le biais de l'estampe. Les estampes lui ont offert un espace pour expérimenter des idées sur la couleur, la répétition et la perception avec une liberté que la peinture ne lui accordait pas toujours. Tout au long de sa carrière, il est revenu aux formats sériels pour voir comment un paysage se transforme lorsqu'il est observé inlassablement dans des conditions différentes.

Un exemple clé du début de cette exploration est The Weather Series (1973), une suite de lithographies représentant la pluie, la neige, la brume, le vent, le soleil, la foudre – chacun étant montré à travers un paysage simplifié. Inspiré en partie par les estampes sur bois ukiyo-e japonaises, Hockney utilise les aplats de la lithographie pour éliminer le détail et attirer l'attention sur la sensation du temps qu'il fait, plutôt que sur son apparence. En tant que série, les estampes forment un récit de la nature en mutation, où la météo modifie l'humeur, la visibilité et le ton émotionnel d'une image à l'autre. Cette utilisation de la sérialité est fondamentale dans l'approche de Hockney, car elle encourage une forme de regard plus active, qui reflète la manière dont nous faisons réellement l'expérience du monde au fil du temps.

Ce centrage sur le temps se retrouve dans une grande partie des travaux d'estampes de paysage ultérieurs de Hockney. Des séries telles que The Arrival of Spring prolongent son exploration du changement et de la perspective à travers les jours et les saisons. L'idée trouve des racines évidentes dans l'Impressionnisme, mais la version de Hockney semble résolument contemporaine, façonnée par de nouveaux procédés et des outils numériques. Il en résulte une conscience accrue du paysage comme quelque chose qui est vécu et observé.