Le paysage comme sujet de toute une vie
Au cours d'une carrière s'étendant sur six décennies, Hockney est revenu à maintes reprises au paysage, le considérant comme une source constante d'inspiration et d'expérimentation. Même lorsqu'il était surtout reconnu pour ses portraits ou ses scènes de piscine, il a continué à représenter le monde qui l'entoure, qu'il s'agisse des collines de Hollywood ou de la campagne du Yorkshire. Tout au long de son parcours, Hockney a transformé des décors familiers grâce à des couleurs saisissantes, des perspectives novatrices et une adoption des nouvelles technologies.
Très tôt, Hockney a marqué les esprits avec ses peintures de Los Angeles, telles que « Nichols Canyon » (1980), un patchwork lumineux de routes sinueuses et de collines. L'œuvre marquait une rupture avec ses pièces figuratives antérieures, privilégiant une approche du paysage plus expressive, presque abstraite. Dans « Nichols Canyon », des rouges, des violets et des verts intenses transforment un canyon urbain ordinaire en une composition énergique, saisissant l'alliage singulier de terrain urbain et naturel propre à la Californie du Sud. La perspective aérienne et les courbes exagérées du tableau s'opposent au point de vue traditionnel à point de fuite unique, invitant l'œil à errer à travers la scène. Cette utilisation d'une composition dynamique et de multiples points de fuite deviendra plus tard une caractéristique déterminante de la vision paysagère de Hockney.
Hockney rejette depuis longtemps la perspective à point de fuite unique comme moyen de représenter l'espace. Influencé par le cubisme et par ses propres études sur la perception humaine, il soutient que notre regard n'est jamais figé. « L'œil est toujours en mouvement », affirme Hockney, et le point de fuite unique et statique hérité de la peinture de la Renaissance lui semblait trop limité pour traduire l'expérience réelle d'un paysage. « Une vue depuis un point stationnaire n'est pas la manière dont on voit habituellement un paysage ; on s'y déplace constamment », observe-t-il, ajoutant qu'une fois un point de fuite fixe imposé, « on s'est arrêté ». Hockney a au contraire recherché une manière de voir capable de traduire la vivacité de la vision, injectant des perspectives multiples au sein d'un même cadre pour suggérer le mouvement et le passage du temps.
Cette philosophie transparaît dans ses photocollages tels que « Merced River, Yosemite Valley » (1983), composé de dizaines de photographies assemblées en une image unique. Le résultat, délibérément fragmenté, forme pourtant un tout unifié, résistant à l'autorité « monoculaire » de l'objectif et offrant une perception du lieu plus riche, telle qu'elle est vécue dans la réalité. À travers ces expérimentations, Hockney a élargi les possibilités de l'art paysager, démontrant que représenter la nature ne consiste pas tant à reproduire une scène fixe qu'à capturer l'acte même de voir.
Hockney a souvent déclaré que le dessin apprenait à voir plus clairement. Ses textures d'herbe, le jeu de la lumière sur l'eau et la forme particulière des arbres sont ancrés dans une observation directe et attentive de la nature, même lorsqu'ils sont restitués dans des couleurs fauvistes audacieuses ou des formes simplifiées. En insistant sur la nécessité d'observer le monde avec plus d'acuité, Hockney perpétue une leçon partagée par la grande tradition de la peinture de paysage : celle selon laquelle l'art peut révéler des vérités plus profondes sur ce que nous voyons chaque jour.
Les années dans le Yorkshire : arbres, routes et The Arrival of Spring
Dans les années 2000, Hockney opère un retour remarqué vers ses racines dans les Yorkshire Wolds, au nord de l'Angleterre. Après des décennies passées sous le soleil californien, il se tourne à nouveau vers les charmes paisibles de la campagne entourant Bridlington, la région où il a grandi. Ce retour aux sources déclenche une créativité extraordinaire : Hockney peint les arbres, les routes et les forêts locales avec la même intensité que celle qu'il avait autrefois consacrée à ses piscines de Los Angeles. Travaillant souvent en plein air, il s'attache à consigner les changements de saison et l'atmosphère changeante du paysage du Yorkshire au fil de leur déploiement. Il en résulte un corpus monumental qui réinvente la peinture de paysage britannique pour une nouvelle ère. L'un des motifs caractéristiques de ces années dans le Yorkshire est la route de campagne serpentant à travers le paysage. En restituant ces itinéraires familiers avec une palette vive, peu associée au « pâle soleil d'hiver » anglais, Hockney offre aux spectateurs une appréciation renouvelée de la beauté de la région. À l'instar des impressionnistes avant lui, il ne peint pas tant la couleur locale littérale que l'émotion et la sensation d'un lieu.
Un projet déterminant des années de Hockney dans le Yorkshire est sa série « The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire », dessinée entièrement sur iPad. En 2011, Hockney documente l'éclosion progressive du printemps dans les Wolds, utilisant l'iPad comme toile. De janvier à mai, il crée une pléthore de dessins numériques sur des sujets ruraux, capturant tout, de la rudesse de la fin de l'hiver aux verts profonds du mois de mai. Chaque dessin est daté puis imprimé en grand format, constituant un ensemble d'œuvres en édition limitée qui chroniquent ensemble la progression de la saison au jour le jour. En octobre 2025, Sotheby’s organise sa première vente aux enchères en direct consacrée aux estampes de « The Arrival of Spring » de Hockney, proposant 17 œuvres provenant d'un même propriétaire. Chaque lot a été adjugé, dépassant largement son estimation haute, et la vente a atteint un résultat de 6,2 millions de livres sterling, six pièces faisant leurs débuts en vente aux enchères et plusieurs établissant de nouveaux records individuels pour la série.
