Face à l'incertitude persistante concernant les droits de douane, le financement des arts et la politique culturelle, une chose est certaine : après une année 2024 difficile, le marché aspire à la stabilité. Toutefois, dans un paysage politique et économique fragmenté, il reste à voir si cette stabilité se concrétisera. Dans cette lettre d'information, nous examinons ce que les premières semaines de 2025 révèlent sur l'orientation du marché des estampes.
La London Art Fair a lancé l'année avec élégance, et j'ai eu le plaisir d'y assister personnellement. Je dois dire que j'ai été très impressionné. Lors de la soirée VIP, je me suis d'abord arrêté à la conférence d'ArtTactic sur le marché avant de parcourir les stands des galeries. En discutant avec les galeristes, beaucoup ont souligné l'empressement des visiteurs à garantir leur place pour les débats, désireux de ne pas manquer les analyses des experts sur le marché de l'art en 2025.
Une évolution des discours sur le marché de l'art
J’avais assisté à la même conférence l’année précédente et, bien que les deux éditions aient été instructives, un changement notable s'est opéré en 2025. Le panel de cette année, présidé par l’excellente Lindsay Dewar d’ArtTactic, a réuni trois voix féminines influentes du secteur : Julia Bell de Parapluie Art Advisory, Georgina Walker de Beaumont Nathan et Martina Batovic d’Artisan Art Intelligence. La dynamique entre les intervenantes a permis une discussion particulièrement captivante, abordant les évolutions majeures du rapport de force sur le marché, le comportement changeant des collectionneurs et les forces économiques plus larges qui façonnent le monde de l’art.
Évolution des rapports de force : artistes et collectionneurs reprennent la main
La discussion s'est articulée autour des mutations du marché et des tendances émergentes, mais l'élément le plus frappant demeure l'évolution des rapports de force au sein du monde de l'art. L'équilibre des influences s'éloigne des maisons de ventes et des galeries, les artistes exerçant désormais un contrôle accru sur le lieu et les conditions de vente de leurs œuvres. Parallèlement, les collectionneurs retrouvent un levier stratégique, un constat sur lequel l'ensemble des panélistes s'est accordé. Cette redistribution des pouvoirs représente un défi pour les institutions artistiques traditionnelles, en particulier au regard des turbulences persistantes entourant les maisons de ventes et de la multiplication des fermetures de galeries au cours de l'année écoulée. Cette situation offre des perspectives encourageantes pour les collectionneurs, le marché actuel proposant de solides opportunités d'acquisition — notamment pour les artistes blue chip — ainsi qu'une marge de négociation renforcée face aux maisons de ventes et aux galeries.
Les formats de ventes publiques échouent-ils à maximiser la valeur des œuvres ?
Les maisons de ventes aux enchères semblent, en particulier, être sur la défensive. Les changements apportés par Sotheby’s à sa structure de frais en 2024 ont effectivement orienté les consignations vers Christie’s, offrant à cette dernière une année plus robuste. Cette réalité est difficile à ignorer, d’autant plus que Sotheby’s a depuis annulé ces modifications dans une tentative de reconquérir des parts de marché. Bien que ces mouvements affectent principalement les consignations de grande valeur, il reste à déterminer leur impact sur les ventes en ligne, où les œuvres se situent généralement dans une gamme de prix basse à intermédiaire. Fait intéressant, selon le rapport Global Art Market Outlook For 2025 d’ArtTactic, si la valeur des ventes d’œuvres adjugées à moins de 50 000 dollars dans les catégories Impressionniste & Moderne et Après-guerre & Contemporain a reculé de 3 %, le nombre de lots vendus dans ce segment a, quant à lui, augmenté dans les mêmes proportions. Cela suggère que, malgré une légère baisse des dépenses globales, l’appétit des acheteurs demeure constant. Ce basculement soulève des questions fondamentales : une augmentation du volume dans un segment de valeur moindre indique-t-elle une tendance de fond du marché, ou les formats de ventes publiques actuels sont-ils simplement inadaptés pour maximiser la valeur des transactions ?
