Le Chien, Le Bébé et Le Globe

De cette manière, son travail est devenu une forme d'art véritablement « publique », existant en dehors de ce que Haring considérait comme le marché élitiste de l'art contemporain. Des icônes telles que son Radiant Baby et son Barking Dog exhalaient la joie et la positivité aux passants bien avant que les critiques ne comprennent ce qui leur arrivait.

Ici, nous examinons de plus près certaines des images les plus familières de l'œuvre de Haring, ce qu'elles symbolisent, ce qui les a inspirées, et comment Haring les a créées.

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Enfant, Haring a développé un vif intérêt pour le dessin, apprenant les bases du dessin animé auprès de son père et s'inspirant des animations de la culture populaire telles que Walt Disney, Dr Seuss et Looney Toons. Le style ludique et aux couleurs vives de l'artiste fait écho au langage visuel de ces dessins animés emblématiques d'une manière tout à fait unique, ce qui explique pourquoi les œuvres de Haring jouissent encore aujourd'hui d'une telle popularité.

Après avoir déménagé à New York en 1978, Haring s'est imprégné et a été fortement influencé par la scène émergente de l'art urbain et du hip-hop, qui prenait souvent la forme de graffitis et de fresques murales à travers Harlem et le métro. Jean-Michel Basquiat et Kenny Scharf, figures clés de cette scène artistique alternative, sont devenus proches d'Haring et les trois artistes ont développé un intérêt commun pour la création en dehors des espaces artistiques traditionnels. Haring a utilisé son style propre inspiré du graffiti pour créer un art véritablement public, tout comme Basquiat l'avait fait avant lui, qui marie l'art savant à la culture populaire. Il est cependant essentiel de noter que Haring ne s'est jamais considéré comme un graffeur ; ses dessins du métro différaient par leur emplacement, leur temporalité et leur médium de ceux de ses contemporains.

Artiste ayant grandi dans les années 1960 et 1970, Haring a sans aucun doute été inspiré par le mouvement Pop Art dans son utilisation de couleurs saturées en aplats comme le bleu, le rouge et le jaune, de formes plates et simplifiées, ainsi que de lignes sombres et audacieuses. L'œuvre de Haring cherchait à combler le fossé entre l'art noble et la culture populaire — un élément clé du mouvement Pop Art — en employant le langage visuel des objets de consommation de masse. Fait notable, alors que Haring accédait à la célébrité, il se lia d'amitié avec le chef de file du mouvement Pop Art, Andy Warhol, qui devint son mentor. C'est auprès de Warhol que Haring comprit l'importance de répéter les images et d'étendre ses œuvres par des canaux inédits dans le monde commercial. Il est essentiel de noter que le processus de travail intuitif de Haring, qui privilégiait la main de l'artiste à travers ses formes et motifs organiques, le distingue de ses prédécesseurs.

Le Barking Dog est devenu l'un des symboles les plus emblématiques de Haring, apparaissant pour la première fois dans sa série de dessins dans le métro de New York réalisée entre 1980 et 1985. Il est devenu un emblème de l'oppression et de l'agressivité, servant d'avertissement au spectateur sur les abus de pouvoir qui sont omniprésents dans la vie quotidienne en Amérique et ailleurs. Traditionnellement utilisé par les artistes pour symboliser la loyauté, la camaraderie et l'obéissance, Haring détourne le symbole du chien pour rappeler aux spectateurs de réfléchir de manière critique à ceux qui crient le plus fort. De même, on peut dire que l'artiste de rue Banksy a repris le flambeau de Haring, s'appropriant des symboles tels que le chien qui aboie pour diffuser un nouveau message de méfiance envers les figures d'autorité.

Ancrés dans la rencontre de Haring avec le mouvement Jesus Movement dans les années 1970, des motifs tels que le Radiant Baby, l'Angel et le Flying Devil, illustrent comment l'artiste s'est approprié et a détourné l'iconographie religieuse pour refléter les préoccupations contemporaines de sa génération. Beaucoup ont interprété cette subversion comme une critique ouverte du christianisme organisé, et en particulier de la position de l'Église face à l'épidémie de VIH/sida des années 1980, dont Haring fut une victime tragique.

Ici, le bébé représente le symbole ultime de l'innocence, rayonnant une énergie positive depuis sa position à quatre pattes, dans ce que Haring décrivait comme « l'expérience la plus pure et la plus positive de l'existence humaine ». Cependant, à mesure que sa carrière progressait, le motif du bébé s'est retrouvé au centre de scènes de plus en plus sombres, recouvert du sarcome de Kaposi associé à une infection avancée par le VIH, ou au milieu d'un champignon atomique ou d'un enlèvement par des OVNI. De cette manière, le bébé est souvent associé à Haring lui-même, une figure dont l'innocence et la pureté l'ont conduit à révolutionner le monde de l'art pendant un bref moment avant sa mort prématurée.

De manière similaire au Radiant Baby, le motif du cœur de Haring, souvent représenté tenu en l'air par une foule de Dancing Figures dansant, est un symbole d'optimisme et d'amour. Bien qu'il puisse parfois évoquer l'amour romantique — notamment lorsqu'il est tenu entre un couple androgyne — il est également interprété comme un symbole plus large de collectivité, de communauté et de compassion, comme lorsqu'il est porté par deux mains ou lorsqu'il englobe un globe. On peut ici encore y déceler une signification religieuse, le cœur sacré étant omniprésent dans l'art chrétien, mais le cœur est aussi un élément clé de l'imagerie des dessins animés que Haring connaissait bien depuis son plus jeune âge. Et même si ses œuvres ultérieures ont souvent pris une tournure plus érotique ou tragique, l'innocence du cœur aimant, habituellement peint d'un rouge primaire vif, est restée présente jusqu'au bout.

