Brillo
Box

Une estampe signée qui fait référence à l'une des sculptures les plus acclamées de Warhol, la « Brillo Box », incarne les principes du mouvement Pop Art naissant. L'Amérique a connu un développement économique majeur pendant la période de l'après-guerre. Parallèlement, une explosion de la publicité et du consumérisme a eu lieu. C'est dans ce contexte qu'est né le Pop Art. Warhol puisait son inspiration dans les produits qui caractérisaient la vie quotidienne : les bouteilles de Coca-Cola, les boîtes de soupe Campbell's, les billets de dollar et les tampons à récurer Brillo. Rompant de manière décisive avec les traditions artistiques du passé, il a élevé ces objets banals, les transformant en grand art. Il était fasciné par leur pouvoir démocratique et la façon dont ils définissaient l'expérience du consommateur américain, déclarant célèbrement : « Un coke est un coke, et aucune somme d'argent ne peut vous procurer un meilleur coke que celui que boit le clochard au coin de la rue. Tous les cokes sont identiques et tous les cokes sont bons. Liz Taylor le sait, le Président le sait, le clochard le sait, et vous le savez. » L'artiste s'intéressait également au pouvoir visuel des marques et des emballages, ainsi qu'au caractère sériel de leur production. En 1963, un an avant d'exposer ses premières sculptures de Brillo Box (3c off), Warhol répondait à la question « Qu'est-ce que le Pop Art ? » dans une interview pour Art News : « La raison pour laquelle je peins de cette façon, c'est que je veux être une machine, et j'ai le sentiment que tout ce que je fais et que je fais de manière mécanique est ce que je veux faire. » Warhol cherchait à s'approprier le langage visuel de la production de masse et à l'appliquer à son art.

En 1964, l'artiste a d'abord exposé un petit nombre de sculptures jaunes Brillo Box (3c off) lors d'une exposition collective intitulée Boxes à la Dwan Gallery de Los Angeles. Pour sa première exposition de sculptures à la Stable Gallery à New York quelques mois plus tard, Warhol et ses assistants Billy Name et Gerard Malanga ont reçu un camion rempli de caisses en bois fabriquées, sur lesquelles ils ont sérigraphié des répliques exactes de logos de marques telles que Heinz, Del Monte et Brillo. Il en est résulté une galerie remplie de plusieurs centaines de caisses en bois presque indiscernables des cartons de supermarché dans un entrepôt.

La série imitait un processus commercial de production et a donné lieu à des sculptures directement inspirées des marques de consommation courantes. Les œuvres Brillo Box et Brillo Box (3c off) exposées lors de la manifestation de 1964 à la Stable Gallery étaient emblématiques de l'adoption par Warhol de tout ce qui était auparavant considéré comme non-artistique : les matériaux et les images de la culture populaire quotidienne ; les magazines, les bandes dessinées, les médias d'information, les stars de cinéma, la publicité et les produits. Les sculptures marquaient une rupture décisive avec les conventions artistiques du passé, en particulier celles des expressionnistes abstraits. Les sculptures Brillo Box constituaient une déclaration claire qui résistait à l'expressionnisme et à l'intervention individuelle de l'artiste, traditionnellement considérés comme des indicateurs d'originalité, et prônaient à la place une précision graphique et une objectivité proches de la machine.

Les Brillo Boxes de Warhol étaient controversées et choquantes au moment de leur dévoilement. Ces sculptures demeurent fraîches et contemporaines près de soixante ans après leur production et confirment la déclaration de l'écrivain et critique culturel Gary Indiana : « Warhol a recâblé votre perception de ce que vous saviez déjà. » Leur célébration de la nouveauté, du quotidien et de la culture populaire américaine a fait de la série Brillo Box l'un des corpus d'œuvres les plus notoires et les plus acclamés de Warhol.