Les œuvres accessibles dominent la première vente d'estampes de chez Phillips
La première vente d'estampes de l'année de chez Phillips a confirmé cette tendance, où les œuvres accessibles ont dominé les enchères. Je ne peux pas dire que ce résultat m'ait entièrement surpris. Les lots à haute valeur, tels que le « Flower Thrower Triptych » de Banksy – lot le plus valorisé de la vente – et « The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire, 17 May 2011 » de David Hockney, ont péniblement atteint leur estimation basse, suscitant une concurrence moins vive. Parallèlement, les estampes non signées de Banksy, notamment « Morons » et « Love Rat », ainsi que « Pushing Up » de Hockney, issu de « Some More New Prints », ont toutes dépassé les estimations, témoignant d'une demande soutenue pour les œuvres situées dans les tranches de prix inférieures. Le message est de plus en plus clair : 2025 s'annonce comme une année où les œuvres de moindre valeur tirent le marché vers le haut.
La définition évolutive du « blue chip » sur le marché de l'estampe
Que signifie cette évolution pour les artistes blue chip, qui dominent traditionnellement le paysage des enchères avec des estampes uniques de grande valeur et des séries complètes atteignant désormais des prix compétitifs, comparables à ceux de leurs œuvres originales ? L'an dernier, le marché classait globalement les estampes dont le prix oscillait entre 100 000 et 1 million de dollars dans le segment intermédiaire. Toutefois, avec la popularité croissante et la légitimité des estampes en tant que classe d'actifs, il est clair que ces œuvres ne se limitent plus à ce marché intermédiaire. Ce phénomène a été particulièrement manifeste lors de la Sotheby’s 2024 Evening Sale, où la série « Nudes » de Roy Lichtenstein a enregistré des résultats records, dépassant de plus du double sa valeur précédente, ainsi que lors de la vente record de la série complète « Endangered Species » d' Andy Warhol.
Les estampes de ces artistes sont de plus en plus reconnues comme de sérieux actifs d'investissement. Selon le dernier rapport Global Art Market Outlook d'ArtTactic, 43 % des personnes interrogées expriment une confiance absolue dans les artistes blue chip pour les 12 prochains mois. Les artistes contemporains établis suivent de près avec 40 %, tandis que les artistes émergents arrivent derrière avec 27 %, et les jeunes artistes contemporains ferment la marche avec seulement 24 %. Bien que cela soulève des inquiétudes quant aux perspectives du marché pour les artistes plus récents, cela renforce la position dominante des artistes blue chip, dont beaucoup jouent un rôle déterminant sur le marché de l'estampe. Leurs œuvres couvrent à la fois des pièces d'investissement de grande valeur et des éditions plus accessibles, offrant un attrait général qui continue de stimuler la demande.
Cela soulève également une question plus vaste : comment définir les blue chips aujourd'hui ? Traditionnellement, un artiste blue chip est un artiste disposant d'un historique éprouvé sur le marché secondaire, d'une reconnaissance institutionnelle et de résultats solides en salle des ventes. Cependant, les frontières bougent. De nombreux artistes historiquement blue chip s'aventurent désormais sur le marché primaire par le biais d'éditions à durée limitée (« time-dropped print releases ») — des éditions limitées disponibles sur une courte période, où la demande détermine le tirage.
Outre Damien Hirst, qui a sans doute saturé le marché avec ce modèle, nous avons observé en 2024 des éditions à durée limitée proposées par Grayson Perry, Tracey Emin, Ai Weiwei et Ed Ruscha. Selon les critères traditionnels, tous ces artistes sont des blue chip bénéficiant de marchés secondaires établis, et pourtant, ils adoptent une approche de vente propre au marché primaire. La question essentielle est de savoir si ces œuvres conserveront leur valeur sur le long terme ou si elles visent principalement à accroître l'accessibilité sans pour autant diluer la demande des investisseurs.
La nécessité d'une croissance du marché régional
Cela m'amène à un autre sujet essentiel abordé lors de la table ronde ArtTactic à la London Art Fair : l'expansion du marché régional. Je ne pourrais être plus d'accord sur le fait qu'il s'agit de l'un des enjeux les plus pressants du monde de l'art actuel, en particulier si l'on considère la performance du secteur des foires. L'an dernier, l'effervescence autour d'Art Basel Paris a continué de croître, et la Frieze London a reçu des retours positifs pour son nouvel agencement, plaçant les artistes émergents et sa section Focus au premier plan. Toutefois, cet optimisme a été rapidement éclipsé par l'annonce de la mise en vente de Frieze.