Californie, piscines et lumière
Les paysages du Yorkshire peints par Hockney contrastent singulièrement avec les paysages lumineux de Californie qui avaient initialement captivé le monde de l'art. Après s'être installé à Los Angeles dans les années 1960, Hockney s'est laissé séduire par les décors suburbains de la ville : piscines baignées de soleil, palmiers et architecture moderniste de verre et de stuc. Ces motifs apparaissent dans certaines de ses peintures les plus emblématiques, telles que « A Bigger Splash » (1967), et ont laissé leur propre empreinte dans l'œuvre gravé de l'artiste. Tandis que les œuvres du Yorkshire documentent la douce évolution des saisons anglaises, les images californiennes de Hockney magnifient la lumière, le loisir et la facilité de la vie moderne. En plaçant ces deux corpus côte à côte, le spectateur peut apprécier la manière dont Hockney aborde le paysage dans des conditions radicalement différentes, tout en conservant une attention constante portée à la vision et à la perception.
Le tournant numérique de Hockney : iPads, pinceaux et peinture dans l'obscurité
Toujours en quête d'innovation, Hockney a adopté, à un âge avancé, les outils numériques pour transformer davantage son art du paysage. Son affirmation, « J'adore les nouveaux médiums », a été maintes fois démontrée par l'adoption de technologies telles que le télécopieur, la photocopieuse couleur et les Apple iPhone et iPad. Ce tournant numérique, amorcé vers 2009, a ouvert de nouvelles perspectives pour le dessin d'après nature. Il a également permis à l'influence de Hockney sur notre perception des paysages de se poursuivre bien avant dans le XXIe siècle, trouvant un écho auprès d'une génération nourrie aux écrans et aux images instantanées.
L'incursion de Hockney dans la peinture numérique a débuté en 2008 lorsqu'il a commencé à dessiner sur un iPhone à l'aide d'une application appelée Brushes. Dès 2010, avec la sortie de l'iPad, il disposait d'une toile plus vaste et a rapidement saisi le potentiel de l'appareil pour créer des œuvres majeures. Grâce à l'iPad et à l'application Brushes, Hockney pouvait accéder à toutes les couleurs imaginables, travailler rapidement sans attendre que la peinture sèche, et même peindre dans l'obscurité grâce à l'écran rétroéclairé de l'appareil. La vitesse et la flexibilité du médium répondaient à son désir constant de travailler directement d'après observation, sans délai.
Hockney a prouvé que des œuvres majeures pouvaient être réalisées sur un écran tactile, contribuant ainsi à légitimer la peinture numérique dans le monde des beaux-arts. Lorsqu'il a exposé ses dessins sur iPad pour la première fois en 2011, la critique et le public ont été stupéfaits par leur richesse et leur aspect pictural. Bien que créés avec des pixels, ils portaient la patte inimitable de Hockney. L'une des raisons est que l'artiste a abordé l'iPad comme ses médiums physiques ; il a même déclaré qu'il n'y avait aucune différence dans l'acte de regarder : « Si vous avez dessiné toute la journée [sur un iPad], aucun nettoyage n'est nécessaire », disait-il, mais l'acte de dessiner et d'observer reste le même. En fusionnant les principes artistiques traditionnels avec une technologie de pointe, Hockney a une fois de plus changé notre regard sur les paysages.
Au milieu des années 2010, Hockney s'est même tourné vers des installations vidéo multi-écrans (représentant, par exemple, une virée sur une route bordée d'arbres filmée par plusieurs caméras – une autre expérimentation pour capturer le paysage sous de multiples angles). Mais ce sont ses paysages réalisés sur iPad qui demeurent les plus influents, car ils comblent directement le fossé entre le classique et le contemporain. Ils ont prouvé que, même septuagénaire et octogénaire, Hockney pouvait mener une révolution dans notre manière de percevoir le monde.
Paysages en estampe
L'une des manières les plus singulières dont Hockney a remodelé l'art du paysage passe par l'estampe. Les estampes lui ont offert un espace pour tester ses idées sur la couleur, la répétition et la perception avec une liberté que la peinture ne permettait pas toujours. Tout au long de sa carrière, il est revenu à des formats sériels pour observer comment un paysage se transforme lorsqu'il est contemplé à maintes reprises sous des conditions différentes.
Un exemple précoce essentiel est « The Weather Series » (1973), une suite de lithographies représentant la pluie, la neige, la brume, le vent, le soleil, la foudre — chacune illustrée à travers un paysage simplifié. Inspiré en partie par les estampes japonaises ukiyo-e, Hockney utilise les aplats de la lithographie pour dépouiller l'image de ses détails et attirer l'attention sur la sensation que procure le temps qu'il fait, plutôt que sur son aspect visuel. En tant que série, ces estampes forment un récit d'une nature en mutation, où les conditions météorologiques modifient l'ambiance, la visibilité et la tonalité émotionnelle d'une image à l'autre. Cet usage de la sérialité est au cœur de l'approche de Hockney, car il encourage une forme de regard plus actif, qui reflète la manière dont nous faisons l'expérience du monde dans la durée.
Cette attention portée au temps irrigue une grande partie du travail d'estampe paysager ultérieur de Hockney. Des séries telles que « The Arrival of Spring » prolongent son exploration du changement et de la perspective au fil des jours et des saisons. Si l'idée puise ses racines dans l'impressionnisme, la version de Hockney semble résolument contemporaine, façonnée par de nouveaux procédés et outils numériques. Il en résulte une conscience accrue du paysage en tant qu'élément vécu et observé.
