The Dog, l'Enfant et le Globe

Ainsi, son travail est devenu une forme d'art véritablement « publique », existant en dehors de ce que Haring percevait comme le marché élitiste de l'art contemporain. Des icônes telles que son Radiant Baby et son Barking Dog diffusaient joie et positivité aux passants bien avant que les critiques ne réalisent l'ampleur du phénomène.

Nous examinons ici de plus près certaines des images les plus familières de l'œuvre de Haring, leur symbolique, leurs sources d'inspiration et la manière dont Haring les a créées.

Pour approfondir la façon dont le street art a bouleversé l'histoire de l'art et transformé le marché de l'art, consultez notre article Comment le street art a changé le marché de l'art.

Haring a développé un vif intérêt pour le dessin dès l'enfance, apprenant les rudiments de la caricature auprès de son père et trouvant l'inspiration dans les dessins animés de la culture populaire comme Walt Disney, le Dr. Seuss et les Looney Tunes. Le style ludique et haut en couleur de l'artiste fait appel au langage visuel de ces dessins animés iconiques d'une manière tout à fait singulière, ce qui explique pourquoi les œuvres de Haring jouissent encore d'une telle popularité aujourd'hui.

Après s'être installé à New York en 1978, Haring s'est immergé dans la scène émergente du street art et du hip-hop, dont il a été fortement influencé, et qui s'exprimait souvent sous forme de graffitis et de peintures murales à travers Harlem et le métro. Jean-Michel Basquiat et Kenny Scharf, figures majeures de cette scène artistique alternative, sont devenus proches de Haring, et les trois artistes ont développé un intérêt commun pour la création en dehors des espaces d'art traditionnels. Haring a utilisé son style distinct inspiré du graffiti pour créer un art véritablement public, tout comme Basquiat l'avait fait avant lui, fusionnant ainsi le grand art avec la culture populaire. Il est cependant essentiel de noter que Haring ne s'est jamais considéré comme un artiste de graffiti, ses « Subway Drawings » se distinguant de ceux de ses contemporains par leur emplacement, leur chronologie et leur médium.

En tant qu'artiste ayant grandi dans les années 1960 et 1970, Haring a sans nul doute été inspiré par le mouvement Pop Art dans son utilisation de couleurs saturées en aplats comme le bleu, le rouge et le jaune, de formes simplifiées et bidimensionnelles, ainsi que de lignes sombres et affirmées. L'œuvre de Haring cherchait à combler le fossé entre les beaux-arts et la culture populaire, une composante essentielle du mouvement Pop Art, en employant le langage visuel des objets de grande consommation. Il est notable qu'à mesure que Haring accédait à la célébrité, il s'est lié d'amitié avec le chef de file du Pop Art, Andy Warhol, qui devint son mentor. Auprès de Warhol, Haring a compris l'importance de la répétition des images et de la diffusion de ses œuvres par des canaux inédits dans le monde commercial. Il convient de souligner que le processus de travail intuitif de Haring, qui privilégie la main de l'artiste à travers l'usage de formes et de motifs organiques, le distingue nettement de ses prédécesseurs.

Le Barking Dog est devenu l'un des symboles les plus iconiques de Haring, apparaissant pour la première fois dans sa série de dessins réalisés dans le métro de New York entre 1980 et 1985. Il a émergé comme une figure de l'oppression et de l'agression, agissant comme une mise en garde adressée au spectateur face aux abus de pouvoir qui imprègnent la vie quotidienne en Amérique et au-delà. Traditionnellement utilisé par les artistes pour représenter la loyauté, la camaraderie et l'obéissance, Haring détourne le symbole du chien pour inciter le public à faire preuve d'esprit critique envers ceux qui crient le plus fort. De même, on peut considérer que l'artiste urbain Banksy a repris le flambeau de Haring, s'appropriant des symboles tels que le chien qui aboie pour diffuser un nouveau message de méfiance envers les figures d'autorité.