Je reconnais être coupable de spéculer trop hâtivement, et il n'est pas exclu que cette décision soit finalement bénéfique pour la foire. L'expert du marché de l'art Tim Schneider a même avancé, dans ses prévisions du marché de l'art pour 2025, qu'Ari Emanuel pourrait acquérir Frieze, soulignant que personne ne croit au pouvoir des foires d'art autant que lui.
Parallèlement, Art Basel Miami n'a pas tout à fait retrouvé l'énergie qui était autrefois la sienne. Les derniers moments réellement viraux de Miami remontent à 2022, lorsque Diplo a « remporté Art Basel » en glissant sa carte bancaire dans l'installation désormais célèbre de MSCHF, un distributeur automatique qui classait publiquement les utilisateurs en fonction du solde de leur compte. Plus loin encore, citons l'apparition de l'œuvre « Comedian » de Maurizio Cattelan (l'infâme banane fixée au mur avec du ruban adhésif), une œuvre qui a depuis fait son chemin sur le marché des enchères, à la croisée du monde des cryptomonnaies. Cette année, cependant, Art Basel Miami a manqué de ce type de spectacle capable de faire la une.
Indépendamment de l'évolution des foires occidentales, l'incertitude entourant Frieze et le manque de dynamisme d'Art Basel Miami soulignent un problème bien plus vaste : les grandes foires occidentales sont en pleine mutation, et une solidité ainsi que des efforts constants en matière de participation au marché régional sont nécessaires à la bonne santé du marché de l'art.
Paris et le Moyen-Orient : acteurs incontournables en 2025
Paris s'apprête à consolider son statut d'acteur majeur sur la scène artistique internationale, portée par le développement de ses foires et de ses expositions soutenues par des institutions telles que la Fondation Louis Vuitton. L'exposition très attendue David Hockney 25 n'est qu'un exemple de la manière dont la ville continue d'attirer l'attention à l'échelle mondiale. Parallèlement, le Moyen-Orient suscite un intérêt croissant, la prochaine vente Origins organisée par Sotheby’s confirmant la place grandissante de la région sur le marché. Alors que le monde de l'art se tourne vers ces nouveaux pôles, une question demeure au premier plan : qu'en est-il de l'Asie ?
Le marché de l'art asiatique est-il sous pression ou à l'aube d'un renouveau ?
La même étude « ArtTactic Global Art Market Outlook » révèle que les ventes à Hong Kong et en Chine continentale ont chuté de 49 % en 2024, plaçant le marché asiatique sous une pression croissante. La hausse des droits de douane américains a aggravé ces difficultés, contribuant probablement à un faible taux de confiance de 17 % quant au potentiel de reprise de la région. J'aborderai prochainement l'impact de ces tarifs douaniers ainsi que les défis auxquels le marché de l'art asiatique sera inévitablement confronté. Mais auparavant, et dans un esprit d'optimisme, je souhaite mettre en lumière certains signes prometteurs de résilience, en particulier chez les artistes « blue chip » asiatiques fortement influencés par l'Occident.
Lancement de la réédition Takashi Murakami x Louis Vuitton
L'année a débuté sous le signe d'un engouement nostalgique entourant le lancement très attendu de la réédition Takashi Murakami x Louis Vuitton. Avec l'ouverture de cafés éphémères à New York, Londres et Paris, le renouveau de la collaboration entre Takashi Murakami et la maison de luxe a relancé les discussions sur l'intersection entre la haute couture et l'art contemporain – une dynamique qui façonne depuis longtemps les tendances du marché. Cette campagne illustre la puissance de l'art, de la mode et de l'influence des célébrités, accentuée par le rôle de Zendaya en tant qu'égérie de ce retour.
Bien que le marché des estampes de Takashi Murakami se soit assoupli ces dernières années, certaines œuvres – bien qu'apparaissant de manière sporadique – continuent de dépasser les attentes en vente aux enchères. Cela a été mis en évidence lors de la vente Editions de janvier chez Phillips, où les huit lots de Takashi Murakami ont dépassé leurs estimations, la pièce la plus valorisée atteignant plus de 10 000 livres sterling pour une estimation haute de 3 000 livres sterling. Avec le retour de Takashi Murakami sur le devant de la scène, cette visibilité renouvelée pourrait susciter un intérêt accru pour son marché de l'art.