La figure dansante ou bonhomme bâton est peut-être l'un des motifs les plus célèbres de Haring. On la retrouve encore aujourd'hui sur des t-shirts et des panneaux publicitaires à travers The World, et on peut y voir une représentation de la joie et de l'énergie de la scène club de New York – et plus particulièrement de la scène gay – dans les années 70 et 80. Avec des lignes d'énergie audacieuses émanant de leurs corps, les figures évoquent sans effort la liberté et l'extase, qu'elles soient en train de faire du breakdance ou de lever les mains au-dessus de leur tête, comme si elles dansaient au rythme d'un DJ invisible.

Parfois, les figures se rejoignent ou s'empilent, évoquant un sentiment accru de communauté et de solidarité, leurs lignes d'énergie se transformant en gribouillis et symboles habituellement associés à l'art aztèque ou aborigène. Commentant ce motif en particulier, Haring a déclaré : « Mes dessins n'essaient pas d'imiter la vie ; ils essaient de créer la vie, d'inventer la vie. »

Souvent représenté au-dessus d'une foule de figures dansantes ou à l'intérieur d'un cœur de bande dessinée, le globe est immédiatement reconnaissable comme une icône de paix et de collectivité. Comme pour beaucoup d'autres motifs de Haring, il est généralement entouré de lignes d'énergie rayonnantes ou soutenu par une paire de mains, suggérant la conviction de l'artiste quant à l'importance de la collaboration et de la positivité face aux préjugés et à la division engendrés par la politique et la crise mondiale du SIDA qui a eu un impact énorme sur la contre-culture de The New York.

Durant sa carrière courte mais prolifique, Haring a travaillé avec une variété de médiums différents, créant plus de 3 000 œuvres sur papier et environ 300 peintures, ainsi que des sculptures et des fresques murales.

Certains des motifs les plus emblématiques de Haring sont nés de ses dessins dans le métro réalisés entre 1980 et 1985, dont il a produit environ 5 000, créés à la craie blanche sur des panneaux publicitaires noirs. Par la répétition obsessionnelle des sujets à travers ses dessins, Haring a développé un langage pictural mémorable, une syntaxe de signes, rapide et simple à exécuter pour éviter d'être arrêté. Contrairement aux artistes de graffitis avec qui il est souvent étroitement associé, Haring utilisait de la craie blanche et travaillait en journée afin de pouvoir interagir avec son public. Alors que ses contemporains utilisaient de la peinture en aérosol ou des marqueurs, l'usage de la craie par Haring impliquait que son travail puisse être effacé plus facilement et possédait une qualité éphémère et performative. L'ami de Haring, issu de la School of Visual Arts, Tseng Kwong Chi, le suivait dans les métros et photographiait ses dessins à la craie avant qu'ils ne soient recouverts ou volés.

Haring a exploré plusieurs techniques de gravure au cours de sa carrière, telles que la lithographie, la sérigraphie, la gravure, les xylographies et le gaufrage. Ces médiums d'impression ont servi à combler le fossé entre ses pièces uniques et la reproduction de ses images afin de promouvoir l'accessibilité de son imagerie populaire. Ses expérimentations avec la sérigraphie découlent probablement de son admiration pour Andy Warhol. De manière révélatrice, dans la série Andy Mouse de Haring, son hommage à Warhol, Haring s'inspire de son aîné et s'essaie au procédé de sérigraphie de Warhol.

Enfin, Haring a également travaillé dans la peinture et la sculpture, créant des figures grandeur nature en 3D et des fresques murales de la taille d'un panneau d'affichage qui occupaient l'espace public et communiquaient des messages forts à la communauté.

Haring était parfaitement conscient de la manière dont les images pouvaient fonctionner, tout comme les mots. « J'ai toujours été absolument stupéfait de voir à quel point les gens que je rencontrais pendant que je les réalisais étaient profondément préoccupés par leur signification. La première chose que tout le monde me demandait, quel que soit leur âge ou leur identité, c'était : qu'est-ce que ça veut dire ? » racontait-il.

Inspiré par les hiéroglyphes égyptiens, Haring a adopté un système d'expression qui réduisait des concepts complexes et lourds à un symbole simple et aux couleurs vives. En faisant évoluer les formes abstraites de ses premiers dessins, chaque motif récurrent porte son propre ensemble de significations qui ont fini par constituer un langage universel, destiné à être vu et compris par les masses de New York.

Dans le Radiant Baby, le Barking Dog, le globe et d'autres symboles, on peut observer la fascination de Haring pour les hiéroglyphes, les pictogrammes et d'autres langages universels – quelque chose qui continue de résonner aujourd'hui auprès des amateurs d'art, habitués à communiquer par des images et des emojis aussi bien que par des mots.

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À mes amis de Horn : Keith Haring et Iowa City

Ouverte à Iowa City au Stanley Museum of Art jusqu'au 9 mars 2025, cette exposition célèbre l'héritage artistique de Keith Haring et les liens qu'il a tissés lors de ses visites à Iowa City dans les années 1980. Elle présente notamment A Book Full of Fun (1989), la fresque que Keith Haring a peinte pour l'école primaire Ernest Horn, actuellement prêtée au Stanley Museum of Art pendant les travaux de rénovation de l'établissement. L'exposition comprend également une sélection d'œuvres, de photographies et de documents d'archives qui offrent un aperçu de l'impact et du processus créatif de Keith Haring.