Ancrés dans la rencontre de Haring avec le Jesus Movement des années 1970, des motifs tels que le Radiant Baby, l'« Angel » et le « Flying Devil » démontrent comment l'artiste s'est approprié et a détourné l'iconographie religieuse pour refléter les préoccupations contemporaines de sa génération. Nombreux sont ceux qui ont interprété ce détournement comme une critique ouverte du christianisme institutionnel, et tout particulièrement de la position de l'Église face à l'épidémie de VIH/sida des années 1980, à laquelle Haring a tragiquement succombé.

Ici, le bébé représente le symbole ultime de l'innocence, irradiant une énergie positive depuis sa posture à quatre pattes, dans ce que Haring qualifiait de « l'expérience la plus pure et la plus positive de l'existence humaine ». Au fil de sa carrière, cependant, le motif du bébé s'est retrouvé au sein de scènes de plus en plus sombres, recouvert du sarcome de Kaposi associé au stade avancé de l'infection par le VIH, ou au centre d'un champignon atomique ou d'un enlèvement par des extraterrestres. De cette manière, le bébé est souvent associé à Haring lui-même, une figure dont l'innocence et la pureté l'ont conduit à révolutionner le monde de l'art pour un bref instant avant sa disparition prématurée.

À l'instar du « radiant baby », le motif du cœur de Haring, souvent représenté porté à bout de bras par une foule de personnages dansants, est un symbole d'optimisme et d'amour. S'il peut parfois évoquer l'amour romantique – lorsqu'il est tenu entre un couple androgyne –, il est également perçu comme un symbole plus large de collectivité, de communauté et de compassion, notamment lorsqu'il est soutenu par deux mains ou qu'il englobe un globe terrestre. Là encore, une interprétation religieuse peut être avancée, le Sacré-Cœur étant omniprésent dans l'art chrétien ; toutefois, le cœur demeure également un élément fondamental de l'imagerie de dessin animé, un domaine que Haring maîtrisait parfaitement dès son plus jeune âge. Et bien que ses œuvres ultérieures aient souvent pris une tournure plus érotique ou tragique, l'innocence du cœur, généralement peint dans un rouge primaire éclatant, est restée présente tout au long de sa carrière.

La figure dansante ou le personnage filiforme constitue sans doute l'un des motifs les plus célèbres de Haring ; encore aujourd'hui, il orne t-shirts et panneaux d'affichage à travers le monde et incarne la joie et l'énergie de la scène club new-yorkaise – en particulier la scène gay – des années 1970 et 1980. Avec leurs lignes d'énergie audacieuses rayonnant autour de leurs corps, ces figures évoquent avec aisance la liberté et l'extase, qu'ils soient représentés en plein breakdance ou les mains levées au-dessus de la tête, comme s'ils évoluaient au rythme d'un DJ invisible.

Il arrive que ces figures soient représentées enchevêtrées ou empilées, renforçant ainsi un sentiment de communauté et de solidarité, leurs lignes d'énergie se muant en gribouillages et symboles rappelant l'art aztèque ou aborigène. À propos de ce motif récurrent, Haring déclarait : « Mes dessins ne cherchent pas à imiter la vie ; ils cherchent à créer la vie, à inventer la vie. »

Souvent représenté au-dessus d'une foule de personnages dansants ou à l'intérieur d'un cœur de dessin animé, le globe est immédiatement reconnaissable comme une icône de paix et de collectivité. Comme beaucoup d'autres motifs de Haring, il est généralement entouré de lignes d'énergie rayonnantes ou soutenu par une paire de mains, ce qui témoigne de la conviction de l'artiste quant à l'importance de la collaboration et de la positivité face aux préjugés et aux divisions engendrés par la politique et par la crise mondiale du sida, laquelle a eu un impact considérable sur la contre-culture de New York.

Au cours de sa carrière brève mais prolifique, Haring a exploré une grande variété de médiums, créant plus de 3 000 œuvres sur papier et environ 300 peintures, en plus de ses sculptures et peintures murales.