Je n'ai pas encore eu l'occasion de visiter l'un de ces cafés éphémères, mais je parierais que les Flat Whites et les Matcha Lattes Takashi Murakami x Louis Vuitton attirent des foules enthousiastes – non seulement pour la nostalgie, mais aussi pour une génération Z de plus en plus liée au transfert de richesse intergénérationnel que les secteurs de l'art et de la finance anticipent depuis longtemps.
Victoria Beckham met en avant Yoshitomo Nara lors d'une exposition-vente chez Sotheby’s
Il y a, bien entendu, Yoshitomo Nara, dont la dynamique de marché est également soutenue par l'influence de célébrités. Cette semaine même, Victoria Beckham a fait les gros titres avec sa collaboration avec Sotheby’s, présentant une sélection pointue d'œuvres d'artistes blue chip dans sa boutique phare londonienne lors d'une exposition éphémère de cinq jours (du 6 au 10 février), avant que les pièces ne soient proposées lors des ventes d'art contemporain de la maison. La collection réunit des figures incontournables, notamment Keith Haring, Jean-Michel Basquiat et George Condo. L'exposition inclut « Cosmic Eyes (in the Milky Lake) » de Nara, une œuvre saisissante dont l'estimation n'a pas été rendue publique dans le catalogue de Sotheby’s. Toutefois, compte tenu de sa provenance récente, de ses dimensions et des conditions actuelles du marché, je ne serais pas surpris qu'elle atteigne jusqu'à 4 millions de livres sterling au prix marteau.
Parallèlement, l'influence de Nara s'étend bien au-delà du monde des enchères. Il a récemment conçu des affiches promotionnelles pour un concert à Los Angeles destiné à soutenir les secours face aux incendies de forêt et prépare une exposition majeure au Southbank Centre de Londres en juin prochain. Sa visibilité croissante, tant dans les espaces commerciaux qu'institutionnels, est de bon augure pour sa présence sur le marché, aussi bien en Asie qu'en Occident.
L'impact des droits de douane américains et de la « Trumponomics » sur le marché de l'art en 2025
Abordons maintenant un sujet très attendu : les droits de douane américains et les politiques économiques plus larges sous le second mandat de Trump. L'incertitude croissante entourant les évolutions politiques et économiques constitue l'un des défis majeurs pour le marché de l'art en 2025. Londres et New York demeurant les pôles mondiaux dominants, leur stabilité reste essentielle à la bonne santé globale du marché. Toutefois, les difficultés liées au Brexit continuent de redéfinir le paysage artistique britannique, faisant de l'expansion régionale une stratégie de plus en plus vitale. Parallèlement, le retour au pouvoir du président Donald Trump engendre déjà de nouveaux obstacles, notamment sous la forme de droits de douane susceptibles d'avoir de lourdes conséquences sur le commerce international des œuvres.
Pour résumer brièvement la politique tarifaire de Trump jusqu'à présent : les États-Unis ont reporté d'un mois l'application d'un droit de douane de 25 % sur les importations en provenance du Canada et du Mexique, en échange d'un renforcement des mesures de sécurité aux frontières de ces deux pays. Néanmoins, une taxe de 10 % sur les produits chinois est déjà entrée en vigueur. Ce développement n'est pas totalement inattendu, les importations chinoises ayant déjà fait l'objet de droits de douane lors du premier mandat de Trump, entre 2017 et 2021. Si les préoccupations immédiates se concentrent sur le pétrole, l'électronique, les pièces automobiles et les produits agricoles, le marché de l'art fait face à ses propres défis, particulièrement en ce qui concerne le commerce des antiquités, des textiles et des produits à base de papier.
Cela m'amène à un point essentiel : la matérialité des œuvres. Un rapport récent de Tim Schneider a examiné une étude unique publiée par Metalabel, The Anonymous Creative Futures Report, qui analyse la manière dont les artistes naviguent dans les complexités de l'achat, de la vente et de la promotion de leur travail. L'un des enseignements les plus marquants, souligné par Schneider, est la prévalence croissante de pratiques multidisciplinaires parmi les artistes, impliquant l'utilisation d'une gamme de matériaux plus vaste que jamais. Ce phénomène est directement lié aux défis croissants concernant les coûts des matériaux et les droits de douane, car la hausse des taxes sur l'importation de papier, de textiles et de pigments pourrait peser lourdement sur la production créative et l'accessibilité du marché.
Ce sujet rejoint également les discussions de notre récent panel OPEN EDITION sur la préservation de la valeur, où Helena Poole, de MyArtBroker, a exploré les enjeux de conservation en estampe, notamment en ce qui concerne les matériaux. Certains matériaux sont intrinsèquement plus difficiles à préserver que d'autres, mais, en fin de compte, le choix des matériaux par l'artiste au moment de la production joue un rôle fondamental dans la pérennité de l'œuvre. Les artistes expérimentent depuis des décennies avec divers matériaux, mais les droits de douane posent désormais un défi direct : si un artiste graveur dépend d'un papier de haute qualité importé soumis à des taxes supplémentaires, il pourrait être contraint de se tourner vers une alternative locale plus abordable.
Avec la hausse des droits d'importation sur le papier, les pigments et les fournitures d'impression spécialisées, les artistes — en particulier ceux travaillant l'estampe et les éditions — pourraient être amenés à repenser entièrement leurs méthodes de production. Nous avons évoqué plus tôt les collaborations de Murakami avec Louis Vuitton, mais un autre artiste travaillant de plus en plus avec les textiles et le secteur de la mode de luxe est KAWS. L'augmentation des coûts des textiles pourrait également poser problème pour ce type de partenariats intersectoriels, alors que de plus en plus d'artistes explorent les collaborations dans le domaine de la mode.
En définitive, les droits de douane de Trump pourraient provoquer un effet domino sur l'ensemble du marché de l'art, contraignant les artistes à des choix difficiles :
- Absorber eux-mêmes les surcoûts, ce qui réduirait leurs marges.
- Répercuter les dépenses supplémentaires sur les collectionneurs, ce qui pourrait freiner la demande.
- Se tourner vers des matériaux plus accessibles, au risque de compromettre l'intégrité artistique.
Dans certains cas, les artistes pourraient même reconsidérer la production d'estampes, entraînant une réduction de la production et modifiant la dynamique de l'offre et de la demande. Si des matériaux clés sont taxés, deviennent plus difficiles à obtenir ou nettement plus onéreux, la production d'estampes pourrait évoluer de manière imprévisible, façonnant fondamentalement l'avenir des œuvres éditées. L'intersection entre droits de douane, choix des matériaux et défis de conservation s'annonce comme l'un des sujets les plus critiques à suivre dans le paysage artistique en mutation de 2025.
Perspectives
L'année 2025 s'annonce riche en enjeux, alors que nous n'en sommes qu'à ses prémices. En définitive, les perspectives dépendent de la manière dont nous aborderons des questions cruciales : comment les artistes s'adapteront-ils à la hausse du coût des matériaux ? Quels artistes blue chip soutiendront le marché ? Les marchés émergents, comme ceux du Moyen-Orient, pourront-ils compenser l'instabilité occidentale ? À l'heure actuelle, il est impossible d'y répondre avec certitude.
Cependant, l'histoire nous offre une perspective. Le marché de l'art a toujours su s'adapter au changement : avant la pandémie de COVID-19, les transactions en ligne jouaient un rôle bien moindre ; pourtant, dans l'après-crise, le marché numérique s'est imposé comme une force dominante du secteur. Si les chiffres sont en baisse pour le moment, nous traversons une ère d'une immense énergie créative, où l'intelligence artificielle et la technologie redéfinissent la production artistique, tandis que de nouveaux médiums gagnent en reconnaissance. Le défi majeur à venir ne concerne pas uniquement les chiffres du marché, mais l'engagement. Susciter l'enthousiasme pour la collection, l'investissement et la participation au marché de l'art sera primordial. Si nous parvenons à nourrir cette dynamique, le marché évoluera naturellement et de nouveaux acteurs émergeront pour insuffler une nouvelle impulsion et stimuler les débats — ce qui a toujours été le moteur du monde de l'art.