Certains des motifs les plus emblématiques de Haring sont issus de ses « Subway Drawings » réalisés entre 1980 et 1985 ; il en a produit environ 5 000, tracés à la craie blanche sur les panneaux publicitaires vides du métro. Par une répétition obsessionnelle des sujets à travers ces dessins, Haring a élaboré un langage pictural mémorable, une syntaxe de signes dont l'exécution rapide et simple lui permettait d'éviter d'être arrêté. Contrairement aux artistes de graffiti auxquels il est souvent étroitement associé, Haring utilisait de la craie blanche et travaillait en plein jour afin d'interagir avec son public. Alors que ses contemporains privilégiaient la peinture en aérosol ou les marqueurs, l'usage de la craie par Haring rendait ses œuvres plus faciles à effacer, leur conférant une dimension éphémère et performative. Tseng Kwong Chi, ami de Haring à la School of Visual Arts, le suivait dans le métro pour photographier ses dessins à la craie avant qu'ils ne soient recouverts ou dérobés.

Haring a expérimenté de nombreuses techniques d'estampe tout au long de sa carrière, notamment la lithographie, la sérigraphie, l'eau-forte, la gravure sur bois et le gaufrage. Ces médiums d'impression ont permis de faire le pont entre ses pièces uniques et la reproduction de ses images, favorisant ainsi l'accessibilité de son iconographie populaire. Ses expérimentations avec la sérigraphie découlent probablement de son admiration pour Andy Warhol. Il est révélateur que dans sa série « Andy Mouse », un hommage à Warhol, Haring s'inspire de son aîné et s'essaie au processus de sérigraphie de Warhol.

Enfin, Haring a également pratiqué la peinture et la sculpture, réalisant des figures en trois dimensions grandeur nature ainsi que des peintures murales aux dimensions monumentales qui investissaient l'espace public pour communiquer des messages forts à la communauté.

Keith Haring était pleinement conscient de la manière dont les images pouvaient fonctionner à l'instar des mots. « J'ai toujours été totalement stupéfait par le fait que les gens que je rencontrais pendant que je travaillais se préoccupaient réellement de leur signification. La première question que tout le monde me posait, quel que soit l'âge ou l'identité de l'interlocuteur, était : qu'est-ce que cela signifie ? », confiait-il.

Inspiré par les hiéroglyphes égyptiens, Keith Haring a adopté un système d'expression réduisant des concepts complexes et lourds de sens à un symbole simple aux couleurs vives. En faisant évoluer les formes abstraites de ses premiers dessins, chaque motif récurrent a acquis son propre jeu de significations, formant ainsi un langage universel destiné à être vu et compris par la foule new-yorkaise.

À travers le « radiant baby », le « barking dog », le globe et d'autres symboles, nous percevons la fascination de Keith Haring pour les hiéroglyphes, les pictogrammes et autres langages universels ; une approche qui résonne encore aujourd'hui chez les amateurs d'œuvres d'art, habitués à communiquer aussi bien par l'image et les émojis que par les mots.

Vous souhaitez collectionner des estampes de Keith Haring ? Consultez notre Keith Haring Market Watch pour découvrir le top 10 des estampes les plus propices à l'investissement pour 2023.

À mes amis de Horn : Keith Haring et Iowa City

Organisée au Stanley Museum of Art d'Iowa City jusqu'au 9 mars 2025, cette exposition célèbre l'héritage artistique de Keith Haring et les liens qu'il a tissés lors de ses visites à Iowa City dans les années 1980. Au cœur de cette rétrospective figure « A Book Full of Fun » (1989), la peinture murale réalisée par Keith Haring pour l'école primaire Ernest Horn, actuellement prêtée au Stanley Museum of Art pendant la rénovation de l'établissement. L'exposition présente également une sélection d'œuvres, de photographies et de documents d'archives qui offrent un éclairage précieux sur l'influence et le processus créatif de l'artiste.